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出版者:上海人民美术出版社

作者:徐邦达

出品人:

页数:913

译者:

出版时间:1981

价格:36.00元

装帧:精装

isbn号码:9787532203277

丛书系列:

图书标签:

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史海钩沉：世界艺术思潮与图像叙事（摘要） 引言： 本书并非聚焦于某一特定地域或时期的绘画艺术，而是试图构建一个宏大的、跨越不同文明与历史阶段的艺术思潮与图像叙事比较研究框架。我们将目光投向那些塑造了人类视觉文化和精神世界的关键节点，探寻不同文化中“何为图像”、“图像如何思考”的根本性问题。本书的立足点在于比较美学与符号学分析，旨在揭示人类在不同历史语境下，如何运用视觉语言来记录历史、表达信仰、构建社会秩序乃至探寻存在意义。 第一部分：远古的视界——史前符号与巫术图像 本部分将深入探讨人类早期视觉经验的起源，尤其关注旧石器时代晚期至新石器时代早期的岩画、洞穴壁画以及小型雕塑中的图像语言。 第一章：洞穴深处的低语：拉斯科与阿尔塔米拉的猎场 我们将细致分析欧洲冰河时期洞穴壁画的结构、颜料技术及其与当时社会生存、宗教仪式的关联。重点研究动物形象的动态捕捉、空间处理的非线性特征，以及这些图像作为“权力转移”或“丰产巫术”媒介的功能性。我们将借鉴人类学和社会学的最新研究成果，探讨这些图像在人类认知发展中的早期意义。 第二章：新石器时代的几何化：从人面陶器到巨石崇拜 本章转向农业文明兴起后图像语汇的转变。探讨美索不达米亚、安纳托利亚（如恰塔霍裕克）以及东亚地区新石器文化中，图像如何从写实的狩猎场景转向抽象的几何符号、程式化的神祇或祖先形象。重点分析陶器纹饰与早期定居生活对视觉表达的影响，以及巨石阵等纪念性建筑中图像的场所精神。 第二部分：轴心时代的精神图景——信仰、帝国与叙事建立 轴心时代（约公元前800年至公元前200年）是世界范围内主要哲学和宗教体系形成的时期。本部分着重考察在此背景下，图像如何被用作教义传播、帝国意识形态建构和神圣秩序可视化的工具。 第三章：两河流域的王权浮雕：楔形文字与神圣的线性叙事 研究古巴比伦、亚述帝国的浮雕艺术，特别是其对战争场面、狩猎仪式和神授王权的程式化表现。分析楔形文字与图像元素的并置关系，探讨这种“文字-图像混合体”如何服务于帝国宣传机器，确保君主权威的合法性。重点对比亚述王宫的“战役记录”与“献祭场景”在叙事重点上的差异。 第四章：古埃及的永恒秩序：象形文、法老与来世的视觉法则 深入解析古埃及视觉艺术的严格规范性（Canon）。考察其构图原则——如正面律（Frontality）、大小比例（Hierarchy of Scale）和时间并置（Simultaneity）——如何反映了古埃及人对宇宙秩序（Ma'at）的理解。分析墓室壁画、石棺装饰和莎草纸文献中，图像对于确保法老灵魂永恒生命的关键作用。 第五章：古典世界的理想与再现：希腊雕塑与早期基督教的图像冲突 本章横跨希腊化时期直至罗马帝国晚期。探讨古希腊如何从早期的“科洛伊”（Kouroi）阶段，发展出对人体美的理想化追求和对“英雄叙事”的视觉化表达。随后，分析罗马帝国如何继承并改造希腊形式，服务于政治宣传（如纪念柱和凯旋门）。最后，关注早期基督教如何在罗马晚期的视觉文化中，艰难地发展出区别于异教的新型符号系统（如善牧形象、鱼形符号）。 第三部分：中世纪的“第二视觉”——圣像、手抄本与超越经验的表达 中世纪的艺术核心是信仰的视觉化和对天国经验的描摹。本部分侧重于基督教世界（拜占庭、西欧）和伊斯兰世界在图像处理上的根本性分野。 第六章：拜占庭的金色荣耀：圣像画与神性临在 分析拜占庭圣像画（Icons）的独特美学——扁平化、非自然的光线、程式化的面容。探讨“神人二性”的神学理论如何投射到图像创作中，以及圣像在宗教仪式中的“代理性”和“灵性临在”的概念。对比东西教会大分裂前后圣像画风格的演变。 第七章：西欧的黑暗与光明：手抄本插画与罗马式雕塑 聚焦于中世纪早期（加洛林、奥托王朝）和盛期（罗马式）的艺术实践。研究修道院中手抄本的装饰艺术（Illuminated Manuscripts），分析其如何将古典传统与日耳曼民间艺术融合，形成独特的叙事风格。同时，考察罗马式教堂的门楣和柱头雕塑，分析这些“无字圣经”如何教育文盲大众，以及其对空间、运动的戏剧化处理。 第八章：被禁止的形象与几何的宇宙：伊斯兰艺术中的装饰性图像 考察伊斯兰世界对具象描绘的审慎态度（尤其是对人与神）。重点分析复杂的几何图案（Tessellations）、植物涡纹（Arabesque）和书法艺术（Calligraphy）如何成为表达“太一”和无限性的主要视觉途径。分析清真寺、宫殿装饰中，如何通过重复、对称和光谱色彩来构建一个超越物质世界的宇宙模型。 第四部分：文艺复兴的“复苏”与科学的介入——透视、人体与古典的回归 本部分探讨14世纪至16世纪，欧洲艺术如何经历一场范式革命，将图像的焦点从“天国”拉回“尘世”，并赋予艺术家科学家的地位。 第九章：线性透视的发明及其对空间认知的重塑 详细分析布鲁内莱斯基、阿尔伯蒂等人对科学透视法的确立过程。考察透视法如何从一种数学工具演变为一种哲学立场——即将观看者置于绝对中心的主体地位。分析早期文艺复兴画家（如马萨乔）如何运用这一技术来创造前所未有的“窗口式”幻觉空间。 第十章：人文主义的裸体与理想化的人体模型 研究文艺复兴时期对古典雕塑的重新发现，以及人文主义思潮如何推动了对人体解剖学的系统研究。重点分析达芬奇对运动的观察、米开朗基罗对“未完成性”与“内在精神”的表达，以及提香对色彩和感官经验的探索，如何共同构建了文艺复兴“完美人”的视觉标准。 第十一章：北方的细腻观察与北方“写实”的勃兴 将视角转向尼德兰和德意志地区，分析北方艺术家（如凡·艾克、杜勒）在不受意大利古典主义影响下所发展的独特视觉语言。探讨油画媒介的进步如何使得对光线、材质和微观细节的极致描绘成为可能，并讨论其与北方新兴市民阶层及宗教改革思潮的内在联系。 结语：图像的权力与观看的演变 总结回顾不同文明和时代中，图像作为媒介所承担的宗教、政治、哲学功能。探讨从巫术祭祀到科学再现，再到现代媒介的转型过程中，人类视觉经验的连续性与断裂点。 --- （注：本书旨在提供一个多维度的、跨文化的艺术史比较分析，内容涵盖从史前符号到文艺复兴早期欧洲的艺术发展脉络，不涉及特定中国绘画史的细致研究与图录。）

评分☆☆☆☆☆

关于统稿的问题，不知道此图录成书的过程是怎样的，这里面所著录的画、相关的信息（如纸绢、尺寸等）是从何而来？是徐老平时积累所得？抑或是拍脑袋而来？——之所以有如此“不敬”的揣测，是因为从头至尾的体例都不能算是统一。有些提了尺寸，有些声明尺寸失记，有些却只字未...

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评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要理解中国绘画，离不开对中国哲学思想的理解。这本书在这方面做得相当出色。在讲述到明清时期，书里花了相当的篇幅来探讨文人画的兴起，以及“逸格”的追求。书中对八大山人、石涛等人的作品进行了深入剖析，强调了他们如何在笔墨中融入个人的情感和精神追求，以及“我用我法”的创新精神。这让我看到了中国绘画不仅仅是技巧的展现，更是艺术家内心世界的抒发。每一次翻阅，我都会被这些画作背后蕴含的哲学思考所打动，仿佛与古人进行了一场跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

对于像我这样非专业出身的读者来说，能够如此直观地接触到中国绘画的精髓，实属难得。书中大量的彩图，每一幅都经过精心挑选，质量上乘。它们不仅仅是插图，更是理解文字内容的关键。通过这些图，我可以直观地感受到画家运用的笔触、色彩和构图，从而更好地理解文字中对技法的描述。例如，在讲解元四家时，书中将他们的代表作并列展示，让我能够清晰地分辨出王蒙的密实、黄公望的写意、倪瓒的萧疏和吴镇的苍劲，这种视觉上的冲击力是任何文字都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

我尤其喜欢这本书对于各个时期绘画特点的梳理。作者并非简单地罗列画作，而是深入浅出地分析了不同时代背景、社会思潮、哲学观念对绘画艺术的影响。比如，在讲到魏晋南北朝时期，书里详细阐述了玄学和佛教的兴盛如何催生了人物画的繁荣，以及“以形写神”的艺术理念是如何萌芽和发展的。读到这里，我才真正理解了顾恺之《洛神赋图》中人物的神韵究竟是如何被传达出来的。而对于宋代山水画，书中更是花费了大量的篇幅，从马远、夏珪的“一角之景”到范宽、郭熙的“全景山水”，再到董源、巨然的“江南山水”，每一位大师的作品都配有详细的解读，让我能够领略到“可行、可望、可游、可居”的山水画境界。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏本书在论述上的一些独到之处。比如，在探讨中国绘画的“气韵生动”时，作者并没有停留在概念的解释，而是结合大量的具体画作，分析了“气韵”是如何通过笔墨、结构和色彩得以体现的。书中对中国绘画中“虚实相生”的论述也同样精彩，通过对山水画留白的运用，揭示了中国艺术家如何用“无”来表达“有”，如何通过画面中的空白营造出意境悠远的空间感。这种将理论与实践紧密结合的讲解方式，让我在欣赏画作的同时，也提升了自己的审美认知。

评分☆☆☆☆☆

我最欣喜的是，这本书并没有将中国绘画史简单地描绘成一条线性发展的轨迹，而是充分展现了其复杂性和多样性。在介绍唐代绘画时，书中不仅涵盖了阎立本、吴道子等大家的人物画，还详细介绍了张萱、周昉的仕女画，以及曹不兴、陆探微等人的佛教绘画。每一类画作都配有精美的图例和深入的解读，让我能够全方位地了解唐代绘画的辉煌成就。而且，书中对于一些已经被历史尘封的绘画风格，也进行了细致的挖掘和呈现，这对于我们了解中国绘画的完整面貌至关重要。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，这本书的编排方式也极具匠心。每一个章节都围绕着一个特定的时期或主题展开，逻辑清晰，层次分明。从史前时期的原始艺术，到新石器时代的陶器纹饰，再到商周的青铜器铭文，然后过渡到秦汉的帛画和壁画，每一个环节都衔接得非常自然。书中还特别辟出专栏介绍了一些重要的画论，如《历代名画记》和《画论》，这些理论性的内容为理解绘画的发展提供了重要的理论支撑。我尤其喜欢它对不同画派的比较分析，比如将“院体画”和“文人画”进行对比，让我能够更清晰地认识到它们之间的差异和联系。

评分☆☆☆☆☆

这本书还有一个我非常赞赏的地方，就是它对绘画技法的讲解。虽然我不是专业画家，但书中对笔墨、设色、构图等方面的介绍，都用非常通俗易懂的语言呈现出来。例如，在讲解元代山水画时，书中分析了黄公望《富春山居图》中“披麻皴”的运用，以及王蒙“解皴法”的创新，让我对这些复杂的技法有了初步的认识，也更能欣赏到画作的精妙之处。书中还穿插了一些关于画论和艺术家生平的介绍，比如宗炳的“山水画论”和王维的“诗中有画，画中有诗”，这些内容让整个绘画史的学习过程更加生动立体，不再是枯燥的知识点堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国绘画史图录》真是让我大开眼界！作为一名对中国传统文化情有独钟的普通爱好者，我一直希望能找到一本既有深度又不失趣味的绘画史读物。终于，我遇到了它。首先，这本书的装帧就非常精美，拿在手里沉甸甸的，纸张的质感也很好，给人一种庄重而又充满艺术感的感觉。翻开第一页，我就被那些精美的插图深深吸引了。从早期岩画的粗犷有力，到汉唐宫廷绘画的雍容华贵，再到宋代山水画的意境深远，以及明清文人画的写意洒脱，每一个时期、每一个流派的代表作都被收录其中，而且印刷质量极高，色彩还原度非常到位，仿佛能感受到画作本身的温度和笔触。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，这本《中国绘画史图录》是一部集学术性、艺术性、普及性于一体的杰作。它不仅仅是一本图录，更是一部引人入胜的中国绘画史的百科全书。我每一次阅读，都能有新的收获和感悟。它填补了我对中国绘画史认识上的诸多空白，也让我更加深入地理解了中国传统文化的博大精深。这本书不仅适合对中国绘画感兴趣的初学者，也对研究者和爱好者有着极高的参考价值。我强烈推荐这本书给所有想要了解中国绘画之美的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感动的地方在于，它让我真切地感受到了中国绘画所承载的文化温度。阅读过程中，我常常会因为一幅画作的意境而驻足良久。比如，在欣赏清代“扬州八怪”的画作时，我能感受到他们不羁的个性和对传统的反叛，他们的画作充满了生命力。而当看到任伯年、吴昌硕等海派画家融合中西的创作时，我又能体会到时代变迁带来的艺术革新。书中对这些艺术家及其作品的解读，不仅仅是知识的传授，更是一种情感的共鸣，让我更加热爱中国传统艺术。

评分☆☆☆☆☆

清晰度再高一点就好了，若干画作很想看看原作是啥样。下册的装订有点问题

评分☆☆☆☆☆

有两个缺点，其一配图全是黑白，其二选图似刻意忽略台北故宫

评分☆☆☆☆☆

父亲带着我看，说说品品的，很有滋味。

评分☆☆☆☆☆

期待二刷

评分☆☆☆☆☆

81年版的老书，入选的标准是什么，图片黑白质量不佳，像是中国美术全集后面的版图