当代名家中国画全集 王个簃 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:古吴轩出版社

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页数:0

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出版时间:1992-08-01

价格:40.0

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isbn号码:9787805740553

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现当代中国画名家系列选粹：兼论吴昌硕、齐白石、徐悲鸿的艺术道路与影响 （本书不包含《当代名家中国画全集 王个簃》之内容，此为独立研究性选集） 本书导言：变革与传承——二十世纪中国画的时代精神 二十世纪，对于中国艺术史而言，是一个风云激荡、充满剧烈变革的时代。在内忧外患的历史背景下，以传统为根基的中国画艺术，面临着前所未有的挑战与转机。如何“师法造化”与“面向世界”相结合？如何继承前代大师的笔墨精髓，并注入新的时代精神与个人面貌？这些问题成为了那个时代所有杰出画家的共同课题。 本书旨在梳理和研究二十世纪中国画坛三位具有里程碑意义的巨匠——吴昌硕（作为承上启下的关键人物）、齐白石（集大成的民间艺术大师）以及徐悲鸿（引入西方写实精神的改革先驱）——的艺术创作历程、风格演变及其对后世的深远影响。通过对这三位大师作品的精选赏析与理论剖析，我们得以窥见中国画从传统巅峰向现代转型过程中的复杂脉络与丰富成果。 --- 第一章：海派遗韵与金石入画——吴昌硕的艺术革命 吴昌硕（1844—1927），是晚清民国时期影响最为深远的艺术大家之一，被誉为“后海派”的领袖。他的一生，是传统文化坚守与革新的典范。 1.1 金石入画的哲学基础： 本书首先深入探讨吴昌硕如何将深厚的金石学、篆刻功底融入绘画之中。他所提倡的“一画者，为人格之表露”，强调的不仅是技法上的融合，更是精神气质上的对接。他将古拙厚重的碑学笔法，尤其是《石鼓文》的线条力量，转化为大写意花卉与山水的骨架。 1.2 花卉画的开合与布局： 聚焦于其最具代表性的牡丹、莲花、菊石题材。吴昌硕的画作，往往以大写意的手法，在墨色的浓淡干湿变化中，营造出雄浑、恣肆的生命力。我们分析其对“红配绿”等传统禁忌的大胆运用，如何通过对色彩的精准控制，展现出强烈的装饰性与视觉冲击力，突破了传统文人画的清雅内敛，开创了一种“刚健雄浑”的新风尚。 1.3 承先启后的历史地位： 吴昌硕的成就，在于他成功地将陈淳、徐渭的浪漫写意精神，与赵之谦的碑学趣味相结合，为民国初年画坛的革新奠定了坚实的笔墨基础。 --- 第二章：大红大白与民间趣味——齐白石的“妙在似与不似之间” 齐白石（1864—1957），以其独树一帜的风格，成为二十世纪中国画坛最受人民喜爱的大师之一。他的艺术成就，在于将乡土气息与文人笔墨的界限彻底打破。 2.1 “衰年变法”的内在驱动力： 本书详述了齐白石从早期的“读书人”身份，到中年“衰年变法”的关键转折。他如何有意识地从民间艺术、木版年画乃至他家乡的物象中汲取营养，形成独有的稚拙、朴茂的画风。 2.2 笔墨语言的凝练与强化： 重点分析齐白石在水墨与设色上的创新： 虾蟹的结构与墨韵： 探讨其用“中锋与侧锋交替”描绘虾的透明质感与活力，墨法的变化如何体现了水性的灵动。 花卉的“拙”与“实”： 对比其对传统文人画中兰竹的“清逸”处理，齐白石的白菜、瓜果、蔬菜，追求的是“生活气息的实在感”。 红花的运用： 分析他如何运用洋红和胭脂，创造出浓烈而不腻俗的色彩效果，使画面充满热烈的生命张力。 2.3 哲思：“似与不似之间”的艺术标准： 深入剖析齐白石提出的这一著名论断，它不仅是对造型的描述，更是对艺术创作中主观能动性与客观物象间关系的深刻理解。 --- 第三章：中西融合的探索者——徐悲鸿的写实精神与学院派重建 徐悲鸿（1895—1953），是中国现代美术教育的奠基人，他以坚定的信念将西方写实主义的科学精神引入中国画领域，引发了关于“素描与国画关系”的激烈论辩。 3.1 留学欧洲的艺术熏陶： 系统回顾徐悲鸿在法、比等国学习西画的经历。他所接触到的古典主义、写实主义以及对人体的解剖学研究，为他后来的艺术转型提供了科学基础。 3.2 造型基础对笔墨的重塑： 本书着重分析“素描训练”如何体现在徐悲鸿的中国画创作中： 马的意象与动态捕捉： 详细解析其如何运用西方的解剖学透视和光影处理，来塑造奔马的筋骨与力量感，这与传统画科中“形似”的追求有着本质的区别。 线条的“骨感”： 分析他的线条不再仅仅是文人墨戏中的气韵象征，而是被赋予了结构支撑和体积感的“科学线条”。 3.3 历史题材的现代转型： 徐悲鸿以强烈的社会责任感，试图用中国画来表现“救亡图存”的时代主题，如《田单复国》等作品，展现了中国画在题材和叙事能力上进行现代拓展的努力。 3.4 建立现代美术教育体系的贡献： 总结徐悲鸿在中央大学、北平艺专（中央美术学院前身）等机构所推行的教育理念，及其对培养新一代中国画人才产生的长远影响。 --- 结语：三位巨匠的时代共鸣与分野 本书通过对吴昌硕的“厚重立骨”、齐白石的“朴拙传神”和徐悲鸿的“科学写实”三条不同路径的考察，展现了二十世纪中国画在面对现代性冲击时，所做出的多元化回应。他们虽风格迥异，但都怀抱着对民族文化的深沉热爱与革新图强的共同愿景，共同构筑了中国现代绘画的辉煌基石。本书旨在为研究者和爱好者提供一个清晰的参照系，理解中国画艺术在新时代的勃勃生机与不懈探索。

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这套画集的装帧工艺处理得相当专业，纸张的选用，那种略带肌理感的哑光纸张，使得墨色看起来既厚重又不失润泽，这点对于表现国画的精微之处至关重要。我曾对比过其他一些出版物，往往在色彩的暗部处理上容易失真，但这本画册在这方面做得非常到位，深墨层层叠叠的质感被完美捕捉。从艺术史的角度来看，收录的这些作品无疑代表了当代中国画坛一个重要流派的风貌和成就。它不仅仅是一个艺术家的个人成就展示，更像是一部浓缩的时代片段，反映了特定历史时期艺术家的精神追求与审美取向。收藏这本画集，不单是为了欣赏那些精美的图像，更是为了拥有一份可以随时拿出来研究和对话的学术资料。它所蕴含的学术价值和审美价值，是毋庸置疑的，是一笔值得的投资。

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作为一名长期的传统艺术爱好者，我关注的焦点往往会集中在技法的传承与创新上。这本全集中，对画家在不同创作阶段的风格演变，做了非常清晰的梳理。早期的一些作品，能明显看出对传统经典范式的学习和继承，线条的勾勒较为工整，结构严谨。但随着阅历的增长，尤其是中年以后，他的笔墨开始变得更加自由奔放，线条不再拘泥于形似，而更追求神似与气韵的统一。我特别留意了其中几幅大幅面的山水画，那些层峦叠嶂的描绘，不是简单地堆叠墨色，而是通过皴法变化和墨色的浓淡对比，营造出极具深度的空间感，仿佛能感受到山谷间的云雾流动。这种融汇古法于胸臆、形成自家面目的过程，是这本画集最宝贵的财富之一，对于希望在传统中寻找突破的后学者来说，提供了极佳的参照样本。

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翻开这册画集，一股清新的气息扑面而来，那是一种源自山野、融入笔墨的生命力。我个人偏爱那些描绘花鸟题材的作品，里面的花卉，不再是僵硬的描摹，而是仿佛带着露水、带着微风的呼吸。你看那几幅写意的牡丹，虽然寥寥数笔，但那种雍容华贵的气度却跃然纸上，尤其是花瓣边缘那一抹几乎要晕开的水墨边缘，处理得极其巧妙，体现了画家对水性墨性的精妙掌控。更让我赞叹的是他对意境的营造，画中并非只是物象的堆砌，而是融入了一种文人特有的哲思。那些留白的地方，不是空着，而是充满了想象的空间，让你忍不住去想象画外之音，去体会画家所要表达的那份淡泊与超然。这本画集不仅仅是作品的集合，更像是一堂生动的写意教学课，教你如何用最少的笔墨，承载最丰富的情感与意趣。

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这本画册，光是捧在手里，就能感受到一种沉甸甸的艺术分量。装帧设计得很用心，封面那种素雅的米黄色调，搭配着烫金的书名，透着一股低调的奢华感。打开扉页，首先映入眼帘的是序言部分，文字的排版考究，字里行间流露着对这位艺术大师的推崇与敬意。我尤其喜欢其中一段描述画家创作心境的文字，仿佛能透过文字的描述，窥见老先生在宣纸前凝神静气的状态。书中的印刷质量实在没得说，色彩的还原度极高，那些浓淡干湿的微妙变化，即便是隔着纸张，也能感受到笔触的力度和墨韵的层次感。特别是那些大幅面的作品，跨页的排版处理得干净利落，没有破坏画面的整体气势。随便翻到哪一页，都是一处可以驻足细品的风景，即便是对国画了解不深的门外汉，也能被其强大的气场所吸引。这是一本值得收藏、时常翻阅的艺术精品，每一次重温，都会有新的感悟和发现。

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说实话，在现在这个快节奏的时代，能静下心来欣赏一本厚重的艺术画册是件奢侈的事。但每次打开这本书，总能被里面的画面拉回到一个更宁静、更专注的维度。特别是那些小品式的扇面作品，虽然篇幅不大，但韵味十足，寥寥数笔，却是情趣盎然。有一幅画着竹子的，竹叶的疏密变化，竹竿的挺拔姿态，无不透露出一种坚韧不拔的文人风骨。画册的编辑在版式设计上也体现了高水准，小品和巨制穿插安排，张弛有度，避免了视觉疲劳。更值得称道的是，每一幅作品旁边都有简短的题跋或说明，这些文字并非冗余的介绍，而是如同画家与观者之间低语，解释了创作的缘由或心境。这种图文并茂的呈现方式，极大地增强了作品的可读性和艺术感染力，让人在观画的同时，也能体味到艺术背后的文化积淀。

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