中国绘画

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出版者:五洲传播出版社
作者:庄嘉怡
出品人:
页数:171 页
译者:
出版时间:2000年06月
价格:45.0
装帧:平装
isbn号码:9787801137210
丛书系列:
图书标签:
  • 中国绘画
  • 绘画艺术
  • 艺术史
  • 中国艺术
  • 水墨画
  • 山水画
  • 花鸟画
  • 人物画
  • 绘画技法
  • 艺术鉴赏
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具体描述

中国古代绘画起源很早,五六千年前的先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙补的动植物样和人形图案,在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰,之后又在青铜器上刻铸繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远,所保存下来的实属凤毛麟角,却命名我们得以一窥早期绘画的面貌。我们今天年能看到的最早绘制于纸绢上的独幅绘画作品,是出土于墓葬的随葬里,距今已有2000多年的历史。  早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科,如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后,欧洲绘画传入中国,为了与本土传统绘画相区别,舶来之欧洲绘画作品冠名为“西洋画”,本土绘画自然就称为“中国画”。因此,中国画最称谓,是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。

古代丝绸之路上的辉煌:一部关于中亚文明的深度探寻 书名:丝路遗韵:中亚文明的交融与嬗变 图书简介 本书并非聚焦于东方艺术的特定门类,而是将笔触投向了横亘欧亚大陆、连接多元文化的宏伟地理概念——丝绸之路,特别是其核心地带中亚地区。我们试图通过对这一复杂地理范畴内人类活动的考古、历史、宗教与艺术遗存的系统性梳理与深入剖析,构建一幅关于中亚文明兴衰、融合与创新的全景图。 中亚,这片被誉为“世界十字路口”的土地,自古以来就是不同民族、信仰和商业网络交汇碰撞的前沿阵地。本书的叙事主线,即围绕“交融”与“嬗变”两大核心议题展开。我们相信,理解中亚,就是理解世界历史上最大规模的文化互动如何塑造了人类文明的边界与深度。 第一部分:地理的塑造与早期文明的奠基 本部分首先勾勒出中亚地区的地理轮廓及其对文明发展的决定性影响。从阿姆河与锡尔河流域的绿洲文明(如巴克特里亚-马尔吉阿纳考古复合体,Bactria-Margiana Archaeological Complex,简称BMAC)开始,我们探讨了青铜时代社会形态的复杂化,以及他们如何在前文字时代就形成了具有高度组织性的定居生活与灌溉农业系统。 随后,我们将目光投向了铁器时代的变迁。伊朗语游牧民族的迁徙与定居,使得斯基泰文化(Scythian Culture)的强大影响力扩散至此。本书细致分析了萨卡人(Saka)的“动物纹”艺术风格,这些风格不仅体现了游牧民族的宇宙观和权力象征,更重要的是,它们如何成为后来一系列艺术语汇的源头,为后世的接触与融合提供了物质基础。我们不会探讨任何特定东亚的绘画技法,而是侧重于中亚早期工艺品中的抽象表达和象征性图案。 第二部分:帝国的碰撞与古典文明的融合 亚历山大大帝的东征是中亚历史的一个关键转折点。本书详尽论述了希腊化文化如何在中亚扎根,催生了独一无二的健陀罗艺术(Gandhara Art)。健陀罗艺术是古典希腊雕塑传统与印度佛教教义碰撞的产物。我们重点分析了这种混合风格中体现出的空间处理、人物造型(如对古典褶皱的处理)以及它如何通过陆路贸易路线向东传播,影响了更远地区的视觉文化。这里的重点是三维的雕塑和建筑遗存,而非平面绘制。 紧接着,本书深入探讨了贵霜帝国(Kushan Empire)时期的中亚盛景。贵霜王朝通过控制丝绸之路的咽喉要道,成为了跨文化交流的中心。我们分析了贵霜时期货币上的多语种铭文和混合风格的图像,揭示了希腊、波斯、印度和本土文化在宗教(特别是佛教大乘化)与政治意识形态上的深度融合。这里我们将考察的是壁龛、塔庙结构以及铭文的演变,而非纸本或绢本的绘画作品。 第三部分:信仰的传播与丝路的宗教景观 丝绸之路不仅是贸易之路,更是信仰的通道。本书的这一部分聚焦于宗教在这一地区的传播与本土化过程。 佛教的渗透与本土化: 我们详细考察了古丝绸之路上,特别是塔里木盆地南缘绿洲城市(如克孜尔、高昌等地)的佛教石窟遗址。这里的分析将严格限定于石窟的建筑形制、造像的仪轨、以及壁面上的装饰性图案。我们会着重探讨佛教“本生故事”的叙事方式,以及在不同绿洲间,佛教图像如何适应当地的审美趣味和气候条件而发生变化。例如,对“供养人”形象的描绘,展现了当地贵族阶层的服饰和风俗,这与东方的笔墨传统截然不同。 祆教、摩尼教与景教的并存: 佛教之外,琐罗亚斯德教(祆教)、摩尼教(Manichaeism)和后来的聂斯脱里派基督教(景教)在中亚也留下了深刻的印记。本书分析了这些宗教的文字载体(如手抄本的装帧和使用的字母系统),以及它们在丧葬习俗和祭祀场所中的遗迹。我们强调的是这些外来信仰如何在与本土萨满教义冲突与妥协中,共同构建了一个多元并存的宗教生态。 第四部分:突厥与回鹘时代的转型 本书的后半部分转向了游牧民族对中亚的重塑。突厥汗国和后来的回鹘汗国(Uyghur Khaganate)的兴起,标志着新的政治和文化力量登上历史舞台。 在回鹘时期,绿洲文化达到了一个新的高峰,这体现在其对世俗生活和地方统治的记录上。我们研究了回鹘王室的仪式性物品、手写契约以及地方行政文书的风格,这些材料揭示了当时社会结构的复杂性、官僚体系的运作方式,以及中亚地区在接受了佛教信仰后,如何将其融入到日常的政治管理和文学创作中。特别值得注意的是,回鹘的文本艺术多以抄写和装饰性标题为主,而非宏大的叙事性绘画。 第五部分:伊斯兰教的征服与文明的重构 阿拉伯帝国的扩张是中亚历史的又一次剧烈震荡。本书分析了伊斯兰教传入后,中亚文明如何经历了一次深刻的结构性重组。 建筑与装饰艺术的变革: 在伊斯兰教义的影响下,图像的制作受到了限制,这反而促使了新的艺术形式的繁荣。我们详细考察了帖木儿帝国(Timurid Empire)及之前的萨曼王朝(Samanid Empire)在建筑、陶瓷和地毯制作上的成就。帖木儿时期的萨马尔罕和布哈拉的宏伟建筑群,是几何学、书法(库法体和纳斯赫体)以及复杂的花卉纹样(Arabesque)的集大成者。本书将重点解读这些抽象装饰图案的数学逻辑、象征意义,以及它们如何取代了具象的描绘,成为中亚视觉艺术的主流。 知识的载体: 伊斯兰黄金时代的中亚是世界科学和哲学的中心。我们探究了手抄本的制作工艺——装帧的皮革工艺、书页的裁切与装订技术,以及那些包含星图、药理图谱和数学公式的插图(如果存在),这些插图严格服务于科学内容的准确传达,其风格是客观写实的、功能导向的,与叙事性绘画的审美追求有着本质的区别。 结论:永恒的十字路口 《丝路遗韵》旨在提供一个多维度、跨学科的视角,去理解中亚地区作为世界文明汇流点所承载的厚重历史。它关注的是雕塑、建筑、工艺、文字和抽象图案,是关于权力、信仰、贸易和物质生活的故事。本书的全部内容都致力于描绘中亚地区在不同历史阶段的文化面貌及其对周遭世界产生的复杂、持续的影响。我们力求还原一个真实而生动的“世界十字路口”,而非单一艺术形式的展示厅。

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读后感

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初次翻开这本《中国绘画》,我便被那厚实的纸张和沉甸甸的分量所吸引。随之而来的是一股扑面而来的文化气息,仿佛穿越时空的隧道,置身于古老的东方画室。书中细致入微地描绘了中国绘画自远古萌芽,历经秦汉、魏晋、唐宋、元明清等各个朝代的发展脉络。从远古岩画的粗犷质朴,到汉代帛画的色彩斑斓;从魏晋风流的士人画,到唐代山水画的壮丽磅礴;从宋代花鸟画的细腻传神,到元明清的文人画意趣横生,每一个时期都仿佛被赋予了生命。书中的文字,并非生硬的学术论述,而是如同娓娓道来的故事,将每一幅传世名作的创作背景、艺术特色、背后蕴含的哲学思想娓娓道来。我尤其沉醉于对唐代山水画的描绘,那些层峦叠嶂的山脉,云雾缭绕的意境,以及其中寄托的画家对自然的敬畏与感悟,都让我深深地震撼。书中对于不同画种的区分,如人物、山水、花鸟、界画等,也阐释得清晰明了,让我这个初学者也能窥得门径。它不仅仅是一本关于绘画的书,更是一扇了解中国文化、哲学、历史的窗户。它让我重新审视了“意境”二字的深邃,理解了为何中国画不仅仅是描摹物象,更是“写心”。

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《中国绘画》这本书带给我的,是一种前所未有的沉浸式阅读体验。它不仅仅是纸上的文字和图片,更像是一位博学多才的向导,引领我穿梭于中国绘画的浩瀚星河。书中对不同流派和风格的解析,让我对“笔墨”的理解有了质的飞跃。从书法中汲取灵感,以点、线、面构建出万象森罗,这其中的奥妙,只有细细品味才能体会。我特别喜欢书中对宋代文人画的论述,那些看似随意的笔触,却蕴含着深厚的功底和高雅的情趣。苏轼、米芾等大家的作品,在书中被剖析得淋漓尽致,他们的画不仅仅是艺术品,更是他们个人品格和精神世界的写照。书中的插图精美绝伦,许多难得一见的珍品得以呈现,让我得以近距离感受大师们的笔墨魅力。我甚至可以想象到,在那个没有相机和打印机的时代,艺术家们是如何用一支笔,将心中的山水、花鸟、人物,凝聚成永恒的经典。这本书的编排也十分用心,不同时期、不同地域的风格变化,被清晰地勾勒出来,让我在阅读中能够形成一个宏观的认识。它让我明白,中国画的演变,是与中国社会、文化、思想发展息息相关的,是一部活着的历史。

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当我捧读《中国绘画》时,我感受到的是一种历史的厚重感与艺术的生命力交织在一起的奇妙体验。这本书以一种极为宏观的视角,梳理了中国绘画数千年的发展历程,从远古时期的图腾崇拜,到历代王朝的艺术高峰,再到近现代的变革与创新。每一页都像是一扇窗,让我得以窥见中国艺术史上的璀璨星辰。书中的论述并非仅仅是简单地罗列画作和画家,而是深入到每一个时代背景下,绘画所承载的社会功能、哲学思想以及审美取向。我印象最深刻的是关于元代绘画的章节,在国家动荡变革的时期,文人画的兴盛,以其独特的个人化表达,成为了艺术家们寄托情怀、宣泄情感的重要途径。书中对“野逸”风格的解析,让我感受到了艺术家在困境中依然保持的独立人格和艺术追求。这本书的语言流畅而富有文采,使得复杂的艺术史知识也变得生动有趣,极大地满足了我对中国传统艺术的求知欲。

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翻阅《中国绘画》,我仿佛置身于一个巨大的艺术画廊,每一幅画作都向我诉说着一个古老的故事。这本书的结构清晰,逻辑严谨,从最原始的岩画追溯,到各个朝代的演变,再到不同画种的介绍,都做到了详尽而又不失生动。我尤其喜欢书中关于清代绘画的章节,特别是扬州画派和海上画派的介绍,他们打破了陈规,在继承传统的基础上,注入了新的时代精神和创新意识,这让我看到了中国画的活力和韧性。书中对于“骨法用笔”和“传移模写”等绘画理论的讲解,也让我对中国画的创作过程有了更深入的理解。它不仅仅是简单的技法描述,更是中国艺术家在长期的实践中总结出的艺术规律和创作心得。这本书的价值在于,它能够帮助读者建立起一个完整而系统的中国绘画知识体系,让我能够更自信地去欣赏和理解中国画的美。

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阅读《中国绘画》的过程,是一次涤荡心灵的旅程。这本书不仅仅是一本艺术类的书籍,更是一本关于中国文化、中国哲学、中国精神的深度解读。它让我明白了,中国画的精髓,不仅仅在于笔墨的运用,更在于“气韵生动”的意境追求。书中对历代著名画家的生平和创作理念的介绍,让我看到了他们是如何将个人情感、社会思考,乃至人生哲学,都融入到他们的作品之中。我特别喜欢书中对“文人画”的深入剖析,理解了那种“士大夫”情怀,那种对高洁品格、对自然山水的向往,是如何通过笔墨来表达的。书中的每一个章节,都像是一堂生动而引人入胜的艺术课,让我不断地发现新的认知,不断地被中国传统艺术的魅力所折服。这本书让我开始用一种更深刻、更全面的视角去欣赏中国画,它不再仅仅是视觉的享受,更是精神的升华。

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《中国绘画》这本书,给予我的感受是极其丰富的,它仿佛一本沉睡了千年的古籍,被小心翼翼地打开,散发出迷人的墨香和历史的温度。书中对于中国绘画各个时期的演变,描绘得淋漓尽致,从抽象的符号到具象的描绘,从注重“神似”到追求“意境”,每一步发展都伴随着思想的进步和文化的繁荣。我尤其对书中对明清时期绘画的细致讲解印象深刻,看到了那个时代艺术家们如何在继承传统的基础上,大胆创新,形成了各具特色的画派和风格。书中的一些小故事和轶事,也让阅读过程增添了不少趣味性,比如某个画家如何因为一张画而名声大噪,或者某个画作背后隐藏的感人故事,这些都让冰冷的文字变得有温度,让遥远的艺术家们变得鲜活。这本书的价值在于,它不仅仅是知识的传递,更是对中国文化基因的挖掘和传承,它让我更加珍视和热爱我们自己民族的艺术。

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《中国绘画》这本书,彻底颠覆了我之前对中国画的一些刻板印象。我原以为中国画只是水墨淋漓,意境飘渺,但这本书让我看到了中国画的丰富多样和深厚底蕴。书中对唐代人物画的细致描绘,让我看到了仕女画的优雅婀娜,宗教画的庄严肃穆,以及战争场面的宏大叙事。特别是对吴道子“画圣”称号的由来和其“白画”技法的解读,让我对人物画的线条表现力有了全新的认识。书中的色彩运用也让我大开眼界,从早期绘画的鲜艳明快,到宋代绘画的淡雅含蓄,再到明清绘画的浓烈厚重,色彩的变化也反映了时代的变迁和人们审美观念的演变。我特别喜欢书中对宋代花鸟画的描述,那些栩栩如生的禽鸟,娇艳欲滴的花卉,每一个细节都充满了生命的活力,仿佛能闻到淡淡的清香。这本书不仅仅是知识的传递,更是一种艺术的熏陶,它让我开始真正欣赏中国画的独特韵味。

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《中国绘画》这本书,在我看来,是一部真正意义上的“中国美学百科全书”。它不仅仅介绍了中国绘画的技法和风格,更重要的是,它深入浅出地阐释了中国绘画背后所蕴含的哲学思想和文化精神。书中对“天人合一”理念在山水画中的体现,让我理解了中国古代艺术家如何通过描绘自然,来感悟宇宙人生的真谛。那些巍峨的山峦,奔腾的流水,在他们笔下,不仅仅是自然景物的描摹,更是对生命力、对宇宙秩序的礼赞。我特别喜欢书中对明代吴门画派的介绍,他们将文人画的雅趣与市井的活力相结合,创造出既有艺术高度又充满生活气息的作品,这让我看到了中国画的包容性和生命力。书中的插图选择极为考究,每一幅都代表了各个时期、各个流派的巅峰之作,让我得以领略中国绘画的博大精深。通过这本书,我对中国画的理解不再停留在表面的欣赏,而是上升到了对文化、对哲学的体悟。

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在阅读《中国绘画》的过程中,我常常会停下来,对着书中的画作发呆。那些古老的画卷,仿佛拥有魔力,能够将我带入一个宁静致远的世界。书中的文字,对每一幅画作的解读都极具深度,不仅分析了技法,更挖掘了画作背后的文化内涵和精神追求。例如,对元代画家赵孟頫的介绍,让我理解了他“古意”的回归,以及他对复兴汉族传统艺术的努力。书中对山水画中“皴法”的讲解,更是让我惊叹于古人的智慧,他们如何通过不同的笔触,表现出岩石的质感、山体的起伏。我常常会反复阅读关于“留白”的章节,那看似空无一物之处,却蕴含着无限的想象空间,也是中国画“计白当黑”的重要艺术理念。这本书让我开始关注画作的“意境”,而不仅仅是“形似”。它教会我如何去“看”画,不仅仅是用眼睛,更是用心去感受画家笔下的情感和思想。这本书的价值,在于它能够唤醒我们内心深处对美的感知,让我们重新发现中国传统艺术的魅力。

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《中国绘画》这本书,就像一把钥匙,为我打开了通往中国传统艺术世界的大门。我之前对中国画的认识非常有限,大多停留在对水墨山水和一些知名画作的模糊印象。而这本书,则以一种系统化、可视化的方式,将中国绘画的整个发展脉络展现在我眼前。书中对每一幅画作的解读,都不仅仅停留在对画面本身的描述,而是深入挖掘了画作的时代背景、创作意图、以及其中蕴含的文化意义。我特别喜欢书中对佛教绘画的介绍,那些敦煌壁画的精美复原,让我看到了艺术与信仰的结合,以及艺术家们如何通过绘画来传播宗教思想和表达对神灵的敬畏。书中的版式设计也十分精美,字体大小适中,排版疏密有度,配合着高质量的插图,使得阅读体验非常愉悦。这本书让我真正开始热爱中国画,并渴望去进一步探索这个广阔而迷人的艺术领域。

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