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出版者:吉林美术出版社

作者:

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2002-6

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787538603644

丛书系列:西洋美术家画廊

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• 艺术
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• *长春·吉林美术出版社*
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《古韵流芳：中国古代绘画艺术的千年变迁》 导言：一览江山，溯源千年 中国古代绘画，犹如一部波澜壮阔的史诗，以其独特的笔墨语言和深邃的哲学意蕴，记录了中华民族数千年的精神脉络与审美追求。它不仅仅是视觉的再现，更是“以形写神”的艺术哲学体现。本书《古韵流芳：中国古代绘画艺术的千年变迁》，旨在深入剖析中国绘画自萌芽、发展至鼎盛、再至转型的漫长历程中，各历史阶段的风格特征、代表流派、核心技法及其背后的文化思潮。我们将摒弃对西方美术史的直接参照，聚焦于中国本土语境下的艺术演进，为读者呈现一个独立、完整且充满生命力的东方美学体系。 第一章：远古的曙光与史前遗风（约公元前 10000 年 - 公元前 21 世纪） 本章将追溯中国绘画最早的形态。我们探讨岩画——那些刻绘在洞穴岩壁上的生命颂歌与巫术符号。从内蒙古的阴山岩画到云南的沧源岩画，这些早期的“图画”是人类对自然界最原始的敬畏与模仿。随后，我们将过渡到新石器时代彩陶上的几何纹样与动物造型。这些抽象与具象交织的图案，预示着早期先民对秩序感和装饰性的初步认知。我们将分析这些早期图像的象征意义，它们如何作为部落文化、祭祀活动和生存智慧的载体。重点将放在线条的运用上，探讨那种粗犷、有力的原始生命力是如何奠定后世书法用笔的基础。 第二章：青铜时代的肃穆与汉代的恢弘（秦汉时期） 随着夏商周三代的建立，绘画开始走向成熟。虽然“纯粹”的纸本画作留存稀少，但青铜器、漆器上的饕餮纹、云雷纹以及丧葬壁画，展现了早期图案设计的复杂性与神秘色彩。这一时期，图像服务于礼制和权力，带有强烈的宗教和政治意味。 进入汉代，随着社会结构的稳定和意识形态的统一，“画像石”和“画像砖”成为研究的核心对象。我们将详细考察汉代墓葬壁画中所反映的“生死观”与“宇宙观”。无论是表现“羽化登仙”的浪漫场景，还是记录“击鼓传花”、“宴饮享乐”的世俗生活，汉代绘画的特点在于其强烈的叙事性和结构性。人物造型趋于程式化，注重气势的表达而非细腻的体积感。我们将引入“气韵生动”这一概念的早期萌芽，分析汉代艺术家如何通过夸张的动态和饱满的构图来营造宏大的历史氛围。 第三章：魏晋风骨与玄学的渗透（三国、两晋、南北朝） 这是一个思想剧烈碰撞的时代，佛教的传入极大地丰富了中国的绘画题材与技法。本章将聚焦于艺术从服务政治向追求个体精神解放的转变。 顾恺之被奉为“画圣”，他的“传神写照，妙在维妙，不在形似”的理论成为中国画美学史上里程碑式的宣言。我们将通过分析《洛神赋图》的摹本，深入探讨“骨法用笔”——那种结合了书法功力的线条描绘——如何确立了人物画的基调。同时，我们也必须探讨佛教造像艺术对中国绘画的深远影响，特别是对人体结构、衣纹处理和空间布局的革新。南北朝时期山水画的初步兴起，以“高远”、“深远”、“平远”等空间处理手法的雏形，为后世山水画的成熟埋下了伏笔。 第四章：盛唐气象与双峰并峙（隋唐五代） 盛唐，国力昌盛，文化兼容并蓄，绘画艺术迎来了第一个高峰。唐代绘画的特征是“大”、“满”、“艳”。 在人物画领域，吴道子以“吴带当风”的飘逸线条，将人物画推向了新的高度。我们将解析其笔法中蕴含的道家飘逸思想。同时，我们不能忽视对世俗生活的热衷描绘，如周昉的“半臂仕女”画，其丰腴、雍容的女性形象，是盛唐气度的直接体现。 山水画在此阶段也开始脱离青铜器的图案化束缚，独立成为重要画科。李思训、李昭道的青绿山水，以矿物颜料的绚丽色彩，构建出富丽堂皇的“锦绣山河”。而到了五代，荆浩、关仝则将笔墨转向北方山水，用雄伟的笔势和浓密的墨法，奠定了中国山水画“以墨写山魂”的传统，标志着水墨技法的成熟。 第五章：文人画的崛起与审美转向（宋代） 宋代是中国艺术史上一个极其微妙的时期，它以院体画的精微和文人画的内敛，共同构筑了典雅的艺术高峰。 院体之精： 以宋徽宗为代表的宫廷画家，将花鸟画推向了“格律化”的极致。他们对自然界的观察入微，追求形神兼备的写实功力，体现了宋代士大夫阶层对秩序和审美的严苛要求。 文人画之兴： 与院体相对，以苏轼、文同为代表的士大夫群体，将绘画视为“胸中之丘壑”的抒发。他们强调“不求形似，但求意合”，提倡以书法入画，以诗意入画。米芾的“米点皴”和“墨戏”，彻底解放了笔墨的独立性，预示着中国绘画的审美重心开始从“再现自然”转向“表达自我”。本章将重点分析宋代“理学”对艺术思想的影响，以及它如何催生了对内省、含蓄美学的偏爱。 第六章：水墨的解放与意境的深化（元代） 元代，汉族知识分子在异族统治下面临“仕与不仕”的困境，这使得绘画的避世倾向和抒情功能被空前强化。 “元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）是本章的核心。他们彻底继承并发展了宋代文人画的衣钵，将山水画推向了“意境”的至高境界。倪瓒的“折枝法”、黄公望的“披麻皴”，这些技法不再是为了描绘某地实景，而是成了画家个人心境的符号。我们探讨元代画家如何通过简练的笔墨、清淡的设色，营造出一种遗世独立的、孤独而高洁的审美情趣。书法与绘画的结合达到前所未有的高度，笔墨的干湿浓淡被赋予了强烈的情感张力。 第七章：笔墨的程式化与世俗的回归（明清） 明代绘画呈现出“复古”与“创新”的拉锯战。 早期，以沈周、文徵明为代表的“吴门画派”，在继承元代文人画的基础上，强调笔墨的功力和传统章法的规范性。而“浙派”则在院体遗风下，保持了较强的写实功力和强烈的线条感。 中晚明，商业经济的发展催生了对装饰性和世俗题材的需求。仇英的“青绿工笔重彩”达到了新的高度，其对世俗生活描绘的精细度无出其右。 清代则是一个对前代风格进行整合和再创造的时代。董其昌倡导的“南北宗论”，虽然在学术界引发争议，却深刻地影响了后世对绘画流派的划分。而石涛、八大山人则以其极端的个性和颠覆性的笔墨，将文人画的“抒情”推向了“怪诞”和“孤傲”的极致，他们对传统规范的突破，为中国画的近代转型埋下了关键的伏笔。 结语：传统的继承与未来的张力 本书最终聚焦于中国古代绘画艺术的内在逻辑——即“笔墨”作为独立语言体系的构建、哲学思想对图像的塑造，以及人与自然关系的不断反思。通过对各个时期的细致梳理，读者将能理解中国画“线”的意义远超其造型功能，它是生命的律动，是思想的载体。这份跨越千年的艺术遗产，以其独特的东方智慧，持续散发着不朽的魅力。

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我必须坦诚地说，这本书《西洋美术家画廊87》给我的触动，远超出了我对一本艺术类书籍的预期。它不仅仅是信息的堆砌，更是一种情感的共鸣，一种精神的启迪。书中对那些伟大艺术家的描绘，不仅仅是赞美他们的才华，更是深入挖掘了他们作为人的挣扎、痛苦、热爱与追求。例如，在读到凡·高生命最后的那段日子时，我能够真切地感受到他内心的煎熬与对艺术的绝望渴求。书中对他写给弟弟提奥的信件中摘录的那些段落，充满了令人心碎的真实感，让我对这位伟大的艺术家有了更深切的理解和同情。又比如，书中对德加的介绍，不仅仅聚焦于他那些描绘芭蕾舞演员的著名画作，更深入地探讨了他对运动瞬间捕捉的执着，以及他对现实生活细致入微的观察，这些都让这位艺术家变得更加立体和生动。更让我感到惊喜的是，书中还穿插了一些关于艺术鉴赏和收藏的历史轶事，这些故事如同点缀在艺术长河中的珍珠，让整本书读起来更加丰富多彩，引人入胜。

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这本《西洋美术家画廊87》简直是我近期翻阅过的最令人惊喜的艺术类书籍之一。首先，它的装帧设计就足够吸引人，厚重而又不失质感，拿在手里有一种沉甸甸的仪式感。打开扉页，迎面而来的是一股淡淡的墨香，仿佛能将人瞬间拉回到那些大师们挥洒灵感的时代。我最欣赏的是它对每位艺术家介绍的深度和广度。它不仅仅是罗列生平事迹和代表作，更深入地挖掘了他们创作背后的心路历程，那些鲜为人知的轶事，那些影响他们艺术风格的关键转折点，都如同电影般在我脑海中展开。例如，书中对梵高的描述，不仅仅停留在他火焰般的色彩和扭曲的线条，更细腻地描绘了他饱受精神折磨却从未放弃艺术的热忱，那些绝望中的吶喊，那些对自然和人性的深切体悟，都让读者能够感同身受。又比如，对于印象派的介绍，它并非简单地解释了“光影”和“瞬间”，而是详细阐述了当时社会背景对艺术家们的思想解放起到的作用，从写实主义的束缚中挣脱出来，拥抱全新的视觉体验，这种历史的纵深感让艺术不再是孤立的存在，而是与时代脉搏紧密相连。书中对古典主义、浪漫主义、现实主义等各个流派的梳理也清晰明了，让即便对艺术史不太了解的读者也能循序渐进地掌握其发展脉络。印刷质量更是无可挑剔，每一幅画作的细节都得到了忠实的还原，色彩饱满而富有层次，仿佛可以直接触摸到画布的肌理。

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我不得不承认，在读《西洋美术家画廊87》之前，我对某些艺术家，比如一些学院派大师，并没有太多的了解和兴趣。然而，这本书彻底改变了我的看法。作者以其独特的视角和深入的研究，为我打开了一扇通往全新艺术领域的大门。书中对一些被大众所忽略但具有重要历史意义的艺术家，进行了非常详尽的介绍。例如，对于一些早期荷兰或佛兰德斯的风俗画大师，书中不仅展示了他们作品中精湛的写实技巧，更深入分析了这些画作所反映的当时社会生活、宗教信仰、伦理道德等方方面面。这种对作品背后文化内涵的挖掘，让我看到了艺术作为一种历史见证的强大力量。书中对不同艺术流派的演变和相互影响，也进行了清晰的梳理。它并不是孤立地介绍每一位艺术家，而是将他们置于更广阔的艺术发展脉络中，展现了艺术史的连贯性和创新性。这种宏观与微观相结合的叙事方式，让整本书的结构更加完整和严谨。

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《西洋美术家画廊87》带给我的，是一种前所未有的沉浸式艺术体验。它的排版设计堪称教科书级别的典范，每一幅作品的呈现都经过了深思熟虑。并非简单地将图像塞满页面，而是通过留白、图文对照、局部放大等多种方式，引导读者去细致地观察和品味。我尤其喜欢书中对细节的处理，比如在介绍某幅画作时，会专门选取一个局部进行放大，并配以文字讲解，深入剖析该局部的构图、色彩运用、笔触特点，甚至是艺术家当时的心情和创作意图。这种“抽丝剥茧”式的解读方式，让我对许多熟悉的画作有了全新的认识。例如，在欣赏伦勃朗的《夜巡》时，书中并没有止步于对宏大场面的描述，而是着重解析了光影的戏剧性运用，以及画家如何通过人物的面部表情和肢体语言，刻画出个体在群体中的情绪和心理状态。这种对细节的极致追求，让我仿佛置身于画家的工作室，亲眼见证了每一笔的挥洒。更令人惊喜的是，书中还穿插了一些艺术史学家的评论和观点，从不同的角度对同一位艺术家或同一幅作品进行解读，这种多维度的视角碰撞，极大地拓宽了我的艺术视野，让我体会到艺术评论的魅力和深度。

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我必须说，《西洋美术家画廊87》是一本充满“温度”的书。作者在撰写过程中，显然注入了极大的热情和情感。书中的文字流畅而生动，充满了人文关怀，仿佛是一位资深艺术导览员，耐心地引导着你走进每一位艺术家的世界。它没有使用过于晦涩的学术术语，而是用通俗易懂的语言，将复杂的艺术理论和历史背景娓娓道来。我特别欣赏书中对艺术家个人经历的描写，那些生活中的坎坷、情感上的纠葛、对艺术的执着追求，都使得这些伟大的名字不再是遥不可及的符号，而是有血有肉、有情感的个体。例如，书中对弗里达·卡罗的描绘，不仅仅是展示她那些充满象征意义的自画像，更深入地挖掘了她一生中所经历的身体痛苦、情感创伤，以及这些经历如何转化为她独特的艺术语言。这种对艺术家“人”的关注，让艺术作品背后的人格魅力得以彰显，让读者能够更深层次地理解和共情。

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《西洋美术家画廊87》带给我的，是一种“感官的盛宴”。它不仅仅是用文字来讲述艺术，更重要的是，它通过精美的图片，直接触动我的视觉神经。每一幅画作的印刷质量都堪称一流，色彩还原度极高，细节清晰可见，仿佛原作就悬挂在我的眼前。我最享受的是那种“逐页惊喜”的感觉。当你翻开下一页，你永远不知道会遇到哪位艺术家，会看到哪幅震撼心灵的作品。书中对不同艺术风格的呈现，也极具感染力。从文艺复兴时期的严谨与宏伟，到巴洛克时期的华丽与戏剧性，再到印象派的明亮与轻盈，每一个时代、每一个流派的特点，都在书中得到了淋漓尽致的展现。我尤其喜欢书中对一些细节的特写，比如某位画家标志性的笔触，或者画面中某个极具表现力的人物表情。这些细节的放大，让我能够更近距离地去感受艺术家的创造力。而且，书中并非只是简单地罗列画作，而是通过图文并茂的方式，将画作与艺术家的生平、创作背景相结合，使得每一幅作品都充满了生命力，而非仅仅是静态的图像。

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我必须承认，初次接触《西洋美术家画廊87》时，我带着一丝平常心，以为这会是一本泛泛而谈的艺术导览。然而，事实证明我大错特错。这本书最让我震撼的是其独特的叙事方式，它并非按照时间顺序或流派简单地堆砌信息，而是选择了一种更加“故事化”的表达。作者仿佛是一位老友，娓娓道来，将那些早已逝去的艺术家们鲜活地呈现在读者面前。例如，在讲述达芬奇时，书中花费了大量篇幅描写他非凡的跨学科才能，不仅仅是绘画，还有他对解剖学、工程学的深入研究，以及这些研究如何反哺了他的艺术创作。读到这里，我才真正理解了《蒙娜丽莎》那神秘微笑背后的严谨解剖学知识，以及《最后的晚餐》构图的精妙之处是如何源于他对空间和透视学的深刻理解。书中对莫奈的描绘也极具匠心，它不仅仅介绍了“睡莲”系列，更侧重于描绘了莫奈晚年眼疾加剧时，他如何克服身体的限制，用更加自由奔放的笔触去捕捉光与色的变幻，那种生命垂危之际对艺术的执着，令人动容。这种叙事手法，让冰冷的名画和晦涩的艺术理论变得触手可及，充满了人性的温度。而且，书中对于艺术家们之间复杂的人际关系，以及艺术史上的重大事件对他们创作的影响，都进行了深入的剖析，使得整本书读起来如同精彩的传记合集，引人入胜，久久不能忘怀。

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这是一本真正意义上的“画廊”，而非枯燥的图录。《西洋美术家画廊87》通过精心挑选的87位西洋美术家，构建了一个宏大而又细腻的艺术史图景。它的价值不仅仅在于提供了大量精美的画作，更在于它成功地将这些作品背后的故事、艺术家的灵魂以及时代背景融为一体。我特别被书中对“风格”的探讨所吸引。它不仅仅是简单地将艺术家归类，而是深入分析了他们各自独特的风格是如何形成、演变，又如何影响后世的。例如，书中对印象派的解构，不仅仅是强调了色彩和光线的运用，更深入地探讨了当时社会中摄影技术的兴起，以及新的科学理论对艺术家观察世界方式的颠覆。读到这里，我才恍然大悟，原来艺术的发展从来都不是孤立的，而是与科技、哲学、社会思潮相互激荡的结果。书中对每一位艺术家创作动机的挖掘也尤为深刻，它不仅仅解释了“他们画了什么”，更着力于探究“他们为什么而画”。这种深入骨髓的探究，让那些冷冰冰的画作瞬间有了温度，有了生命。每一次翻阅，都仿佛是一次与伟大灵魂的对话，一次对人类创造力的深度探索。

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《西洋美术家画廊87》的独特之处在于其“故事性”。它不仅仅是一本图鉴，更像是一部精心编织的艺术史诗。作者将每位艺术家的人生经历、创作理念、艺术成就，串联成一个个引人入胜的故事。我尤其喜欢书中对那些“天才与疯子”之间界限的探讨。例如，对高更的描绘，书中不仅仅展示了他充满异域风情的作品，更深入地剖析了他为了追求艺术而放弃世俗生活，远赴塔希提岛的传奇经历。那些在原始丛林中，他与当地居民共同生活，从中汲取灵感的点滴，都被细致地记录下来。这种对艺术家内心世界和生活状态的深入刻画，让读者能够更深刻地理解他们艺术创作的源泉。书中对某些艺术家作品的解读，也充满了独到的见解。它不是简单地描述画面内容，而是挖掘作品背后的象征意义、哲学思考，甚至是艺术家潜意识的表达。这种解读方式，让那些看似平常的画作，瞬间充满了神秘的魅力，引人深思。

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《西洋美术家画廊87》给我带来的惊喜，是一种“意外的收获”。我原本以为会看到一些熟悉的艺术家，但这本书却带我进入了一个更加广阔的艺术世界。它不仅仅囊括了我们耳熟能详的巨匠，更发掘了一些相对小众但同样具有非凡艺术价值的画家。书中对这些“新面孔”的介绍，同样详尽而精彩。它没有因为他们的名气不如前人而敷衍，反而用同样的敬意和深度去解读他们的作品和生平。例如，书中对一些早期巴洛克或洛可可时期艺术家的介绍，让我看到了那个时代奢华、细腻、富有戏剧性的一面，这些艺术家虽然不如文艺复兴时期那样声名显赫，但他们的作品却充满了独特的时代韵味和精湛的技艺。书中对每位艺术家的选材也十分考究，并非仅仅选取其最广为人知的代表作，而是会选择一些更能体现其艺术特点、思想深度或转变时期的作品，并进行深入的剖析。这种“不走寻常路”的选篇方式，让这本书充满了探索的乐趣，每一次翻开，都有新的发现。

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