具体描述
本书主要为读者展开一个完整的三维动画空间。不但介绍了三维软件制作动画；还介绍了如何应用平面软件为三维软件的物体绘制材质。
第1章主要讲解如何从Poser中调入三维人物到3ds max中，并为它贴上真实的皮肤材质。第2章主要讲解Deep Paint 3D，并且可以和3ds max、Maya等三维软件有直接的接口。第3章开始进入三维动画阶段，将引领读者直接进入真正的三维动画中。从Poser中制作动画，调入到3ds max中生成三维动画。Photoshop是非常普遍的平面绘画软件，介绍它如何与3ds max联合使用。第4章介绍精彩的卡通人物动画和卡通人物千变万化的姿态。第5、6章主要介绍一些动物姿态和卡通人物姿态参数。第7章介绍本书光盘提供的材质库，这主要是为了没有Poser软件的学习者准备的，光盘中提供相关内容的全部文件。第8章是全书的精华，内容十分精彩，学会了这一章的内容，即可以制作恐怖电影了。
本书适用于想学三维动画的人员，及想做三维动画电影特效的技术人员阅读。
本书配套光盘内容包括部分源文件以及各种线架。
数字艺术与设计领域前沿探索：从概念到实现的综合指南 本册图书旨在为广大数字艺术爱好者、三维建模师、动画制作人员以及对视觉叙事充满热情的创作者，提供一套全面而深入的跨平台技术与创意指导。它聚焦于当前数字内容生产流程中至关重要的几个核心领域，致力于打通从初步概念构思到最终高精度渲染输出的完整链条，确保读者能够掌握行业领先的工具组合和高效的工作流程。 本书摒弃了对单一软件功能的堆砌式罗列，而是着眼于流程的整合性与创意的可实现性。我们相信，在现代数字媒体制作中，单一工具已无法应对复杂的项目需求，真正的效率和艺术高度来源于工具间的无缝协作与相互赋能。因此，本书将重点剖析如何利用不同软件的优势，构建一个强大、灵活且富有弹性的三维及二维后期处理管道。 第一部分：三维基础构建与精细化雕塑艺术 本部分将深入探讨三维对象的创建与形态塑造的艺术。我们不再局限于传统的低多边形建模范畴，而是将重点放在高精度模型的高效生成与细节的赋予上。 1. 拓扑结构的战略性规划： 深入解析不同应用场景（如动画、游戏、高分辨率渲染）对模型拓扑结构的不同要求。讲解如何通过合理的布线策略，确保模型在后续的绑定、变形和表面细分后依然保持优异的形体表现力。内容涵盖硬表面建模中的精确控制技术，以及有机体建模中对肌肉走势和关节过渡的自然还原。 2. 形态学的深入研究与实践： 侧重于利用先进的雕刻技术，将概念设计转化为具有说服力的三维实体。这包括对解剖学基础在数字雕刻中的应用指导，如何通过分层雕刻（Primary, Secondary, Tertiary Forms）来构建宏大叙事与微观质感。我们将详细阐述笔刷的定制化选择与应用逻辑，确保每一次落笔都能精确服务于最终的视觉目标。此外，对程序化细节生成的探讨，将使读者了解如何利用算法辅助生成复杂、重复或自然随机的表面特征，极大地提升工作效率。 3. 材质与着色的前沿探讨： 在模型基础完成后，本部分将转入对真实感与风格化材质的探索。重点介绍基于物理渲染（PBR）的工作流程，解析金属度、粗糙度、法线贴图等核心参数的精确校准方法。读者将学习如何构建复杂的节点式材质网络，以模拟现实世界中光线与各种复杂介质（如湿润的岩石、磨砂玻璃、多层布料）的交互作用。对非真实感渲染（NPR）风格的实现技巧，也将作为高级内容予以介绍，拓宽艺术表现的可能性。 第二部分：动态叙事与场景构建的节奏控制 三维资产的堆砌并不能自动形成引人入胜的故事。本部分的核心在于将静止的模型激活，赋予其生命力与空间感，并最终转化为流畅的动态视觉体验。 1. 场景的层次化布局与空间叙事： 探讨如何利用摄影机语言来引导观众的注意力，包括景深控制、焦距选择对情绪表达的影响。在场景搭建层面，本书强调“环境即角色”的理念，指导读者如何通过道具的摆放、光照的烘托，来构建符合故事背景的氛围和历史感。对空间感的精确计算与视觉欺骗技巧，也将是本节的重点。 2. 动画原理的数字应用： 深入剖析经典动画十二法则在三维空间中的实际应用。重点讲解关键帧的设定艺术（Keyframing），如何通过缓入缓出（Easing）曲线的精细调整，来传递角色的重量感、速度感和情感波动。对于复杂的动力学模拟（如布料、毛发、流体），本书将侧重于控制参数的直觉化理解，而非仅仅是数值的输入，确保模拟结果既符合物理规律，又能服务于艺术表现。 3. 渲染优化与管线效率： 在进入后期合成前，渲染设置是决定最终质量和项目周期的关键。本节将详述不同渲染引擎（如CPU与GPU渲染器）的底层工作原理差异，并提供一套面向生产的渲染优化策略，包括降噪技术、分层渲染（AOV/Passes）的应用，以及如何建立可重复、可扩展的渲染资产库，从而在高压力的制作周期中保持稳定输出。 第三部分：视觉冲击力的提升与图像的终极打磨 一个出色的三维作品，其最终的说服力往往取决于后期处理的深度和精准度。本部分将聚焦于将渲染输出转化为具有电影质感的最终图像。 1. 色彩科学与情绪调控： 颠覆传统的色彩校正概念，本书将色彩视为叙事的核心工具。详细讲解色彩分级（Color Grading）的艺术，包括如何利用色调分离（Split Toning）、HSL曲线调整以及查找表（LUTs）来统一整个项目或场景的视觉风格。对色彩理论在数字介质中的应用进行系统梳理，确保色彩选择能够最大化地激发观众的潜意识反应。 2. 合成逻辑与视觉特效的集成： 探讨如何将渲染出的多通道数据（如环境光遮蔽、次表面散射、运动模糊等）进行精确重组。重点教授图层混合模式的战略性运用，以及如何在合成软件中无缝集成实拍素材、粒子效果或动态图形元素。本节将指导读者如何通过添加微妙的光学效果（如镜头光晕、光线散射、胶片颗粒）来增加画面的真实感和电影感，弥补纯CG画面的“数字感”。 3. 风格化处理与最终润饰： 介绍如何通过后期手段，为三维作品注入独特的艺术签名。这包括对锐化与模糊的艺术化处理，如何利用纹理叠加来模拟传统绘画或印刷品的质感。最后，我们将引导读者建立一套严谨的质量控制（QC）流程，确保最终交付的作品在不同显示设备上都能保持预期的视觉效果。 通过对以上三大板块的系统学习与实践，读者将不再局限于工具的表层操作，而是能够真正掌握数字创作中“如何思考”、“如何连接”以及“如何完善”的核心能力，从而创作出兼具技术深度与艺术感染力的三维动画与视觉作品。
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