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出版者:民族出版社

作者:宗者拉杰

出品人:

页数:318 页

译者:

出版时间:2002年01月

价格:22.8

装帧:平装

isbn号码:9787105048571

丛书系列:

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• 艺术理论
• 右四二
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《古韵新声：东方艺术的千年回响》 序言 在人类文明的长河中，艺术始终扮演着记录时代、传承精神、启迪心灵的关键角色。从远古先民的岩画涂鸦，到后世大师的笔墨丹青，无数的艺术作品如同璀璨的星辰，点亮了历史的天空，也折射出不同民族、不同地域独特的文化风貌与审美追求。本书《古韵新声：东方艺术的千年回响》并非旨在梳理某一特定艺术门类或风格的脉络，而是试图以一种更宏观的视角，去探寻东方艺术在漫长历史进程中，其内在的精神脉络、审美旨趣以及它们如何跨越时空，与当代社会产生共鸣。我们将目光投向东方这片古老而又充满活力的土地，从其多元的文化土壤中汲取养分，去聆听那些历经岁月洗礼，却依然生生不息的艺术回响。 第一章 绪论：探寻东方艺术的精神内核 东方，是一个地理概念，更是一个文化概念。它包含着从西伯利亚到东南亚，从中亚到太平洋岛国的广袤区域，孕育了多种多样的文明，也催生了琳琅满目的艺术形式。不同于西方艺术在文艺复兴时期以来对具象写实、人体表现的持续关注，东方艺术往往更注重“意境”的营造，“气韵”的表达。它常常以一种含蓄、写意的方式，追求“以形写神”，将自然万物、人文情怀、哲学思考融于一体，形成一种独特的东方智慧与东方情愫。 本章将从东方艺术的哲学基础入手，探讨儒家、道家、佛教等思想体系如何深刻影响了东方艺术的创作理念与审美标准。我们将分析“天人合一”、“道法自然”、“写意传神”等核心概念，理解为何山水能够成为东方艺术的重要题材，为何留白在中国画中具有如此重要的意义，为何佛教艺术能够以庄严而又慈悲的形象，触动人心。同时，我们将简要概述东方艺术的多元性，认识到即使在东方内部，不同区域、不同民族的艺术也各具特色，但其背后却有着某种相通的精神联系。这种精神联系，正是我们本书所要深入挖掘的“古韵”。 第二章 图像的叙事：东方古代壁画与雕塑的宗教与世俗 在文字记录尚不普及的年代，图像是承载历史、传播信仰、记录生活的最直接、最生动的媒介。本章将聚焦于东方古代的壁画与雕塑艺术，通过解读这些沉默的图像，去触摸历史的温度，感受古人的情感。 我们将以敦煌莫高窟、龙门石窟、云冈石窟等佛教艺术宝库为起点，深入分析佛教造像的演变，从早期的犍陀罗风格影响，到中原汉传佛教的本土化，再到藏传佛教的独特魅力。我们将观察佛陀、菩萨、罗汉等形象的造型特点、神态表情，以及壁画中丰富多样的故事情节，如本生故事、佛传故事、因缘故事等。这些图像不仅是宗教信仰的体现，更是当时社会生活、服饰、建筑、民俗的生动写照。 同时，本章也将关注非宗教题材的壁画与雕塑。例如，一些墓室壁画所描绘的宴饮、出行、农耕、狩猎场景，如汉代的马踏匈奴、唐代的唐三彩乐舞俑等，它们为我们提供了了解古代贵族生活、平民百态的珍贵视觉资料。我们还将探讨古代陵墓中的石刻艺术，它们往往寓意着生者对死者的追思，对来世的寄托，以及对权力与地位的彰显。这些图像叙事，如同古老的史书，以其独特的视觉语言，诉说着历史的沧桑与文明的演进。 第三章 笔墨的哲学：中国传统绘画的写意精神与笔墨韵味 中国传统绘画，特别是文人画，是东方艺术中极具代表性的一脉。它不仅仅是描绘景物，更是画家心性、情怀、学养的直接流露。本章将深入探讨中国传统绘画的写意精神，以及“笔墨”在中国绘画中的核心地位。 我们将分析“写意”与“写实”的区别，理解为何中国画强调“神似”而非“形似”。我们将学习“用笔”与“用墨”的技巧，如“飞白”、“积墨”、“破墨”等，感受笔墨在塑造形象、表达情感、营造氛围方面的独特魅力。我们将探讨中国画的构图原则，如“虚实相生”、“计白当黑”、“散点透视”等，理解这些构图方式如何营造出深远的意境。 本章还将重点介绍中国画中的几大题材：山水、花鸟、人物。我们将分析历代山水画大师的创作理念与风格演变，如王维的诗画结合，范宽的雄浑壮阔，董源、巨然的江南秀润，以及近代的黄宾虹的积墨山水。我们将探讨花鸟画如何将自然之美与文人的雅趣相结合，如徐渭的泼墨写意，八大的孤寂冷逸，齐白石的鲜活生动。在人物画方面，我们将关注其如何刻画人物的精神气质，而不仅仅是外在形象。 第四章 丝与瓷：东方工艺美术的技艺与美学 除了绘画，东方在工艺美术领域也取得了举世瞩目的成就。本章将把目光转向那些闪耀着人类智慧与匠心独运的物质文明成果——丝绸与陶瓷。 我们将追溯丝绸的起源与发展，从古代中国的丝织技术，到其如何成为连接东西方文明的“丝绸之路”上的重要商品。我们将欣赏历代丝织品的图案纹样，如汉代的云气纹，唐代的宝相花，宋代的写实花卉，以及明清时期的龙凤吉祥纹，理解它们所蕴含的文化意义与审美追求。我们还将探讨丝绸在服饰、绘画、装饰等方面的广泛应用。 陶瓷，作为中华文明的另一张闪亮名片，其发展历史悠久，技术精湛，美学成就斐然。我们将从新石器时代的彩陶、灰陶，到夏商周的青铜时代的陶器，再到汉代的灰陶、唐代的唐三彩，宋代的五大名窑（汝、官、哥、钧、定）的精美瓷器，直至明清时期景德镇的青花瓷、彩瓷，一路探寻陶瓷艺术的演变。我们将分析不同时期陶瓷的胎质、釉色、造型、纹饰特点，理解它们如何反映当时的社会生活、技术水平和审美观念。我们将深入了解景德镇作为“瓷都”的辉煌历史，以及中国瓷器在世界范围内的影响。 第五章 印度洋的潮汐：南亚与东南亚艺术的宗教融合与地域特色 东方艺术的版图远不止于中国，南亚和东南亚同样是东方文明的重要组成部分，拥有着独特而辉煌的艺术传统。本章将把视线移向印度洋沿岸的土地，去感受那里的艺术魅力。 我们将以印度为中心，探寻印度教、佛教、耆那教等宗教如何深刻地影响了印度古代的雕塑与建筑艺术。我们将欣赏笈多王朝时期佛教造像的典雅与庄严，孔雀王朝时期阿育王石柱的宏伟，以及南印度地区婆罗多舞雕塑的生动与韵律。我们将了解印度神庙建筑的复杂结构与装饰，以及其所承载的宗教神话与哲学思想。 接着，我们将目光转向东南亚，如柬埔寨的吴哥窟、泰国的佛寺、缅甸的佛塔等。我们将分析这些地区在吸收印度文化影响的同时，如何发展出独特的地域性艺术风格。例如，高棉艺术中的女性形象，泰国佛教艺术的吉祥寓意，缅甸佛塔的层层叠叠的宗教象征。我们还将探讨东南亚地区其他形式的艺术，如印尼的巴厘岛艺术，越南的漆器等，感受其多元的文化融合与地域特色。 第六章 丝路的回响：东西方艺术的交流与互动 “丝绸之路”不仅是商贸之路，更是文化交流之路。本章将聚焦于东西方艺术的交流与互动，探寻在这条古老通道上，不同文明如何相互借鉴、相互启发，共同书写了艺术史的篇章。 我们将分析佛教艺术在传播过程中，是如何在中亚、中国、朝鲜半岛、日本等地产生地域性演变，形成了具有各自特色的佛教艺术风格。例如，犍陀罗艺术对中国早期佛教造像的影响，唐朝佛教艺术在中日韩的传播，以及藏传佛教艺术的独特发展。 我们将关注丝绸之路沿线的壁画与雕塑，如新疆的克孜尔石窟、高昌故城壁画等，它们是东西方艺术风格交融的生动见证。我们将分析来自波斯、希腊、罗马等地的艺术元素如何融入东方艺术之中，反之亦然。我们还将探讨丝绸、瓷器、香料等东方艺术品如何在西方世界引起轰动，并激发西方艺术家的创作灵感。这种跨文化、跨地域的艺术对话，是人类文明发展的重要驱动力，也为我们理解艺术的普遍性与特殊性提供了深刻的视角。 第七章 古韵今声：东方艺术的当代生命力 东方艺术并非只能陈列在博物馆中，它依然拥有强大的生命力，并在当代社会焕发出新的光彩。本章将探讨东方艺术在当代的传承、创新与发展。 我们将关注当代艺术家如何从传统东方艺术中汲取养分，并将其融入现代的创作实践。例如，当代中国画如何在继承传统笔墨韵味的基础上，探索新的表现语言；当代雕塑家如何以现代的材料与观念，重塑传统的雕塑形象；当代设计师如何将东方传统纹样、色彩、意境应用于现代设计领域。 本章还将关注东方艺术的国际传播与影响。我们看到越来越多的西方艺术家和收藏家对东方艺术产生浓厚兴趣，东方艺术展在世界各地受到广泛关注。同时，东方艺术也面临着如何在全球化浪潮中保持自身特色，避免过度商业化或模式化的问题。 我们将反思东方艺术的当代价值，它不仅仅是历史的遗存，更是连接过去与未来的桥梁，是丰富我们精神世界、提升我们审美情趣的重要源泉。东方艺术的“古韵”与当代的“新声”如何和谐共鸣，将是未来艺术发展的重要课题。 结语 《古韵新声：东方艺术的千年回响》是一次穿越时空的艺术之旅。我们试图通过对东方艺术不同侧面的探索，去理解其内在的精神气质、审美追求与文化底蕴。从古老的图像叙事到写意的笔墨哲学，从精湛的工艺美术到跨文化的艺术交流，再到当代艺术的创新发展，东方艺术以其独特的魅力，不断地为人类文明增添着绚丽的色彩。 愿本书能够激发读者对东方艺术更深层次的兴趣，去亲身感受那些历经千年依然鲜活的艺术生命，去聆听那古老而又充满活力的“新声”。因为，在这些“回响”之中，我们不仅能看到历史的痕迹，更能找到连接我们与先贤、连接我们与世界的精神纽带，从而更加深刻地理解自身，理解世界，理解艺术在人类生命中的永恒意义。

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我必须承认，最初翻开这本书时，我对“概论”二字略感担忧，担心它会流于表面，泛泛而谈。然而，实际阅读体验完全颠覆了我的预期。这本书在结构设计上展现出一种令人惊叹的精巧。它没有采用传统的时间线叙事，而是将“藏画”这一主题拆解为若干个高度聚焦的案例模块进行深入剖析。比如，关于“损毁与修复的艺术”那一章节，简直是神来之笔。作者并没有简单地描述文物修复技术，而是将其提升到伦理层面探讨：我们是否有权“完善”一件有瑕疵的历史遗作？这种对“不完美之美”的尊重，让我感受到了作者对艺术品宿命的深沉关怀。文字的韵律感极强，尤其是在描述那些历经战乱、辗转多地的画作时，那种略带咏叹调的笔法，让人不禁为之动容。读完后，我不再仅仅将画作视为静态的图像，而是将其视为承载了无数人类情感和历史重量的“时间容器”。它教会了我如何用一种更加虔诚和审慎的态度去对待每一件流传至今的艺术品。

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这本书的独特之处，在于它对“非主流”收藏群体的挖掘与呈现。我们都知道帝王将相的收藏故事，但本书花了大量篇幅去论述明清时期，那些新兴的商人阶层或地方士绅是如何通过购买特定风格的画作来构建自己的社会身份和文化资本的。这种社会学的视角，极大地拓宽了传统艺术史的边界。书中对于某一特定时期，某一类“地方流派”画作在市井间的流通速度、价格波动，乃至其在民间审美趣味中的地位的描述，都细致到了令人称奇的地步。我甚至感觉自己仿佛置身于当时的画廊或私宅之中，目睹着一笔笔交易的发生，感受着不同阶层对“美”的不同定义。这种“由下而上”的观察方法，使得整部作品摆脱了精英主义的窠臼，充满了鲜活的烟火气和真实的社会肌理感。它不再是高高在上的理论说教，而是一部关于艺术品如何融入普通人生活，并反过来塑造社会群像的精彩编年史。

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这本《藏画艺术概论》读起来，简直像是一场穿越时空的文化之旅。作者似乎拥有与历代画家的灵魂对话的能力，将那些尘封在古籍与博物馆深处的珍品，用一种极其生动且富有洞察力的笔触重新展现在我们眼前。我尤其欣赏它对“收藏”这一行为的哲学性探讨。它不仅仅罗列了名家大作的流传脉络，更深层次地挖掘了收藏者自身的品味、时代背景乃至权力结构对艺术品价值的重塑过程。例如，书中对宋代文人画兴起时，收藏观念如何从单纯的“鉴赏”转向“个体精神寄托”的分析，细致入微，让人对画作背后的权力与审美博弈有了全新的认识。那种将艺术史、社会史和心理学熔于一炉的叙事方式，使得原本枯燥的考据变得引人入胜，仿佛每一幅画卷打开时，都能嗅到墨香和历史的气息。它成功地构建了一个宏大的叙事框架，让我们理解，艺术品的价值从来不是静止不变的，而是被一代代收藏者赋予生命的动态过程。这对我这样初涉艺术领域的人来说，无疑是一本极佳的入门石阶，既有高度的理论支撑，又不失可读性。

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老实说，这本书的学术深度是相当可观的，但最让我称赞的是其引证的广博性与独特性。它似乎囊括了所有重要的艺术史文献，但更令人惊喜的是，它穿插了许多鲜为人知的私人信件、海关记录甚至是戏曲脚本中的只言片语来佐证观点。这种多源信息交叉印证的手法，极大地增强了论点的说服力。举例来说，书中通过比对不同版本的手卷题跋，揭示了画作在流转过程中，鉴藏印章的增添如何成为一种“二次创作”或“权力宣示”，这种对细节的执着挖掘，是真正的高水平研究的体现。阅读过程中，我经常需要停下来查阅附录中提供的外文资料摘要，可见作者在资料搜集上的浩大工程。虽然部分专业术语对非专业人士可能稍有门槛，但作者总能及时提供清晰的注解或语境解释，确保了学术的严谨性与读者的接受度之间达到了完美的平衡。这绝对是一部值得反复研读、常读常新的深度著作。

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这本书给我的最大震撼，在于它对“图像的生命力”这一概念的阐释。作者将每一幅被收藏的画作视为一个有生命的有机体，它从画家的笔下诞生，经历被收藏、被赞美、被误解、被尘封，直至被重新发现的过程，其间的每一次“呼吸”都改变了它的内在本质。书中对于“看画”这一行为的心理学剖析尤为精妙，它探讨了不同时代、不同文化背景的观者，是如何在面对同一幅画时，投射出截然不同的情感与解读。这种“观者中心”的理论视角，极大地解放了我们对古典艺术的刻板印象。我特别喜欢其中关于“留白”的讨论，作者认为“留白”不仅是构图的技术，更是对未来观者想象力的邀请，是收藏者与创作者之间跨越时空的对话空间。读完此书，我感觉自己不再是一个被动的接收者，而成为了艺术历史的积极参与者，我对待每一张画的态度，都因此变得更加审慎和富有想象力。这本书，与其说是一本“概论”，不如说是一本“观画心法”。

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