中国绘画

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出版者:第1版 (2000年6月1日)
作者:庄嘉怡
出品人:
页数:145 页
译者:
出版时间:2000年6月1日
价格:45.0
装帧:平装
isbn号码:9787801137180
丛书系列:
图书标签:
  • 中国绘画
  • 绘画艺术
  • 艺术史
  • 中国艺术
  • 水墨画
  • 山水画
  • 花鸟画
  • 人物画
  • 绘画技法
  • 艺术鉴赏
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具体描述

中国古代绘画起源很早,五六千年前的先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙补的动植物样和人形图案,在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰,之后又在青铜器上刻铸繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远,所保存下来的实属凤毛麟角,却命名我们得以一窥早期绘画的面貌。我们今天年能看到的最早绘制于纸绢上的独幅绘画作品,是出土于墓葬的随葬里,距今已有2000多年的历史。  早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科,如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后,欧洲绘画传入中国,为了与本土传统绘画相区别,舶来之欧洲绘画作品冠名为“西洋画”,本土绘画自然就称为“中国画”。因此,中国画最称谓,是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。

现代社会学前沿探索:后工业时代的权力结构与文化变迁 作者: [此处可填入虚构的社会学家姓名,例如:张文远、李明德] 出版社: [此处可填入虚构的出版社名称,例如:世纪思潮出版社] 定价: [此处可填入一个合理的定价,例如:88.00元] 开本与装帧: 16开,精装 --- 内容简介: 本书旨在对当代社会,特别是经历深刻工业化转型后,在全球化浪潮下涌现出的复杂权力动态、新兴社会阶层分化以及文化符号的重塑进行一次全面而深入的理论剖析。我们不再满足于对传统马克思主义或韦伯社会学框架的简单套用,而是力图构建一套更贴合“后工业社会”(或称“信息社会”、“风险社会”)运行逻辑的分析工具。 全书分为六个主要部分,层层递进,从宏观结构分析深入到微观的日常生活实践。 第一部分:技术异化与数字主体性的重构 本部分聚焦于信息技术革命对传统社会主体性(Subjectivity)构成的冲击。我们不再将技术视为中立的工具,而是考察其如何内嵌于新的权力分配体系之中。 核心议题包括: 1. 算法治理的隐性权力场域: 探讨大型科技平台如何通过数据采集、推荐系统和行为预测,构建出一种新型的、难以被传统政治学范畴捕捉的“软性控制”。这种控制不再依赖物理强制,而是通过优化路径选择和信息供给来塑造个体的欲望和认知边界。我们引入了福柯的“全景敞视”概念的数字延伸——“全景数据之眼”,分析个体在无感知状态下如何被持续地监测、评估和分类。 2. “注意力经济”下的认知碎片化: 深入分析在信息过载的环境下,人类的深度思考能力和长时记忆如何被持续稀释。这种认知上的“快餐化”不仅影响了个体的学习和创造力,也对民主决策过程中的理性讨论构成了根本性挑战。我们比较了不同文化背景下,对“信息素养”这一概念的理解差异及其社会后果。 3. 身份的流动性与虚拟社群的粘合力: 研究互联网如何使得身份构建变得更具表演性和可塑性。虚拟社群在提供归属感的同时,也带来了“回音室效应”和群体极化现象。本章特别分析了“模因”(Meme)作为一种文化载体,在政治动员和意识形态传播中的高效性与破坏性。 第二部分:全球化、去中心化与新型不平等 本书挑战了“全球化带来普遍繁荣”的简化论调,揭示了在资本、信息和劳动力跨国流动加速的背景下,不平等如何以更隐蔽和复杂的形态出现。 关键分析点在于: 1. “超级精英”阶层的崛起与地理隔离: 分析金融资本的快速循环催生出的“无国界资本家”阶层,以及他们如何通过复杂的全球税务结构和政治游说网络,规避国家层面的监管。同时,我们考察了这种精英阶层在城市空间中的高度集中化(如全球城市圈的形成),与其对地方社区的“抽离感”。 2. “新二元对立”:信息富裕者与数字贫困者: 区分传统意义上的“贫穷”与“数字鸿沟”。数字贫困不再仅仅指缺乏硬件设备,更指向缺乏接入高端信息流、数据分析能力以及高价值数字技能的结构性劣势。我们利用皮凯蒂的理论框架,探讨资本回报率与劳动收入差距在数字经济中的异化表现。 3. 价值链的重组与“去工业化”地区的结构性失业: 考察了发达国家制造业的空心化并非简单的“外包”,而是全球价值链优化配置的结果。这导致了特定地域(如美国的“铁锈地带”或欧洲的部分老工业区)的社会结构性解体,以及由此引发的民粹主义浪潮的社会根源。 第三部分:风险社会与焦虑的内化 引用和批判性发展了乌尔里希·贝克的风险社会理论,本书认为,在后工业时代,风险不再是外在的、可被国家机器有效管理的“灾害”,而是内在于社会结构、无处不在且难以量化的“不确定性”。 本章的焦点转向社会心理层面: 1. 预防性治理与“超额警惕”: 探讨社会安全和健康标准如何被不断提高,导致个体和机构陷入一种持续的、对潜在威胁的过度反应状态。从食品安全到网络安全,这种“零风险”的追求实际上加剧了社会成本和个体的精神压力。 2. 环境不公与代际责任: 分析气候变化等长期、高风险问题如何体现出权力结构的不平等——弱势群体往往首先遭受环境恶化的冲击,而决策权却掌握在短期利益驱动的精英手中。同时,考察年轻一代对未来可持续性的焦虑如何转化为一种新的政治动员力量。 3. 制度性不信任的循环: 当面对那些复杂到无法被传统官僚系统完全理解和解决的系统性风险时(如金融危机、全球流行病),公众对科学、政府和媒体的信任度普遍下降,形成一种“全景式的怀疑”。 第四部分:文化符号的碎片化与“意义的稀释” 本部分探讨了在媒介多元化背景下,文化产品的生产、消费模式及其对集体意义的消解作用。 主要内容包括: 1. “严肃文化”的解构与“亚文化”的合法化: 分析传统的高雅艺术与大众娱乐之间的界限如何被模糊化。虽然这带来了文化民主化的积极面,但也导致了价值标准的相对化,使得对高质量文化内容的辨识和传承面临挑战。 2. 怀旧的政治经济学: 考察在快速变革的社会中,对过去(无论是工业时代的黄金时期还是更早的理想化年代)的集体怀旧情绪如何被商业化和政治化。这种怀旧往往是选择性的,用来掩盖当前结构性矛盾。 3. “后真相”时代的修辞学: 重点分析情感诉求和个人体验如何超越客观事实,成为公共话语的核心驱动力。本书试图描绘出一种“情感政治学”,探究如何系统性地利用情绪来巩固或颠覆现有的权力关系。 第五部分:劳动的新形态与“无偿工作”的社会成本 超越传统的雇佣关系,本书深入研究了在零工经济(Gig Economy)和知识经济中,劳动力的新的组织形式及其对工人权利和福利体系的侵蚀。 探讨的领域包括: 1. 平台的雇佣悖论: 分析零工经济平台如何通过技术手段,将雇主的部分风险和责任转移给个体劳动者,同时通过算法管理实现对劳动过程的绝对控制,形成一种“隐形的全职独立承包商”的新型剥削模式。 2. 情感劳动与边界模糊: 深入研究服务业和知识型工作中,“情感劳动”(Emotional Labor)的价值评估问题。服务人员被要求管理和展示特定的情绪,这种无形的工作耗费了大量的心理资源,但往往未被计入劳动报酬或职业风险评估中。 3. “终身学习”的义务化: 考察个人必须持续投入时间、金钱进行再培训和技能更新,以保持其市场价值。这种“终身学习”的压力,实质上是将企业培训成本和社会对未来不确定性的应对责任,完全转嫁给了劳动者个体。 第六部分:社会理论的未来方向:行动、伦理与抵抗的重建 在对现有结构进行批判性解构之后,本书的最后一部分致力于探讨在后工业社会中,社会行动者如何重建能动的力量(Agency)和伦理基础。 结论部分提出了以下思考框架: 1. “慢行动主义”的必要性: 批判依赖社交媒体进行快速、爆发式动员的局限性,主张回归需要时间积累、跨领域协作的、针对深层制度的“慢行动”。 2. 技术伦理的公共化: 呼吁社会学、哲学、法学等多个学科共同介入技术设计和监管的早期阶段,反对将技术标准的制定权拱手让渡给私营部门。 3. 重建地方性的社群资本: 面对全球化和数字化的宏大叙事,强调在城市和社区层面重建真实的、面对面的社会连接和互助网络的重要性,将其视为抵御系统性风险和个体原子化的最后防线。 --- 本书特色: 本书综合运用了新马克思主义批判理论、后结构主义的权力分析、贝克风险理论以及当代网络社会学的前沿成果。行文风格严谨又不失思辨性,案例丰富,数据支撑扎实,是社会学、政治学、传播学及人文社会科学研究人员和关注社会变迁的深度读者的必备参考书。它不是简单地描述我们生活在一个什么样的时代,而是深入挖掘这些表象背后的结构性逻辑和权力再分配机制。

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读后感

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用户评价

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让我印象深刻的是,《中国绘画》这本书中蕴含着一种非常深厚的文化底蕴。作者在解读绘画作品时,常常会引用中国古典诗词、哲学思想,甚至是历史典故,将绘画艺术与中国传统文化紧密地联系起来。例如,在谈到山水画时,作者会引用“天人合一”的思想,解释画家如何将自己的情感融入山水之中,达到一种物我两忘的境界。在介绍仕女画时,也会提及唐代诗人的咏叹,以及当时社会风俗对女性审美的影响。这种跨学科的融合,使得本书的内容更加丰富和立体。我特别喜欢书中对“气韵生动”的阐释,作者将其视为中国绘画的最高境界,并详细分析了不同画家是如何通过笔墨的运用,来达到“气韵生动”的艺术效果。这种对精神层面的追求,也让我看到了中国绘画与其他绘画体系的不同之处。

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这本《中国绘画》真是一场视觉与心灵的双重盛宴。从翻开第一页的那一刻起,我便被它博大精深的艺术世界深深吸引。作者以一种极其细腻且富有感染力的笔触,为我展开了一幅中国绘画的壮丽画卷。无论是笔墨的浓淡枯湿,还是线条的婉转流畅,亦或是色彩的微妙变化,都仿佛拥有生命一般,在我眼前鲜活起来。我尤其沉醉于书中对山水画的描绘,那种“咫尺之内,乃有人境”的意境,通过作者的解读,我仿佛能听到潺潺的流水声,感受到山间的微风,甚至能嗅到泥土和青草的芬芳。那些或雄伟壮丽,或幽深静谧的山峦,在纸上呈现出无限的层次感和空间感,令人心驰神往。而花鸟画部分,则让我领略到了中国艺术家们对于自然细微之处的敏锐观察和热爱。那些栩栩如生的鸟儿,仿佛下一秒就要振翅高飞;那些娇艳欲滴的花朵,似乎还能感受到晨露的甘甜。作者不仅在描绘技法上做了深入浅出的讲解,更重要的是,他/她带领我走进了这些画作背后的文化、历史和哲学内涵。我开始理解,为什么一幅简单的水墨画,能够承载如此厚重的情感和思想。这本书让我对“意境”这个词有了全新的认识,它不再是抽象的概念,而是具象的,可触碰的。

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《中国绘画》这本书带给我的,是一种宁静致远的感觉。在快节奏的现代生活中,能够沉下心来,品味这些古老的艺术作品,本身就是一种难得的享受。作者的叙述方式非常平和,没有过度的渲染,但字里行间却充满了对中国绘画的热爱和敬意。书中对不同画派的介绍,例如元代四家的遗世独立,明代吴门画派的雅趣,以及清代扬州八怪的奇崛,都让我看到了中国艺术家们在不同时代背景下,所展现出的多样化的艺术追求和精神风貌。我尤其欣赏书中对“禅意”在中国绘画中的体现,例如水墨画中的空灵和静谧,以及对自然万物生生不息的描绘,都与禅宗的哲学思想有着深刻的关联。这本书让我感受到了一种超越时间、超越地域的艺术之美,也让我对中国文化有了更深层次的理解。

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《中国绘画》这本书带给我的不仅仅是知识的增长,更是一种审美的提升。我一直认为,欣赏艺术是一种非常主观的体验,但这本书却以一种非常客观且深入的方式,引导我去理解和感受中国绘画的美。作者在分析每一幅作品时,都能够从多个角度进行解读,例如构图的平衡与韵律,线条的力度与变化,色彩的搭配与情感表达,以及整体的意境和象征意义。我尤其欣赏书中对一些名家作品的细致讲解,比如顾恺之的“以形写神”,以及他的《洛神赋图》,作者不仅分析了人物的造型和服饰,更着重阐释了其“借画达意”的艺术追求,以及画中所蕴含的深厚情感。这种解读方式,让我不再停留在表面的“好看”,而是能够挖掘出作品更深层次的艺术价值。书中对不同画派的风格差异也做了清晰的界定,例如,江南文人画的清秀雅致,与北方画派的雄浑大气,在作者的笔下形成了鲜明的对比,让我能更清晰地辨别和欣赏它们各自独特的魅力。这本书就像一个艺术的启蒙者,让我开始重新审视自己对美的认知,并从中获得了许多新的启发。

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我发现,《中国绘画》这本书在内容编排上非常用心。它不仅仅按照时间顺序进行介绍,更是在各个章节之间,巧妙地穿插了主题性的探讨。例如,在介绍完各个时期的山水画之后,会有一个专门的章节来讨论“山水画的精神内涵”,这种编排方式,让读者能够在一个更宏观的视角下,来审视和理解山水画在不同时代的发展和演变。书中对“文人画”的阐释也让我受益匪浅。作者详细解读了文人画所追求的“诗书画印”的结合,以及其“写意”的创作理念,这让我明白了为什么文人画不仅仅是绘画,更是一种生活态度和精神追求。书中还列举了许多具体的例子,例如,对八大山人的孤高冷峻,对石涛的狂放不羁的描绘,都让我对这些艺术家们充满了敬意。这种结构性的安排,使得整本书的知识体系更加完整和易于消化。

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《中国绘画》这本书让我对中国艺术的认识,从“只知其名”上升到了“知其所以然”。在阅读之前,我虽然也见过一些中国画,但往往只是停留在表面的欣赏。这本书则像一把钥匙,为我打开了通往中国绘画艺术殿堂的大门。作者对绘画技法的讲解,尤其是对“皴法”的细致描绘,例如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等,让我明白了不同皴法所营造出的不同质感和肌理,以及它们在表现山石、树木等元素时的重要作用。同时,书中对“骨法用笔”的强调,让我认识到中国画线条的生命力。那些婉转、遒劲、含蓄、洒脱的线条,不仅仅是轮廓,更是情感和精神的载体。作者还特别提到了“留白”在中国画中的重要性,以及它所营造出的“虚实相生”的意境,这让我明白了中国画的含蓄之美和无穷想象空间。

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读罢《中国绘画》,我感觉自己像是经历了一次跨越千年的文化漫游。作者的叙述方式非常独特,他/她没有采用枯燥的学术体例,而是像一位经验丰富的导游,带着我在中国绘画的各个时期、各个流派中穿梭。从早期粗犷而富有原始生命力的壁画,到唐代仕女画的雍容华贵,再到宋代山水画的精妙绝伦,最后到元明清时期文人画的雅逸洒脱,每一个阶段都展现了不同的时代风貌和审美情趣。作者对不同画家的生平、创作理念以及代表作品都有着独到的见解,并且能够将这些知识融会贯通,形成一个有机的整体。例如,在谈论宋代山水画时,我被书中对范宽《溪山行旅图》的分析深深打动。作者详细剖析了其构图的宏伟、笔法的苍劲,以及画面所传达出的那种人与自然和谐共处、敬畏自然的哲学思想。这种解读方式,让我不仅仅是欣赏画面的美,更能理解其背后所蕴含的深层意义。书中还穿插了一些关于中国传统绘画材料和工具的介绍,例如笔墨纸砚的选择,以及如何调配墨色、运用皴法等,这些细节的补充,让读者对绘画的创作过程有了更直观的了解,也更能体会到艺术家们在创作中所付出的心血和智慧。

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总而言之,《中国绘画》这本书对我而言,是一次非常有意义的阅读体验。它不仅是一本关于绘画的书,更是一本关于中国文化、历史和哲学思想的书。作者以其深厚的学养和独到的见解,为我呈现了一个精彩绝伦的中国绘画世界。我从书中学习到了许多关于笔墨、构图、色彩、意境等方面的知识,也对不同画派和艺术家的创作理念有了更深入的了解。更重要的是,这本书点燃了我对中国绘画的兴趣,让我愿意去进一步探索和学习。我开始留意生活中的自然景物,尝试去用新的眼光去欣赏它们,就像那些古代的画家一样,从大自然中汲取灵感和力量。这本书让我看到了中国传统艺术的生命力,也让我对中国文化的博大精深有了更深的感悟。这绝对是一本值得反复阅读、细细品味的佳作。

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我不得不说,《中国绘画》这本书的内容非常充实且富有深度。作者在撰写过程中,显然进行了大量的资料搜集和研究,将中国绘画数千年的发展脉络梳理得清晰明了,并且在关键节点上进行了深入的探讨。我特别注意到书中关于“笔墨”的论述,作者将其提升到了中国绘画核心价值的高度,详细解释了“笔”在线条中的力量、速度和方向感,“墨”在浓淡、干湿、虚实中的变化万千,以及两者如何相互配合,共同营造出独特的艺术效果。这种对基本功的重视,让我看到了中国绘画的严谨和功底。书中还提及了许多鲜为人知的绘画技法和理论,例如“以无法为有法”,以及“师造化”等概念,这些都让我对中国绘画的哲学思想有了更深刻的理解。作者并没有回避艺术发展中的一些争议和变革,例如在介绍近现代中国绘画时,也探讨了西方绘画对中国绘画的影响,以及中国画家如何在吸收外来文化的同时,保持和发展自身的民族特色。这种开放和包容的态度,也体现在书中对不同艺术风格的尊重上。

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《中国绘画》这本书的语言风格也给我留下了深刻的印象。作者的文笔流畅且富有诗意,将原本可能显得枯燥的学术内容,描绘得生动形象,引人入胜。他/她善于运用大量的比喻和类比,将抽象的艺术概念具象化,让读者更容易理解和接受。例如,在描述某些山水画的意境时,作者会用“如梦似幻”、“气势磅礴”等词语,将画面中的情感和氛围传递出来。书中对一些古老画作的描述,更是充满了人文关怀,不仅仅是陈述事实,更是充满了对艺术家们创造精神的赞颂。我尤其喜欢书中对那些默默无闻的古代画师的提及,以及对他们创作环境的描绘,这让我看到了中国绘画发展背后,无数普通劳动者和艺术家的辛勤付出。阅读这本书,就像是在与一位饱读诗书、热爱艺术的朋友进行一场深入的交流,他/她不仅分享了知识,更传递了对艺术的热情和感悟。

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