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出版者:高等教育出版社

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页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:3

装帧:

isbn号码:9787040030150

丛书系列:

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• 戏剧
• 化妆
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• 表演
• 艺术
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• 面部
• 特效
• 化妆术

舞台上的魔术：探索表演艺术的视觉魔力 书籍名称： 舞台上的魔术：探索表演艺术的视觉魔力 内容概要： 本书深入剖析了舞台艺术领域中至关重要的一个环节——视觉呈现。我们并非专注于特定的戏剧门类，而是将目光投向整个表演艺术的广阔疆域，探究如何通过精心设计的视觉元素，来塑造观众的感知、烘托故事情节，并最终实现艺术家的创作意图。 《舞台上的魔术：探索表演艺术的视觉魔力》是一部面向舞台技术人员、导演、设计师、剧场管理者，乃至所有对表演艺术幕后工作抱有浓厚兴趣的读者的专业论著。它摒弃了对单一艺术形式的狭隘界定，而是力求构建一个跨越歌剧、舞蹈、现代戏剧、音乐剧乃至实验表演的通用视觉语言框架。 全书结构分为五大部分，层层递进，系统地梳理了视觉呈现从概念构思到最终执行的全过程。 --- 第一部分：视觉叙事的底层逻辑与理论基石 本部分旨在为读者建立一个坚实的理论基础，理解“视觉”在表演艺术中扮演的核心角色。我们探讨的不仅仅是“美学”，更是“功能性美学”——即每一个视觉元素的出现，都必须服务于叙事和情感的传达。 1. 符号学在舞台上的应用： 剖析色彩、形状、纹理和运动如何在舞台空间中被编码为具有特定含义的符号。例如，不同色温的光线如何即时改变观众对角色心理状态的解读；特定几何形状的布景如何暗示冲突的本质。我们参照了大量的跨文化符号学案例，展示符号的通用性和地域差异性。 2. 空间感知与观众心理： 深入研究舞台空间如何被设计和利用，以操控观众的注意力焦点和身体感受。内容涵盖舞台景深、舞台平面分割、观众席与舞台的关系（如黑匣子剧场、镜框式舞台的差异化效果），以及如何利用视觉错觉来扩展或压缩舞台空间，制造沉浸感或疏离感。 3. 节奏与时间感知的构建： 视觉元素并非静止不变，它们在时间轴上流动。本章分析灯光、布景转换、服装色彩变化的速度和频率，如何共同构建舞台叙事的节奏感，影响观众对时间流逝的感知，例如快速的场景切换带来的紧张感与缓慢的过渡带来的沉思感。 --- 第二部分：光影的雕塑术：照明设计的前沿实践 灯光是舞台上最富有生命力的“颜料”。本部分聚焦于照明技术在当代舞台制作中的复杂应用，超越了基础的布光，进入到艺术化和技术融合的层面。 1. 光源的特性与情感映射： 详细解析从传统钨丝灯到高科技LED系统的光线物理特性（色温、显色指数、光束角度），以及这些物理属性如何精准地对应到人类的情感光谱。我们探讨了如何通过“柔光”和“硬光”的组合，在演员面部雕刻出戏剧性的明暗层次。 2. 动态照明与运动编排： 探讨如何使用智能灯具（Moving Lights）与舞台调度相结合，实现“光随人动”或“光线引导动作”的技术。特别关注如何设计复杂的灯光序列，以突出舞蹈动作的轨迹或增强武打场面的视觉冲击力。 3. 投影技术与虚拟场景构建： 深入研究高流明投影、3D Mapping（三维映射）在舞台背景、道具乃至服装上的集成应用。分析如何利用数字媒体内容来创造传统布景难以企及的、不断变化且具有叙事深度的环境背景。 --- 第三部分：物质的语言：布景、道具与服装的有机统一 本部分强调了舞台上的“物质实体”——布景、道具和服装——是如何作为一个相互关联的系统运作，共同讲述故事的。 1. 布景设计的叙事功能： 讨论布景如何从单纯的背景转化为具有主动叙事力量的角色。内容包括极简主义布景对想象力的激发，以及复杂机械布景在提升剧目规格和技术难度上的挑战与机遇。分析可旋转、可升降的舞台机械如何拓展表演的可能性。 2. 道具与细节的心理暗示： 道具的选择和处理，是体现人物性格和时代背景的关键。本章研究如何通过道具的磨损程度、材质选择、以及在舞台上的特定摆放位置，向观众传递潜台词和历史信息。 3. 服装作为流动的人体雕塑： 从材质、廓形到色彩，服装是观众识别角色、理解其社会地位和内心冲突的最直接载体。我们探讨了如何设计兼具视觉冲击力、符合时代背景且不妨碍演员表演的服装方案，以及如何运用服装的快速更换来表现角色的成长或衰败。 --- 第四部分：技术整合与跨媒介的融合 现代舞台艺术已不再是单一艺术形式的独角戏，技术的集成是提升视觉体验的核心驱动力。 1. 舞台机械与安全工程： 涵盖舞台吊装、升降台、翻转装置等大型机械系统的设计考量、操作规范和安全标准。强调技术的可视化与不可视化平衡——即技术服务于艺术，而非喧宾夺主。 2. 声音景观与视觉的同步： 分析声学设计（包括空间化音频系统）如何与视觉效果进行精确校时和协同工作。例如，如何通过声音的突然消失来强化一个视觉上的定格瞬间，或者利用环境音效的层次来界定舞台上不同区域的光照氛围。 3. 虚拟现实与增强现实在舞台上的实验性探索： 探讨新兴技术（如XR技术）在提升观众临场感和突破物理限制方面的最新应用案例，并分析其在成本、技术门槛和观众接受度上的现实挑战。 --- 第五部分：从概念到首演：视觉制作的管理流程 最后一部分将视角转向实际制作层面，为读者提供一套从蓝图到执行的系统性管理框架。 1. 概念化设计与跨部门沟通： 强调导演、灯光设计师、舞美设计师和服装设计师之间的早期协作至关重要。如何创建有效的视觉参考文件（Mood Boards, Renderings）以确保所有部门对最终视觉效果有共同的理解。 2. 技术图纸的阅读与执行： 针对技术人员，详细阐述如何准确阅读和绘制灯光、机械和布景的施工图纸，以及如何进行技术联排（Tech Rehearsals）中时间、空间和技术元素的精确对接。 3. 预算控制与资源优化： 讨论在有限的预算内实现最大化视觉冲击力的策略。包括材料替代、租赁优化、以及优先投资于对叙事影响最大的视觉环节。 通过对这些复杂而精妙的视觉元素的系统梳理和深入剖析，《舞台上的魔术：探索表演艺术的视觉魔力》旨在揭示隐藏在帷幕之后，那股驱动观众心神、成就非凡体验的强大艺术力量。本书提供的是一套分析工具和设计哲学，帮助从业者将单纯的“装饰”转化为有力的“表达”。

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这本《戏剧化妆》的装帧设计本身就透着一股典雅的学院派气息，硬壳封面摸上去质感十足，散发着淡淡的书墨香。我一直对舞台艺术背后的技术环节充满好奇，特别是角色塑造中至关重要的一环——面部语言的构建。这本书初看起来像是那种教科书式的、严谨的工具书，但翻开目录才发现，它覆盖的范围远比我想象的要广阔。它不仅详细解析了基础的底色处理、明暗塑造，更深入探讨了如何根据不同历史时期的戏剧风格（比如巴洛克时期的繁复与古希腊悲剧的写意）来调整化妆的视觉冲击力。我尤其欣赏其中对于“光影心理学”的阐述，作者并未停留在化学层面解释颜料的遮盖力，而是探讨了舞台灯光如何与厚重的舞台妆容发生作用，进而影响观众的潜意识接收。阅读过程中，我仿佛站在了化妆台前，手里拿着不同色阶的油彩，作者的文字如同经验丰富的大师的耳提面命，指导我如何通过额头和颧骨的雕塑，瞬间将一个普通演员转化为莎士比亚笔下的王子或小丑。这种将艺术审美与精细技术完美融合的叙述方式，让人对其专业性肃然起敬。

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这本书的排版和插图质量极高，这点不得不提。在很多技术书籍中，插图往往是粗糙的、难以辨认的步骤图，但这本《戏剧化妆》在这一点上做得非常出色。大量的全彩高清图片，详细展示了专业化妆师在不同光线下绘制的色彩过渡和层次堆叠。尤其让我印象深刻的是关于“特殊效果化妆”（SFX）的部分，它不是简单地介绍乳胶的使用，而是深入到了材料的化学反应、皮肤的生物兼容性以及如何确保这些造型能在高强度表演中保持完整性。书中对不同肤质的演员如何应对油彩、水溶性颜料或泡沫乳胶的过敏反应给出了详尽的建议，这体现了作者极强的实践经验和对演员福祉的关怀。对于任何一个严肃对待舞台艺术（无论是舞台剧、电影还是商业演出）的化妆师而言，这本书提供的知识密度和专业深度，是市面上其他同类书籍难以企及的。它无疑会成为我工具箱中最重要的参考书之一。

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作为一个业余的话剧爱好者，我更倾向于探索“真实感”的边界，即如何在舞台上营造出“看起来就像没化妆”的自然衰老、病态或疲惫。这本书中关于“自然主义化妆”的章节简直是为我量身定做的。作者非常巧妙地避开了那些过于学院派的复杂术语，而是用非常生活化的语言，讲解了如何利用色彩的温度和饱和度来模拟皮肤在特定光线下反射出的微妙光泽。我学到了一个极其实用的技巧：如何通过极其细微的网状纹理来模拟老年斑或疤痕，而不是简单地涂抹深色颜料。这种对“微表情”和“潜意识视觉捕捉”的深入研究，让我对舞台上那些看似不经意的细节有了全新的认识。它提醒我们，最强大的化妆，往往是让观众忘记了你在化妆。这本书的价值在于，它将化妆从一种外在的装饰，提升到了内在心理状态的外部投射层面。

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坦白说，我原本以为这会是一本比较“干货”的书，也许多是些配图步骤指南，教人如何用海绵涂抹，如何用假睫毛做出夸张效果。然而，这本书的深度远超我的预期，它更像是一部关于“面孔的叙事学”的著作。作者似乎拥有极强的跨学科背景，不仅仅是讲解化妆技法，更是将面部作为画布，与服装史、面具艺术乃至人体工程学联系起来。其中有一章专门分析了“非写实主义”化妆的应用，比如未来主义戏剧中对线条和几何形状的极端运用，以及如何利用光敏材料在现代剧场中创造出动态的视觉效果。这种理论与前沿探索的结合，让我意识到戏剧化妆远不止是“变美”或“变丑”，它是一种高度符号化的交流系统。我特别喜欢作者对“瞬间转换”的描述——如何用极少的笔触，在后台的混乱中，完成角色身份的最终确认。这对于任何一个想要深入理解戏剧幕后运作的人来说，都是一本不可或缺的“解码手册”。

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我对表演艺术的热情始于大学时期对歌剧的痴迷，尤其是瓦格纳歌剧宏大叙事下的角色呈现。当我拿起《戏剧化妆》时，我主要关注的是其在古典音乐剧领域应用的篇章。这本书没有辜负我的期待，它细致地剖析了歌剧对“持久性”和“远距离视觉效果”的苛刻要求。作者提到，歌剧院的包厢距离舞台很远，因此，对细节的追求必须转化为对整体视觉冲击力的极致把控——比如如何通过夸张的眉形来传递瞬间的情绪，即使是在二楼的观众看来。书中还收录了一些珍贵的历史案例，对比了十九世纪威尔第歌剧化妆风格与二十世纪先锋派歌剧化妆风格的演变路径，这种历史的纵深感，让原本以为是纯技术手册的内容，瞬间变得具有了文献价值。它不仅仅是教你怎么画，更是在告诉你“为什么”要这样画，背后承载了多少文化积淀和舞台环境的制约。

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