中国绘画艺术论

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出版者:山西教育出版社
作者:彭修银
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2001-12
价格:16.50元
装帧:平装
isbn号码:9787544020978
丛书系列:中国艺术论丛书
图书标签:
  • 艺术
  • 绘画
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具体描述

《西方现代设计思潮:从包豪斯到后现代的演变》 一、导言:现代设计的启蒙与巨变 本书旨在深度剖析二十世纪以来西方设计领域所经历的一系列关键性思潮、运动及其背后的哲学与社会动因。设计,作为连接艺术、技术与日常生活的桥梁,在两次世界大战的剧变中完成了从手工艺的附属品到独立学科的身份转型。本书将着重探讨那些奠定现代主义设计基石,并最终引发对其反思与突破的核心思想体系。我们不仅关注设计形式的演变,更深挖其背后的美学原则、社会责任感以及对工业化生产的反思。 二、现代主义的诞生与黄金时代(1919-1960s) 1. 包豪斯(Bauhaus)与功能至上原则 包豪斯学院,作为现代设计教育的摇篮,其影响贯穿整个世纪。本书将详细梳理瓦尔特·格罗皮乌斯(Walter Gropius)提出的“艺术与技术的新统一”的理念。重点分析其“形式追随功能”(Form Follows Function)的信条如何在建筑、平面和产品设计中得到实践。我们将剖析包豪斯对于标准化、理性化和新材料(如钢管、玻璃)的偏爱,探讨其如何试图通过设计解决战后社会住房和大众消费的实际问题。特别是对约翰尼斯·伊顿(Johannes Itten)基于色彩与形式基础训练的早期表现主义倾向,与拉兹洛·莫霍利-纳吉(László Moholy-Nagy)后期对光影与动态的探索之间的内在张力进行辨析。 2. 国际主义风格(International Style)的扩张 在建筑领域,以勒·柯布西耶(Le Corbusier)和密斯·凡德罗(Mies van der Rohe)为代表的国际主义风格,将包豪斯的理性精神推向极致。本书将分析“新建筑五点”的理论基础,探讨其在简洁几何体、透明玻璃幕墙和“自由平面”中体现的普世性诉求。同时,本书也将批判性地审视国际主义在实践中导致的“玻璃盒子”同质化现象,以及其对地方文脉和人性化尺度的忽视。 3. 斯堪的纳维亚设计的人文主义底色 与德系设计的冷峻理性相对,北欧设计,特别是丹麦和芬兰的设计,展现了一种更柔和、更贴近人性的现代主义路径。本书将聚焦于阿尔瓦·阿尔托(Alvar Aalto)对木材的运用,以及他对工业生产与有机形态的巧妙融合。重点阐述北欧设计中“民主设计”的理念——即优秀的设计不应是少数人的特权,而应是人人可及的生活必需品,强调舒适性、耐用性和材料的自然质感。 三、对现代主义的质疑与修正(1960s-1970s) 1. 批判性设计与社会学转向 随着消费主义的膨胀和设计界对自身社会角色的反思加剧,一些设计师开始质疑现代主义的“乌托邦”承诺。本书将深入研究1960年代的激进思潮,例如英国的“黑色星期五”(Black Design)运动以及意大利的“反设计”(Anti-Design)浪潮。这些运动挑战了既有的美学规范,主张设计应具有政治批判性,甚至故意制造“丑陋”或功能上的不确定性,以促使用户重新审视物品与环境的关系。 2. 系统设计与信息可视化 在信息爆炸的背景下,设计不再仅仅关乎物体外观,更关乎信息的组织和传达效率。本书将分析保罗·兰德(Paul Rand)在企业形象设计中的经典实践,以及瑞士设计(Swiss Style,或称国际排印风格)如何通过网格系统、无衬线字体和清晰的层级结构,确立了现代信息设计的标准。我们将探讨这一时期,设计如何从艺术的边缘走向企业战略的核心。 四、后现代主义的回归与多元化(1980s至今) 1. 符号、装饰与文化挪用 后现代主义是文化语境对现代主义纯粹性的有力反击。罗伯特·文丘里(Robert Venturi)那句“少即是乏味”(Less is a Bore)成为了新的口号。本书将分析孟菲斯集团(Memphis Group)如何以其鲜艳的色彩、拼贴的图案和对历史元素的戏谑引用,彻底颠覆了现代主义的简洁教条。重点探讨设计如何重新拥抱装饰性、幽默感以及文化符号的复杂性。 2. 全球化背景下的设计身份探索 进入九十年代,全球化加速了设计语汇的融合与冲突。本书将审视后殖民语境下,设计如何寻求一种既不完全效仿西方主流,又不固步自封于传统的新路径。从日本的“侘寂”(Wabi-Sabi)美学对不完美和短暂性的推崇,到新兴国家在吸收现代技术的同时,如何努力保留本土工艺和材料的独特经验,构成了设计领域新的张力点。 3. 体验设计与数字介质的冲击 在二十一世纪初,随着互联网和移动技术的普及,实体设计与虚拟体验的界限日益模糊。本书最后一部分将探讨用户体验(UX)和交互设计(IxD)如何成为新的设计焦点。这些新的领域不再仅仅关注物体的物质性,而是聚焦于用户在时间维度上与系统互动的全过程,要求设计师具备跨学科的认知心理学和叙事能力。设计从“制造事物”转向“构建关系”和“优化流程”,标志着一个新时代的开启。 五、结论:设计的永恒追问 本书总结道,西方设计思潮的发展并非线性进步,而是一系列对既有范式不断提出质疑、修正、最终又被新范式吸收的过程。从对机器时代的理性颂歌,到对个体经验和文化身份的回归,设计的核心议题始终围绕着:设计应服务于谁?设计的本质是普世还是特殊?以及,在快速变迁的社会中,设计如何平衡效率与人性、传统与未来? 本书旨在为读者提供一个全面而深入的框架,理解这些思想如何塑造了我们今日所见的世界。

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《中国绘画艺术论》这本书给我的第一印象是它在学术上的严谨性和对中国绘画史的系统性梳理。我对于“笔墨”这一概念在中国绘画中的重要性一直充满好奇,书中对于笔墨的运用、变化以及其背后所蕴含的技法和美学原则的探讨,是我非常期待的部分。我知道,在中国绘画中,笔墨不仅仅是线条的勾勒,更是情感的表达和精神的寄托。书中是否会详细解析不同笔墨技法的特点,比如“皴法”的运用,如何通过不同皴法的变化来表现山石的质感和纹理,又如何通过墨色的浓淡干湿来营造空间感和层次感?这些都是我渴望了解的。此外,我也很关注书中对“留白”的论述。在中国绘画中,空白不仅仅是未被填充的空间,更是“虚”与“实”、“有”与“无”的哲学辩证,它能够激发观者的想象,营造出更加深远的意境。我期待这本书能够深入浅出地解释这些中国绘画的独特语言,让我能够更好地欣赏和理解那些意境深远的画作,从而提升自己的审美能力。

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当我拿到《中国绘画艺术论》这本书时,立刻被它所散发出的那种历史的厚重感和艺术的雅致气息所吸引。我对中国绘画中“神似”与“形似”的辩证关系一直非常感兴趣,并希望在这本书中找到更深入的解释。我期待书中能够详细阐述中国画家是如何在追求形体准确的同时,更注重捕捉对象的神韵和内在精神的。比如,书中是否会分析中国古代画家是如何通过对人物面部表情、肢体语言的细微刻画,来展现人物的内心世界和性格特征?又比如,山水画中,如何通过对山石、云水的表现,来传递出一种超越物质形态的意境和气魄?我希望这本书能够帮助我理解,为什么中国绘画能够达到“得其神而忘其形”的境界,这种境界背后又蕴含着怎样的中国传统哲学思想。我期待这本书能让我不仅仅停留在欣赏画面的美,更能深入到画作的灵魂深处,去感受中国绘画独特的艺术魅力。

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拿到《中国绘画艺术论》这本书,我脑海里首先浮现的是水墨氤氲、意境悠远的古代画卷。作为一个对中国传统文化充满好奇心的读者,我期待这本书能够像一位温厚的老者,娓娓道来中国绘画那些深藏的秘密。这本书的封面设计就带着一种古朴典雅的气质,淡雅的色彩和写意的构图,仿佛已经预示了书中内容的厚重与精致。我翻开目录,看到的不仅仅是章节标题,更是一条条探索中国绘画发展脉络的路径。从史前时期的岩画,到唐宋的繁盛,再到元明清的变革,每一个时期都像一颗璀璨的明珠,串联起中国绘画辉煌的历史。我尤其对书中所提及的“气韵生动”这一中国绘画的灵魂格外感兴趣,它究竟是如何在笔墨间得以体现?又承载了古人怎样的哲学思考?这些疑问都驱使我迫不及待地想深入阅读。这本书不仅仅是知识的堆砌,更像是一扇窗,透过它,我希望能窥见中国古代艺术家们的内心世界,感受他们如何在宣纸之上抒发情怀,又如何在山水之间寄托理想。这本书的文字风格我预感也会是流畅且富有诗意的,能够将复杂的艺术理论转化为引人入胜的故事,让像我这样非专业的读者也能乐在其中,沉醉在中国绘画那博大精深的艺术海洋里。

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我对《中国绘画艺术论》这本书的期待,源于我对中国传统美学思想的浓厚兴趣。我一直觉得,中国绘画不仅仅是技艺的展现,更是一种生活态度和精神寄托的体现。这本书的书名本身就充满了学术气息,让我预感到它会深入探讨中国绘画背后的哲学理论和文化底蕴。我特别好奇书中会对“诗中有画,画中有诗”的境界是如何阐释的。在我的印象中,中国古代文人往往将绘画视为抒发情感、表达人生抱负的另一种方式,笔墨之间饱含着士大夫的情怀。我想知道,书中是如何分析这种“诗画合一”的独特美学追求的,以及它如何在中国绘画的发展过程中发挥了关键作用。我甚至想象,书中会详细介绍许多中国绘画史上的重要人物,比如顾恺之、吴道夫、沈周、董其昌等等,他们不仅仅是技艺高超的画家,更是那个时代的思想家和文化名人。了解他们的生平故事和创作理念,一定能让我更深刻地理解中国绘画的精髓。我期待这本书能够让我不仅看到画面,更能“听”到画面背后的声音,感受到那种含蓄而深沉的东方韵味。

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《中国绘画艺术论》这本书,单是书名就足够吸引我这样对中国传统艺术充满敬意的读者。我一直对中国绘画中“诗意”的表达方式感到着迷,那是一种含蓄、内敛,却又充满力量的美。我期待这本书能够深入解析中国画家是如何通过笔墨的挥洒,将诗人般的浪漫情怀和哲思融入画面的。我尤其想知道,书中是否会详细阐述中国绘画中“意境”的营造艺术,如何通过留白、渍染、渲染等技法,创造出既有形又无形、既在画面内又在画面外的无限空间,让观者在想象中与作品产生共鸣。我个人非常欣赏中国绘画中那种“计白当黑”的巧妙处理,以及“不着一色而色采俱足”的意境。这本书能否让我明白,为什么中国画家常常选择描绘山水、花鸟,而不是人物的肖像,这背后是否蕴含着更深层的文化寓意和情感寄托?我希望通过这本书,能够更加理解中国绘画独特的审美取向,以及它所承载的深厚文化底蕴,从而提升自己对艺术的感悟能力。

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拿到《中国绘画艺术论》这本书,我立刻被它传递出的那种厚重而宁静的氛围所吸引。我之所以会对这本书产生浓厚兴趣,是因为我对中国传统哲学,特别是道家思想,与艺术之间的关联一直非常着迷。我一直认为,中国绘画不仅仅是技巧的展示,更是一种人生观和宇宙观的体现。书中是否会深入探讨“天人合一”的哲学思想是如何渗透到中国绘画的创作中的?比如,山水画为何总是将人置于宏大的自然之中,表现出渺小却又和谐的存在感?又比如,“意境”的营造,是否与道家追求的“虚静”、“无为”的思想有着密切的联系?我期待书中能够不仅仅罗列画家的名字和作品,更能挖掘出那些深层的文化根源和精神内核。我希望通过阅读这本书,能够更深刻地理解中国画家是如何通过笔墨来表达他们对自然、对生命的感悟,以及他们如何在画作中融入中国传统的哲学智慧。这本书对我来说,不仅仅是一本艺术史读物,更是一次关于中国文化精神的探索之旅。

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《中国绘画艺术论》这本书,仅仅从书名便能感受到其内容之博大精深,对我而言,它更像是一把钥匙,能够开启我对中国传统绘画艺术更深层次的理解。我一直对中国绘画中的“笔墨情趣”这一概念颇为着迷,我理解它并非单纯的线条和色彩的组合,而是承载着画家深厚的情感和人生阅历。我期待书中能够深入剖析中国画家是如何通过对笔墨的驾驭,来表达自己的心绪、抱负乃至对世界的看法。书中是否会详细介绍不同朝代的笔墨风格差异,比如宋代的严谨细腻,元代的奔放洒脱,以及明清的融合演变?我希望通过这本书,能够更清晰地辨识出不同画家独特的笔墨语言,并理解这些语言背后所蕴含的文化符号和审美取向。对我而言,中国绘画的魅力在于其“言外之意”和“弦外之音”,我期待这本书能够帮助我捕捉到这些隐藏在笔墨之下的丰富内涵。

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当我看到《中国绘画艺术论》这本书时,脑海里首先浮现的是古代画师在案前伏案,一丝不苟地描摹自然万物的场景。我对中国绘画的“师法造化”这一核心理念一直充满好奇,并希望在这本书中找到深入的解读。我期待书中能够详细阐述中国古代画家是如何通过观察自然、体悟自然,并将自然万物的神韵融入到笔墨之中的。比如,书中是否会分析不同画家是如何处理山石的皴法,如何表现水的流动,如何捕捉花鸟的动态,以及这些技法背后所蕴含的对自然的深刻理解。我尤其对书中可能涉及到的“写意”画法感到兴趣,这种看似寥寥数笔,却能勾勒出万物神髓的艺术手法,究竟是如何达到的?它是否与中国哲学中的“道可道,非常道”有着某种联系,即通过“言有尽而意无穷”的方式来表达天地万物的微妙之处?我希望这本书能让我明白,中国绘画不仅仅是技巧的再现,更是一种对生命、对自然的哲学思考和情感抒发。

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《中国绘画艺术论》这本书,在我眼中,不仅仅是一本关于绘画的书,更是一部关于中国文化和哲学思想的载体。我一直对中国绘画中“虚实相生”的艺术表现手法感到惊叹,并期待在这本书中能找到更系统、更深入的解读。我希望书中能够详细阐述,在中国绘画中,“实”不仅仅指画面上描绘的具体形象,更包含了笔墨的质感、色彩的饱和度等;而“虚”则常常体现在留白之处,它并非空白,而是蕴含着无限的可能性和想象空间。我特别期待书中能够分析,画家是如何巧妙地运用“虚”与“实”的对比与融合,来营造出画面丰富而微妙的层次感和空间感,从而引发观者丰富的联想。例如,山水画中,飘渺的云雾与挺拔的山峰如何形成虚实相映的对比;花鸟画中,盛开的花朵与几片疏朗的叶子又如何构成虚实相间的趣味。我希望通过这本书,能够更深刻地理解中国绘画中蕴含的东方哲学智慧,以及它如何通过艺术的形式来表达对宇宙万物微妙关系的认知。

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《中国绘画艺术论》这本书给我最直观的感受是它对中国绘画史的梳理是如此的细致入微。我翻阅的每一页,都仿佛在穿越历史的长河,从黄河岸边的原始壁画,到姑苏园林中的案头山水,这本书将中国绘画的演变过程描绘得如同电影画面般生动。我特别留意到书中对不同朝代绘画风格的独特分析,比如唐代的雍容华贵、宋代的细腻雅致、元代的率性洒脱,这些描述不仅仅是简单的概括,而是通过对具体画作的解读,深入剖析了时代背景、社会思潮对绘画艺术的影响。我迫不及待想知道,当画家面对同一片山川时,为何唐代会画出气势磅礴的巨制,而宋代却倾向于表现幽静淡雅的景致?书中对这种差异的解读,相信会给我带来深刻的启发。此外,我对书中对不同绘画题材的论述也充满期待,无论是山水、花鸟、人物,每一种题材背后都蕴含着丰富的文化意义和哲学内涵。我希望这本书能够帮助我理解,中国绘画为何如此重视“意境”的营造,为何一幅画中往往包含着比画面本身更广阔的意义。这本书就像一位技艺精湛的导游,带领我一步步走进中国绘画的殿堂,去领略那跨越千年的艺术魅力。

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