国语老歌HIFI一人一首 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:珠江电影制片公司白天鹅音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:13.0

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isbn号码:9787885160012

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• 国语老歌
• HIFI
• 经典老歌
• 怀旧
• 音乐
• 流行
• 抒情
• 翻唱
• 一人一首
• 音乐合集

华语流行音乐史的璀璨星河：从黄梅调到新马唱将 一卷跨越半个多世纪的时代风云，一曲曲镌刻在集体记忆里的温柔低语。 本书并非聚焦于某一个特定歌手或流派，而是以一个宏大而细腻的视角，为您铺陈开一幅波澜壮阔的华语流行音乐发展图景。我们深入探寻那些塑造了“老歌”概念的黄金年代，那些定义了情感表达方式的旋律与歌词，以及那些在时代洪流中依然闪耀的音乐巨匠们。 本书分为四大篇章，力求全景式展现华语乐坛的演变脉络： --- 第一部：萌芽与拓荒——五十年代的曲韵流光 本部分将时间回溯至二十世纪五十年代，一个充满变革与融合的年代。在战后重建的背景下，上海滩的灯红酒绿催生了早期国语流行音乐的雏形。 一、 南洋风韵与上海滩的交响： 我们将探讨早期国语歌曲如何吸收了上海的“时代曲”风格，并与南洋地区的音乐元素进行碰撞。重点分析了姚莉、李香兰（山口淑子）等早期歌者的唱腔特点，以及他们如何通过电台和唱片，将这些新颖的旋律带入寻常百姓家。这里的“老歌”并非仅仅是怀旧，更是对现代都市情感的初次描摹。 二、 电影金曲的力量： 五十年代是国语电影的黄金期，音乐与影像的结合达到了新的高度。本章详细梳理了以《梁山伯与祝英台》（黄梅调的早期形式）、《不了情》等为代表的电影插曲如何成为大众传唱的经典。分析了这些歌曲在音乐结构上的创新，例如对民族五声调式的现代化运用，以及如何通过电影叙事强化了歌曲的情感张力。 三、 歌词的文学性初探： 早期的歌词往往带有浓厚的文学气息和含蓄的东方美学。本节选取了陈蝶衣、方文山（彼时的词人）等人的作品为例，探讨他们如何用精炼的文字描绘相思、离愁与都市的疏离感，奠定了国语流行歌词的审美基调。 --- 第二部：转型与飞扬——六七十年代的港台双雄 进入六十年代，随着香港和台湾的经济起飞与文化自觉，华语流行音乐进入了快速发展和风格多元化的阶段。这是东西方音乐浪潮激烈交锋的时期。 一、 台湾校园民歌运动的兴起： 本章聚焦于台湾“唱自己的歌”的文化浪潮。从杨弦、胡德夫的早期探索，到李双泽、罗大佑等人的批判性介入，校园民歌运动不仅是一场音乐运动，更是一场文化启蒙。分析了“民歌”如何区别于传统靡靡之音，其在曲风上的清新质朴（受西洋民谣影响）以及在主题上的深刻性（关注社会现实和青春困境）。 二、 香港粤语歌的本土化进程： 虽然本书主题是“国语”，但我们必须正视粤语流行曲在七十年代对国语歌坛产生的巨大影响力。本节探讨了香港如何通过翻唱日本及欧西流行曲，构建起成熟的工业体系，并分析了郑少秋、汪明荃等人的作品如何通过电视剧，影响了更广大的华语听众群对“情感表达”的期待。 三、 跨越海峡的“抒情天王”： 七十年代末期，国语抒情歌曲开始占据主流。本章深入剖析了邓丽君等巨星的艺术成就。这不是简单的翻唱，而是她独特的“气声唱法”如何将一首原本的日文或英文歌曲，注入了独有的东方柔情和普世的孤独感。她的声音成为了连接不同地域听众的文化桥梁。 --- 第三部：黄金十年与曲风交融——八九十年代的巅峰对决 八十年代中期至九十年代末，是华语流行音乐制作水准、市场规模和艺术成就共同攀上顶峰的时期。 一、 台湾流行音乐的工业化： 本章详细考察了滚石、飞碟、宝丽金等唱片公司如何构建起一套完整的词曲作者、制作人、企划营销体系。罗大佑、李宗盛、周华健、齐秦等人的作品，标志着流行音乐在人文关怀和技术制作上达到了成熟的工业水准。分析了“都市情感”主题在这一阶段的深化，从单纯的爱恋延伸到对生命意义的追问。 二、 香港“四大天王”的时代符号： 虽然港乐鼎盛，但国语歌曲的市场份额依然巨大。本节分析了张学友、刘德华等人如何利用其强大的影响力，将自己的国语作品推向整个大中华区。重点分析了这一时期国语歌曲在编曲上吸收了大量R&B、摇滚和舞曲元素，展现出前所未有的国际化视野。 三、 幕后推手与制作的革命： 没有顶尖的词曲作者和编曲家，就没有黄金时代的诞生。本章将焦点转向了如陈家丽、林夕、鲍比达等幕后英雄，他们如何通过精妙的编曲和歌词结构，提升了国语老歌的艺术品位，使其能够与国际流行音乐标准并驾齐驱。 --- 第四部：回响与传承——新世纪的审视与未来 进入新世纪后，虽然音乐载体和传播方式发生了巨大变化，但九十年代的经典作品并未褪色，反而因时间的沉淀而更显价值。 一、 经典重塑与翻唱风潮的兴起： 分析了新一代歌手如何以现代的编曲技术（如更饱满的低频、更精细的混响）重新诠释那些“老歌”。这不仅是对传统的尊重，也是对当代听众审美需求的调适。探讨了这种“新编”与“原汁原味”之间的平衡艺术。 二、 记忆的结构与情感共鸣： 老歌之所以不朽，在于其跨越代际的情感共鸣。本章从心理学和文化人类学的角度，探讨了为何某些旋律和歌词能够穿透时间，成为特定群体身份认同的标志。它关乎集体怀旧，关乎对“纯真年代”的向往。 三、 永恒的旋律：老歌的文化遗产价值： 本书最后总结了这些早期作品作为华语流行文化遗产的不可替代性。它们是社会变迁的记录者，是语言美学的载体，也是华人在全球化进程中保持文化连接的重要纽带。 --- 本书旨在提供一个深度、广度兼备的音乐文化考察报告，适合所有对华语流行音乐发展史抱有浓厚兴趣的读者。它不仅仅是一本“歌单”的汇编，更是一部探讨时代精神、文化融合与艺术创造力的严肃论著。阅读此书，您将能更深刻地理解，那些耳熟能详的旋律是如何一步步搭建起我们共同的情感世界。

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我必须称赞一下《乐坛风云录：五十年来的幕后故事》的叙事功力，简直是大师级的！这本书以一种极其口语化且充满戏剧张力的方式，讲述了音乐产业从传统录音室时代到数字时代的巨大变革。它没有回避行业内的激烈竞争、合约纠纷，甚至是一些大胆的艺术抉择背后的权衡利弊。读起来酣畅淋漓，仿佛置身于那个波谲云诡的行业漩涡之中。作者似乎拥有“时间穿梭机”，能让我们亲临那些历史性的谈判桌前，感受音乐人为了坚持自己的创作理念而付出的巨大努力。特别是关于某次里程碑式的专辑制作过程的详细描述，那种从灵感到最终成品，中间经历的无数次推翻和重塑，让人对“艺术的诞生”有了全新的敬畏感。这本书提供了一个绝佳的视角，去理解音乐是如何被“制造”出来的，而不仅仅是“听到”的。

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最近刚读完这本名为《尘封的录音带：未被主流发现的声音》的合集，心情久久不能平静。这本书的独特之处在于，它挖掘了那些真正有才华却因为种种原因未能大红大紫的“遗珠”歌手。与其说这是一本书，不如说它是一份珍贵的“声音地图”，指引我们去探索音乐世界那些不为人知的角落。每一位被介绍的音乐人，都配有作者多年来搜集到的独家资料，包括他们早期的Demo磁带照片、甚至是家人提供的生活侧写。这使得我们对他们的了解不仅仅停留在音乐层面，更能感受到他们作为普通人的喜怒哀乐。这本书散发着一种朴素而真挚的关怀，让我明白，伟大的声音不一定需要万众瞩目，它们只需要被真正懂得它们的人聆听。强烈推荐给所有对音乐怀有探索精神的听众。

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说实话，我一开始对《光影中的和声记忆》这本书是抱着怀疑态度的，毕竟涉及“影视金曲”这个题材的书籍太多了，大多都是流水账式的介绍。但这本书完全颠覆了我的认知。它没有停留在简单地罗列“哪部电影用了哪首歌”，而是深入探讨了音乐是如何作为一种情绪载体，与画面进行共振的。书中有一个章节专门分析了某个黑白电影的配乐，如何通过极简的配器，精准地烘托出主角内心的挣扎与抉择，那种细腻到令人窒息的掌控力，简直是教科书级别的。作者的笔触非常细腻且富有画面感，读起来完全不像在看一本“书”，更像是在看一部由文字构建的立体声电影。对于那些热爱光影艺术和声音美学的朋友来说，这本书的价值简直无法估量，它教会我如何用耳朵去“看”电影。

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哎呀，最近淘到一本让我心头一颤的唱片集，名字叫《岁月留声·经典回眸》。这本书的装帧设计就特别有味道，那种复古的米黄色纸张，摸上去带着点粗砺的质感，仿佛能触摸到上个世纪的时光。里面的内容更是让人沉醉，它不像现在这些流行音乐那样追求瞬间的爆发力，而是专注于那种娓娓道来的叙事感。我尤其喜欢它对老一辈歌手的深度挖掘，不仅仅是收录了他们的歌曲，更像是通过文字和配图，带我们走进了他们那个年代的录音棚，感受那种纯粹的、不加修饰的音乐制作过程。记得有一篇文章详细描述了某位歌后在录制一首脍炙人口的民歌时的心境，那种对艺术的敬畏和对生活的理解，真不是现在的“快餐式”音乐能比拟的。翻阅这本书，就像是坐在一个老式留声机旁，听着温暖的电流声，每一页都散发着光芒，让人忍不住想停下来，细细品味每一个段落。

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这本《黄金年代的旋律脉络》绝对是音乐爱好者不可多得的宝典。我本来以为它会是一本很枯燥的乐理分析或者历史梳理，没想到内容组织得异常生动有趣。它巧妙地将不同时期、不同风格的音乐家串联起来，形成了一张巨大的音乐关系网。比如说，它清晰地阐述了某种特定的和声走向是如何从早期爵士乐演变，最终影响到后来的都市民谣，这种深入浅出的讲解方式，即使是对音乐理论不太精通的人也能轻松理解。更绝的是，书中收录了许多珍贵的采访手稿和当年的乐谱片段，那些工整的铅笔字迹和修改痕迹，简直就是活的历史文献。我花了整整一个下午，比对着书里的描述去寻找对应年代的音乐录像，那种“对上号了”的惊喜感，真是无与伦比。这本书不只是记录了音乐，它是在复原一个时代的听觉记忆。

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