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出版者:建筑工业

作者:宋莹 编

出品人:

页数:168

译者:

出版时间:2005-4

价格:38.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787112071029

丛书系列:

图书标签:

• 设计
• 平面设计
• 艺术
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• 色彩构成
• 形式美学
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《色彩的交响：视觉艺术中的光影律动》 前言 自人类诞生以来，色彩便以其无处不在的魅力，深刻地影响着我们的感知、情感与表达。它不仅仅是光线在物体表面反射和折射的结果，更是一种强大的语言，能够跨越文化和语言的障碍，直抵心灵深处。《色彩的交响：视觉艺术中的光影律动》旨在深入探讨色彩在视觉艺术领域中的复杂性、应用及其内在的科学与哲学基础。本书将引领读者穿越色彩的广阔领域，从基础的光学原理到复杂的心理感知，再到艺术实践中的精妙运用，构建一个全面而立体的色彩认知体系。 第一部分：色彩的物理基础与感知科学 第一章：光的本质与色彩的起源 本章首先追溯色彩的本源——光。我们将详细解析电磁波谱的结构，聚焦于可见光范围内的波长与频率。通过对牛顿棱镜实验的回溯，清晰阐明“色散”现象，揭示光谱的形成过程。在此基础上，深入探讨不同光源（如太阳光、白炽灯、荧光灯及LED）的色温特性及其对物体颜色的影响。理解光源的特性，是准确把握和控制色彩变化的第一步。 第二章：色彩的科学模型与标准 为了有效地交流和复制色彩，人类发展出了一系列精确的色彩模型。本章将系统介绍最核心的三种模型： 1. RGB（红绿蓝）模型： 主要应用于光线发射型设备（显示器、屏幕），阐述加色混合原理。 2. CMYK（青品红黄黑）模型： 聚焦于印刷和颜料领域，解释减色混合原理及其在不同介质中的局限性。 3. HSV/HSB（色相、饱和度、明度/亮度）模型： 强调从人眼感知角度对色彩进行直观描述和调整的方法，便于艺术家和设计师操作。 此外，本书将详述国际公认的CIE XYZ 1931标准观察者系统，解释其作为色彩空间参考标准的关键作用，并简要介绍La等更符合人类视觉的色彩空间，为后续的色彩管理和校正奠定理论基础。 第三章：人眼的构造与色彩的心理学 色彩的体验发生在人脑。本章聚焦于视觉生理学，解析眼睛中视杆细胞和视锥细胞的功能，以及三色视觉理论（Young-Helmholtz理论）如何构建我们的色彩感知。随后，我们将转向色彩心理学，探讨不同文化背景下，色彩所承载的象征意义和引发的情感反应（如红色代表的激情与危险，蓝色代表的宁静与忧郁）。通过实验案例，分析同时对比、后像效应等视觉错觉如何扭曲我们对色彩的“客观”判断。 第二部分：艺术实践中的色彩运用 第四章：传统绘画中的色彩技法演进 本章将时间轴拉回到古典艺术，考察文艺复兴时期对透视与明暗的精湛掌握，以及色彩如何服务于体积塑造和空间营造。重点分析十七世纪巴洛克时期对戏剧性光影（明暗对照法，Chiaroscuro）的运用，色彩如何被用来引导观众的视线。随后，探讨印象派画家如何摆脱工作室的束缚，通过对瞬间光影的捕捉，打破了传统色彩的固定模式，引入了“光学混合”的实践。 第五章：印象派与后印象派的色彩革命 印象派对色彩的解放是艺术史上的一个关键转折点。本章深入研究莫奈、雷诺阿等人如何运用并置的高纯度色彩来模拟自然光线的效果。后印象派，尤其是梵高和高更，则将色彩从对自然的模仿中解放出来，赋予其强烈的主观情感和象征意义。分析他们如何利用对比色的并置来增强画面的活力，以及使用邻近色来营造和谐的氛围。 第六章：现代艺术中的色彩解放与抽象探索 进入二十世纪，色彩获得了前所未有的独立地位。野兽派（Fauvism）的纯粹、未经调和的色彩，是对传统美学的直接挑战。本章将详细剖析康定斯基和蒙德里安等先驱如何探索色彩的内在精神价值，试图建立一套脱离具象描绘的纯粹的色彩语言。讨论色彩在抽象表现主义（如罗斯科的色域绘画）中，如何通过大面积的色块，直接与观者的情感深度建立联系。 第七章：色彩的调和与冲突：色彩和声的构建 本章是关于色彩组合策略的实用指南。我们首先系统梳理色彩轮上的关系：互补色（高对比度带来的张力）、三色组合（稳定而丰富的平衡）、分裂补色（既有对比又更柔和的方案）。随后，深入探讨如何通过调节色彩的明度（Luminosity）和饱和度（Chroma）来实现色彩的调和（Harmony）。讲解“色彩重心”的概念，即如何通过小面积的高饱和度色彩来平衡大面积的低饱和度区域，从而达到视觉上的稳定与生动。 第三部分：色彩的跨界应用与未来 第八章：设计中的色彩心理学与品牌构建 色彩在商业传播中扮演着至关重要的角色。本章探讨了色彩识别系统（Color Identity System）的建立，分析全球主流品牌如何利用特定的色彩组合来传达其核心价值、目标受众和产品定位。我们将研究色彩在包装设计、用户界面（UI/UX）设计中的应用原则，例如在网页设计中，色彩如何影响转化率和用户导航体验，以及色彩的无障碍设计考虑。 第九章：数字媒体与动态色彩 随着数字技术的发展，色彩的呈现方式也发生了根本性变化。本章讨论色彩在视频、动画和虚拟现实（VR/AR）中的特殊处理。研究色彩梯度（Gradients）的生成原理、色彩分级（Color Grading）在电影叙事中的作用，以及如何应对不同显示设备之间的色彩差异（色彩空间转换）。探讨动态色彩如何通过时间维度，增强叙事节奏感和氛围渲染力。 第十章：对未来的展望：技术与人文的交汇 在最后一部分，本书将目光投向色彩研究的前沿领域。我们将讨论新兴的色彩技术，如超材料色彩、基于人工智能的自动配色系统。同时，本书也将回归人文关怀，探讨在日益数字化的世界中，我们如何保持对自然光影的敏感度，以及色彩艺术在应对环境变迁、社会议题时所能发挥的独特作用。 结语 色彩是一场永无止境的探索之旅。通过对物理、生理、心理和艺术层面的层层剥茧，我们期望读者能超越简单的“喜欢”或“不喜欢”，真正理解色彩背后的逻辑与力量。愿本书成为读者手中，解读这个斑斓世界的一把精妙钥匙。 --- 附录： 色彩术语词典、常用色卡标准速查表。 索引： 人名、理论、技法索引。

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我是一个偏爱手绘和传统工艺的人，起初对这种听起来很“硬核”的现代构成理论有些抗拒，生怕内容过于冰冷和程式化。但这本书的第二个部分彻底打消了我的疑虑。它没有将构成限制在二维的电脑屏幕上，而是巧妙地引入了肌理、材质和光影对平面构成的影响。书中收录了大量利用天然材料——比如粗麻布、砂纸、甚至树皮——来创作的案例，探讨了这些自然纹理如何在视觉上打破了传统几何的僵硬感，增添了人情味和触感。作者非常强调“手感”在构成中的重要性，鼓励读者去动手实验，比如用剪刀而不是裁刀来处理边缘，观察那种微小的参差不齐如何产生新的视觉韵律。这种将抽象理论落地到具体材料和手工操作层面的做法，极大地激发了我的创作热情，让我意识到，无论是复杂的数码艺术还是朴素的剪纸艺术，核心的构成原理都是相通的，关键在于如何调动你的所有感官去感知和组织视觉元素。

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这本书最让我感到惊喜的是，它不仅仅关注静态的二维平面，还对动态和三维空间的暗示给予了足够的篇幅。在探讨如何利用线条的粗细变化和交错叠加来制造深度错觉时，书中呈现的视错觉图例简直令人叹为观止，你看着一个页面，它似乎在微微起伏、向内陷落或者向外凸出，但实际上它只是由印刷的油墨构成的。这种对人眼局限性的利用和挑战，让“平面构成”这个概念立刻从纸面上升到了心理学和光学实验的高度。它没有将“构成”视为一个终点，而是将其视为一种理解和操纵视觉认知的工具。读完后，我再看任何涉及三维建模或动画预演的作品时，都会立刻联想到书中那些关于透视和轴线构成的基础原理，感觉自己仿佛拿到了一个万能钥匙，可以解锁更深层次的视觉表达密码。这本书的视野广阔，深度惊人，是那种可以放在书架上，每隔一段时间就拿出来重读一遍的宝藏。

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如果说市面上很多设计书籍侧重于“展示优秀作品”，那么这本书的价值就在于它提供了“解构优秀作品”的工具箱。它不会直接告诉你“这样做很酷”，而是会引导你去思考“为什么它会让你感觉酷”。我特别欣赏其中关于“韵律与节奏”那一章的论述。作者用音乐理论中的节拍、休止符的概念来类比视觉元素的重复与间隔，这种跨领域的类比非常具有启发性。通过拆解那些看似毫不相关的图形元素，比如一组规整的圆点序列，如何通过改变点与点之间的距离，从平稳过渡到急促，再到最终的爆炸感，整个过程的逻辑推演清晰到令人拍案叫绝。这套方法论不仅适用于平面设计，我甚至尝试用它来组织我的PPT演讲稿的逻辑流程，或者安排我的日常工作任务的优先级，那种结构化的思维方式简直是全能型的思维武器。

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这本书的排版和装帧设计本身就是一本教科书级别的展示。从纸张的选择到字体的大小、行间距的把控，每一个细节都透露出对“构成”二字的极致尊重。装帧师似乎深谙“少即是多”的原则，封面设计极简却极富张力，仅仅依靠几种灰度色块的巧妙重叠，就营造出一种强烈的空间感，让人忍不住想去触摸和探究它背后的逻辑。内页的插图和案例分析，无一不体现了精心的编排。图文的排布并非简单的左右对照，而是采用了非对称的视觉引导，引导读者的目光在页面上进行一次次的“动态平衡”练习。对于我这种对视觉细节有强迫症的人来说，阅读体验简直是一种享受。它让我明白，设计的“形式美”绝不是可有可无的装饰，而是内容表达最忠实的载体。这本书本身就是对“形式追随功能”最完美的诠释，让人在学习理论的同时，也进行了一场关于书籍美学的深度体验。

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哇，这本书简直是打开了我对色彩和线条的新世界大门！我一直以为设计无非就是把好看的图案拼凑在一起，但这本书深入浅出地讲解了点、线、面如何相互作用，形成具有视觉张力和情感表达力的构成。尤其是关于“负空间”的运用，简直让我茅塞顿开。作者似乎有一种魔力，能把那些抽象的几何原理讲得如同生活中的小故事一样生动有趣。我记得有一个章节专门分析了蒙德里安的作品，不是简单地罗列他的画作，而是细致地剖析了他在不同时期对网格和色彩比例的微妙调整，这种深度剖析让我意识到，即便是最简单的方形和直线，也能蕴含如此丰富的哲学思考。读完后，我再看任何平面作品，都会不自觉地去分析它的底层结构和节奏感，这已经远远超出了我当初对“设计入门”的期待。它不仅仅是教你如何“做”设计，更重要的是教你如何“看”设计，如何用设计师的眼睛去解构和欣赏这个充斥着视觉信息的现代世界。

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三大构成之一

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这门课上得水，我学得也比较水... 大作业都是敷衍的

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还可以，买了