爵士曲选

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出版者:人民音乐出版社
作者:如缨 编
出品人:
页数:46
译者:
出版时间:2005-4
价格:11.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787103029022
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 音乐
  • 选集
  • 乐谱
  • 演奏
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具体描述

《钢琴舞曲系列》是为业余钢琴学习者所设的选题,专业人士也可使用。它既可作为钢琴训练曲目,也可作为舞蹈伴奏曲目。

  在曲目的选择上,我们注重突出趣味性,注重节奏型的变化,有意识地培养学习者的兴趣,使之了解各种舞蹈的节奏、旋律等特点。

《音律织锦:古典音乐大师的华彩乐章》 在这本《音律织锦》中,我们并非聚焦于爵士乐那随性自由的即兴变奏,而是将目光投向了另一个同样辉煌却截然不同的音乐世界——古典音乐。我们将一同踏上一段穿越时空的音乐之旅,深入探索那些奠定了西方音乐基石的伟大作曲家们,品味他们如何用音符编织出触动灵魂的宏大叙事。 本书将从巴洛克时期那些严谨而富有感染力的旋律开始,例如约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach)那如同精密钟表般运作的赋格曲,其复杂的对位技巧和深刻的宗教情感,无不展现出那个时代的艺术精髓。我们将剖析他那些充满数学般逻辑的《哥德堡变奏曲》,以及《勃兰登堡协奏曲》中生机勃勃的管弦乐色彩,感受他音乐中那份庄严与纯粹。 随后,我们将步入古典主义时期,那是旋律清晰、结构工整的时代。沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)无疑是这一时期的璀璨明星。本书将深入探讨他那些如水晶般剔透的交响曲,如《第40号g小调交响曲》中那份难以言喻的忧伤与灵动,以及他歌剧《费加罗的婚礼》中人物性格的鲜活刻画,展现他音乐中那份优雅、均衡与无与伦比的戏剧张力。我们还会审视约瑟夫·海顿(Joseph Haydn)作为“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”的贡献,理解他如何为后世确立了音乐形式的典范。 进入浪漫主义时期,音乐的情感表达变得更加奔放而个人化。我们将聆听路德维希·凡·贝多芬(Ludwig van Beethoven)那些划时代的交响曲,例如《英雄交响曲》所蕴含的革命精神,《命运交响曲》那不屈不挠的抗争,以及《欢乐颂》所传递的博爱理想。本书将分析他如何在传统与创新之间游走,如何用音乐突破社会和艺术的界限,展现人类情感的复杂与伟大。 同时,我们也会品味弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert)那如诗如画的艺术歌曲,理解他如何将文学与音乐完美融合,创作出《魔王》等经典之作。我们还将探访弗雷德里克·肖邦(Frédéric Chopin)那充满民族色彩的钢琴作品,例如那些如泣如诉的玛祖卡舞曲和波兰舞曲,感受他将祖国情怀与艺术激情融为一体的独特魅力。 本书还将涉足晚期浪漫主义的宏大乐章,例如约翰内斯·勃拉姆斯(Johannes Brahms)那深沉而内敛的交响曲,如《第一交响曲》所展现的史诗感,以及他那充满温暖与哲思的室内乐作品。我们还会审视彼得·伊里奇·柴可夫斯基(Pyotr Ilyich Tchaikovsky)那充满俄罗斯民族风情与个人情感的作品,从《天鹅湖》的浪漫到《第六交响曲》的悲怆,感受他音乐中那份强烈的情感起伏。 此外,本书还会简要触及20世纪初的一些重要发展,例如印象派的德彪西(Claude Debussy)如何用音乐描绘光影与色彩,以及表现主义的勋伯格(Arnold Schoenberg)如何探索十二音体系的全新可能,展现古典音乐不断演进的生命力。 《音律织锦》并非枯燥的理论堆砌,而是一次充满激情的音乐探索。我们希望通过对这些不朽杰作的深入解读,帮助读者理解古典音乐的深邃内涵、丰富表现力以及它对人类精神世界的深刻影响。无论是初次接触古典音乐的听众,还是希望进一步深化理解的音乐爱好者,都能在这本书中找到属于自己的收获。它是一扇窗,让你得以窥见西方古典音乐辉煌而多样的全貌。

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目录信息

读后感

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用户评价

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说实话,我平时对音乐史类的书籍兴趣不算特别浓厚,总觉得那些东西读起来容易让人犯困,但这本《爵士曲选》完全打破了我的固有印象。它更像是一本散文集,或者说是某种情感的絮语。作者的文字有一种近乎诗意的魔力,他没有试图去界定爵士乐的“标准”,反而更专注于捕捉那种稍纵即逝的“感觉”。书中对“蓝调音阶”的描述,不是用音符和频率来解释,而是用“心碎的叹息”和“午夜街灯下的独白”来构建意象,这种写法的确高明。我记得有一章专门讲了摇摆乐(Swing)的兴起,作者将那种律动感具象化为一种无法抗拒的身体冲动,让人读着读着就不自觉地跟着节奏轻轻点头。读完这部分,我立刻去播放了本尼·古德曼的录音,那种共振感是之前读书时从未有过的。这本书的结构安排也十分巧妙,它没有固定的时间线索,而是像跳跃的即兴独奏,从一个时代突然跳到另一个时代,又在关键时刻回到原点,充满了爵士乐特有的叙事张力。对于入门者来说,它提供了极佳的感性入口,而对于资深乐迷,也许能从中找到被遗忘的共鸣。

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我是一个极度注重细节的读者,对书籍的装帧和排版有着近乎苛刻的要求。很高兴看到这本刊物在这些方面做到了近乎完美。纸张的选择非常考究,带着轻微的米黄色调,阅读时眼睛非常舒适,即便是长时间沉浸其中也不会感到疲劳。更值得称道的是,书中穿插的那些老照片和手稿复印件,清晰度和质感都令人惊喜。很多照片都是首次曝光的珍贵影像,比如几位比波普大师在后台抽烟斗时那种专注而又略带颓废的神态,简直是历史定格的美。更重要的是,作者在引用歌词或乐评时,几乎都是直接将原文(很多是英文)用精美的衬线体印出,而不是生硬地用中文转述,这保留了原始文本的韵味和力量。这种对原汁原味的尊重,在很多“选集”类的出版物中是很难得的。每一次翻页,都感觉像是在翻阅一本精心维护的私人博物馆图录,细节之丰富,让人不得不放慢速度,细细品味每一个字、每一张图背后的故事。

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这本书给我的最大震撼,在于它如何处理“即兴”这个核心概念。它没有把即兴看作是随心所欲的乱弹,而是深入探讨了它背后的“结构化自由”。作者用了一个非常形象的比喻,将即兴比作在一条湍急的河流中游泳,你必须了解水流的走向(和声结构),才能跳出自己的泳道去探索新的可能(独奏)。这种对技巧与灵感之间辩证关系的阐释,是我之前阅读的任何音乐理论书籍都未能达到的高度。书中对Miles Davis后期作品的分析尤其精彩,那种对空间和沉默的运用,被解读为一种对音乐本质的哲学追问,让人茅塞顿开。我发现,读完这一章后,再去听那些“冷爵士”的唱片,耳朵似乎被重新校准了,更能捕捉到音符之间的留白和呼吸感。这种阅读体验是主动的、互动的,它不是简单地告诉我“是什么”,而是引导我去思考“为什么会这样”,极大地提升了我对这项艺术的鉴赏层次。

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这本书的封面设计简直是视觉盛宴,那种深邃的蓝色调配上鎏金的字体,让人一眼就觉得这不是一本普通的书。我特地选了个周末的下午,泡了杯手冲的瑰夏咖啡,准备沉浸其中。刚翻开扉页,那精心排版的文字和留白,就透露出一种古典而又雅致的气息。我原本以为这会是一本偏学术或者晦涩难懂的理论集,但作者的叙事方式极其流畅,像是在一位技艺精湛的音乐家身边,听他娓娓道来那些逝去的美好时光。他没有堆砌那些枯燥的乐理术语,而是将爵士乐的发展脉络,融入了二十世纪美国社会的变迁之中,那种时代洪流裹挟下的艺术挣扎与辉煌,被描绘得淋漓尽致。读到关于新奥尔良街头即兴演奏的段落时,我几乎能闻到空气中弥漫的湿热和烟草味,仿佛亲眼目睹了那些传奇乐手们如何在困境中迸发出惊人的创造力。尤其欣赏作者对几位关键人物的刻画,他们不只是音乐家,更像是时代的符号,他们的每一次即兴、每一次和弦转换,都充满了对自由的渴望和对生活深刻的理解。这本书,不光是知识的传递,更像是一次穿越时空的感官体验,让人对手边那杯咖啡的香气都多了一层回味。

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坦白说,我购买这本书的初衷是想找一些比较小众、鲜为人知的演奏家资料,毕竟主流的几位大师的故事已经被说得太多了。这部选集在这方面做得非常出色,它成功地将聚光灯投向了那些在历史阴影中闪光的“配角”。书中花了相当大的篇幅去介绍那些出色的伴奏乐手——那些精妙的和声铺垫者,那些稳定节奏的鼓手大师——他们的贡献常常被歌颂家的光芒所掩盖。作者对巴勃罗·卡萨尔斯(不是那个大提琴家,而是某个被遗忘的萨克斯手)的生平侧写尤其动人,那种坚持在小酒吧里磨练技艺,最终只留下几段录音的传奇,读起来让人百感交集。这本书的叙事角度非常平视,它没有高高在上地评判谁是“伟大”,而是平等地记录了每一个人为了音乐所付出的汗水和坚持。这种包容性和深度,使得整本书读起来温暖而又厚重,让人感受到爵士乐社群内部那种紧密联系的、共享命运的情感纽带。它让我意识到,真正的艺术,往往存在于每一个角落,等待着被有心人发现和铭记。

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