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出版者:百花文艺出版社

作者:刘天礼

出品人:

页数:123

译者:

出版时间:2005-5

价格:23.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787530642054

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 吉他
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• 基础

《流行吉他1》这本书，旨在为广大吉他爱好者，特别是初学者，提供一条通往流行音乐吉他演奏的清晰而有效的学习路径。本书内容涵盖了流行吉他演奏所需的基础知识、核心技巧以及一些实用的练习方法。 核心内容概览： 1. 吉他基础知识与乐器认知： 吉他结构与保养： 详细介绍不同类型吉他（民谣吉他、电吉他）的基本结构，包括琴头、琴颈、琴体、品丝、弦钮、音孔、拾音器等关键部件的功能。同时，提供日常吉他保养的基本指南，如调弦、清洁、更换琴弦等，确保乐器处于最佳状态，为学习打下良好基础。 调弦方法： 教授标准的吉他调弦方法，包括使用调音器（电子调音器、手机App）和耳朵调音，确保每一根弦都能发出准确的音高，这是演奏一切音乐的前提。 认识吉他配件： 介绍常用的吉他配件，如拨片、背带、变调夹、踏板等，并简述它们在流行吉他演奏中的作用和选择建议。 2. 基本乐理与指法： 音名与唱名： 讲解吉他上的音符如何与乐谱上的音名和唱名对应，帮助学习者建立对音高和旋律的基本认知。 简谱与六线谱： 重点介绍在流行音乐中常用的简谱和六线谱（Tablature），详细解释它们如何表示音高、时值、指法和节奏，以及如何阅读和理解这两种记谱法，使学习者能够直接上手演奏。 基本和弦： 教授最常用、最基础的流行吉他和弦，包括开放和弦（如C, G, Am, Em, D, E, F, Bm等）和一些常用的封闭和弦（Barre Chords）。本书将详细展示每个和弦的按弦图和演奏方法，并提供快速过渡练习。 节奏与扫弦： 讲解不同的扫弦模式和节奏型，这是流行吉他演奏的灵魂。从最简单的下扫、上下扫开始，逐步引入更复杂的切分音和律动，并通过示范性的练习帮助学习者掌握。 3. 核心演奏技巧： 指弹与拨弦： 介绍手指独立拨弦（Fingerpicking）的基本技巧，包括拇指弹奏低音，食指、中指、无名指弹奏高音的指法组合，以及如何运用不同的拨弦顺序来创造丰富的音响效果。 爬格子练习： 提供一套系统性的爬格子（String Skipping）练习，旨在训练手指的灵活性、力量和协调性，提高音阶的清晰度和速度。 常用技巧： 讲解流行吉他演奏中常见的技巧，如击弦（Hammer-on）、勾弦（Pull-off）、滑弦（Slide）、打弦（Muting）和点弦（Tapping）等，并提供针对性的练习方法，使演奏更加生动和富有表现力。 4. 练习方法与进阶指导： 乐句与旋律演奏： 引导学习者如何将音阶和和弦技巧运用到实际的旋律演奏中，学习如何扒带（Learning by Ear）和尝试简单的吉他Solo。 伴奏与即兴： 教授如何为歌曲进行吉他伴奏，理解歌曲的和声进行，并尝试一些简单的即兴伴奏。 歌曲学习： 精选一些旋律优美、节奏明快的流行歌曲，提供详细的吉他谱和演奏提示，让学习者能够快速进入实践，感受学习的乐趣，并逐步建立演奏一整首歌曲的信心。 练习建议： 提供科学的练习计划和方法，强调练习的规律性、针对性和趣味性，帮助学习者克服学习瓶颈，持续进步。 《流行吉他1》不是一本枯燥的理论书籍，而是以实践为导向，力求让每一个喜欢吉他的人都能轻松入门，并在短时间内感受到弹奏流行音乐的乐趣。无论您是完全零基础的初学者，还是希望系统梳理吉他知识的爱好者，本书都将是您踏入流行吉他世界的一本实用指南。通过本书的学习，您将能够掌握弹奏简单流行歌曲的基本技能，为后续更深入的吉他学习打下坚实的基础。

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哇，终于把这本《指尖上的爵士》啃完了！说实话，一开始我还有点犹豫，毕竟爵士乐听起来总是那么高深莫测，但这本书真的把我拉进了一个全新的世界。作者的叙事方式太有感染力了，他不是枯燥地讲解和弦进行，而是把每一次即兴演奏都描绘成一场精彩的对话。我特别喜欢他对于“蓝调音阶”的拆解，感觉以前听那些老黑胶唱片时总觉得少了点什么，现在突然就明白了那种“味道”的来源。书中有很多关于早期爵士乐手的故事，比如提尔尼奥·塞隆（Tirnion Celon）和他的“幽灵和弦”，简直像是侦探小说一样引人入胜。我跟着书里的指引，尝试去模仿那些经典的旋律片段，虽然我手指还没那么灵活，但那种感觉真的太棒了，仿佛自己也成了那个在昏暗灯光下，烟雾缭绕的俱乐部里独奏的乐手。最让我震撼的是关于“节奏组”的章节，作者用非常形象的比喻，把鼓、贝斯和钢琴之间的互动，比喻成一个精密运转的宇宙飞船，每一个成员都至关重要，缺一不可。这本书让我对音乐的理解提升了好几个档次，推荐给所有对现代音乐结构感兴趣的朋友。

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我刚刚读完《指尖的寂静：独奏艺术的内观》，这是一本非常“慢”的书，但绝对值得细细品味。这本书与炫技无关，它探讨的是演奏者与乐器之间那种近乎冥想的关系。作者的文笔非常细腻、抒情，带着一种哲思的味道。他花了大量的篇幅讨论“呼吸”在音乐中的重要性，不是指人声的呼吸，而是旋律线条的起伏，像是在引导听众进行一场深度的情感呼吸练习。书中有一个章节专门讲“休止符的重量”，这让我非常震撼——原来“不演奏”的部分，比演奏本身更能定义音乐的表情。我尝试着按照书中的指导，放慢自己的练习速度，去关注每一个音符的衰减过程，以及相邻音符之间留白的感觉。这是一种向内探索的过程，它强迫你抛弃掉对速度和复杂性的盲目追求，转而关注每一个瞬间的纯粹性。对于那些感到演奏陷入瓶颈、或者仅仅是想在音乐中寻找片刻宁静的人来说，这本书就像一位智慧的长者在耳边轻语，指引你找到内心的节奏。

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说实话，这本书《鼓点密码：从非洲到电子乐》简直就是一本音乐人类学报告，而不是一本乐谱书。我本来以为它会教我一些花哨的切分节奏，结果它带我进行了一场跨越大陆和世纪的旅行。作者对非洲传统打击乐的描述非常到位，那种充满生命力和原始力量的律动，隔着书页都能感受到。他详细探讨了拉丁节奏，比如Salsa和Bossa Nova中复杂的复合拍子是如何从殖民历史中演变而来的，这部分的背景知识让我对那些听起来很“嗨”的音乐有了更深的敬意。我最欣赏的是，作者并没有只停留在理论层面，他加入了很多现场采访的记录，那些音乐家们谈论起鼓点时那种近乎虔诚的态度，真的非常有感染力。这本书的深度在于它将音乐视为文化载体，每一个节奏的演变都与社会变迁紧密相连。看完这本书，我再听电子音乐时，那些看似随机的Loop和Break，在我耳朵里都像是有了生命的历史碎片。

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《合成器声效设计大师班》这本书简直是为声音工程师量身定做的圣经！我通常对这类偏向技术的书籍敬而远之，但这本书的组织结构实在太清晰了，它用一种“模块化”的方式，把复杂的合成器原理掰开了揉碎了教。我尤其对“调制矩阵”的讲解印象深刻，作者没有直接扔出一个参数表，而是通过一个虚拟的“声音工厂”的隐喻，让我们理解LFO、包络和滤波器的相互作用是如何创造出那些科幻电影里听到的奇特音效。书中大量的实例，都是从零开始构建一个特定的声音，比如“温暖的模拟贝斯线”或者“闪烁的数字钟声”，每一步都有详细的界面截图和参数设定，照着做就能复现效果。这极大地拓宽了我对电子音乐制作的理解，不再是简单地堆砌预设音色。这本书的价值在于，它教会你如何“思考”声音，如何把脑海中模糊的声音概念，通过精确的控制转化为现实。它让合成器从一个复杂的机器，变成了一个可以随意塑造的黏土。

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我必须得给《和弦的哲学》点个赞，这本书完全颠覆了我对基础乐理的认知。我之前学过一些和弦构成，总觉得那是一套死板的规则，但这本书却把它阐述成了一种语言，一种表达情绪的工具。作者对“离调”的讲解简直是神来之笔，他没有用复杂的数学公式，而是通过大量的范例——从巴赫的赋格到现代电影配乐——来展示不和谐音如何创造出张力，又是如何巧妙地回归解决。我记得有一章专门分析了某部著名交响乐中一个转调段落，我反复听了好几遍原曲，再对照书中的分析图表，那种豁然开朗的感觉，简直比解开一道困扰我多年的数学难题还要兴奋。这本书的排版和插图也做得极其用心，很多复杂的五线谱视图都用不同的颜色做了标记，让初学者也能快速抓住重点。它不是一本让你快速学会弹奏的书，而是一本让你真正“听懂”音乐的书，它教你如何去看透音符背后的意图，如何用和弦的色彩来绘画。

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