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出版者:MITCHELL BEAZLEY

作者:MILLER,JUDITH

出品人:

页数:402

译者:

出版时间:20031001

价格:NT$ 1925

装帧:

isbn号码:9781840007756

丛书系列:

图书标签:

• 建筑设计
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• 设计灵感

《风格灵感档案》是一本全面收录了当代设计领域最具影响力的视觉元素、色彩方案、排版风格以及概念创意的权威指南。它如同一个精心策划的灵感宝库，为平面设计师、品牌策略师、室内设计师、时尚造型师以及任何寻求视觉突破和创意启发的专业人士提供源源不断的养分。 本书并非仅仅罗列素材，而是深入挖掘了不同风格的起源、演变及其核心特征。从极简主义的纯粹与克制，到复古美学的怀旧与典雅，再到未来主义的创新与前卫，每一个风格都被细致地剖析，并辅以大量高质量的视觉示例。这些示例并非随意拼凑，而是经过严谨的筛选和组织，旨在清晰地展示特定风格在不同媒介上的实际应用效果。 在色彩运用方面，《风格灵感档案》提供了一系列经过科学论证和艺术实践检验的色彩组合。它不仅展示了时下流行的色彩趋势，更深入探讨了色彩心理学在品牌建设和用户体验中的作用。从饱和度的微妙调整，到色彩搭配的和谐之道，本书为读者提供了构建独特视觉语言的色彩工具箱。无论您是在寻找一种能够传递信任的蓝色，一种能够激发活力的橙色，还是希望创造一种具有标志性辨识度的品牌色彩，都能在此找到丰富的灵感和实用的指导。 排版设计是视觉传达的关键要素，本书在此亦有详尽的阐述。它涵盖了从经典衬线字体到现代无衬线字体的特性分析，以及不同字体的气质与应用场景。读者将了解到如何通过字体的选择、字号的调整、行距的设定以及字体的组合来塑造信息传递的节奏感和情感温度。无论是用于海报、书籍、网页还是包装，本书都将帮助您掌握排版艺术的精髓，使其成为您设计作品中不可或缺的亮点。 除了具体的视觉元素，《风格灵感档案》还着重于概念层面的探索。它深入分析了成功的品牌如何通过独特的设计语言来讲述故事、建立情感连接并最终赢得消费者的心。本书通过剖析一系列标志性的设计案例，展示了如何将抽象的概念转化为具体的视觉符号，如何通过一致的设计策略来构建强大的品牌识别度。它鼓励读者跳出单纯的“好看”范畴，去思考设计背后所承载的意义和价值。 本书的另一大特色在于其对跨界合作和融合创新的关注。在当代设计领域，不同学科之间的界限日益模糊，跨界融合已成为推动创意发展的强大动力。本书收录了诸多将设计理念应用于不同领域的杰出案例，例如将建筑学的空间感引入平面设计，将摄影的叙事性融入品牌视觉，以及将用户体验设计思维应用于实体产品的开发。这些案例展示了设计的无限可能性，并鼓励读者打破思维定势，进行更大胆的探索。 《风格灵感档案》的编排结构清晰，逻辑性强，易于查阅。读者可以根据自己的需求，快速定位到感兴趣的风格、色彩或排版技术。同时，书中精美的印刷质量和高质量的图片呈现，也使得本书本身成为一件具有收藏价值的艺术品。它不仅是一本工具书，更是一次视觉的盛宴，能够激发读者的审美情趣和艺术感知力。 这本书的价值在于它提供了一个思考框架，帮助设计师理解“为什么”以及“如何”去创造有意义、有影响力的设计。它鼓励设计师在掌握基本原则和趋势的同时，保持批判性思维，勇于尝试新的方法，并最终形成自己独特的风格语言。对于任何致力于在视觉传播领域取得卓越成就的人来说，《风格灵感档案》都是一本不可或缺的案头必备。它将是您灵感枯竭时的救星，是您创作瓶颈时的突破口，更是您通往设计巅峰之路上的忠实向导。

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这本书简直是时尚界的“圣经”！我是在寻找一些关于经典设计原则和现代趋势如何融合的资料时偶然发现它的。作为一个平面设计师，我总是在寻找能够提供深度洞察和实际操作建议的资源，这本书完美地满足了我的需求。它不是那种只罗列图片和流行词汇的简单图册，而是深入剖析了“风格”背后的逻辑和历史根源。书中对色彩理论的阐述细致入微，不仅仅停留在理论层面，还提供了大量如何在不同媒介上应用这些理论的案例分析。我尤其欣赏它对不同设计流派的梳理，那种系统性的梳理让人对整个设计史有一个清晰的脉络感。对于那些希望从根本上提升自己审美和设计语言的人来说，这本书无疑是一笔宝贵的财富。读完之后，我感觉自己看世界的方式都变了，看任何设计作品都会不自觉地去分析它的“源头”和“结构”。

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作为一个在时尚产业工作了十多年的资深人士，我早就习惯了阅读各种晦涩难懂的专业书籍，但说实话，很少有书能像这本书一样，让我有种“相见恨晚”的感觉。它最成功的地方在于其“目录式”的权威性，但这种权威性却一点也不咄咄逼人。我尤其赞赏书中关于“材质与触感”的章节，它不仅描述了不同面料的物理特性，更探讨了这些材质在文化语境下所承载的象征意义。这种跨学科的整合能力，是很多专业书籍所欠缺的。它没有停留在“展示”层面，而是致力于“解析”和“建构”，为读者提供了一套构建自己设计哲学的工具箱。每当我遇到设计瓶颈时，翻开这本书的任何一页，总能找到新的启发点，无论是关于版式的微调，还是对整体概念的重新定位。这本书的价值在于它的“可操作性”和“深厚底蕴”的完美结合。

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老实说，我买这本书纯粹是因为它的装帧设计吸引了我，我对“目录”或“指南”类的书籍一向持保留态度，总觉得它们流于表面。然而，这本书完全颠覆了我的看法。它更像是一部经过精心策展的“思想博物馆”，而不是一本简单的参考手册。我最欣赏的是它对于“风格演变轨迹”的处理方式，作者没有采用线性的、枯燥的编年史叙述，而是通过一系列主题性的对比和反思，展现了不同时代风格之间的对话与张力。阅读体验极其流畅，文字精准而富有韵律感，完全没有那种教科书式的僵硬。特别是书中关于“非对称美学”的论述，提供了大量打破常规却又合乎情理的范例，极大地拓宽了我对和谐与平衡的理解。这本书真的值得放在书架最显眼的位置，因为它是一本可以不断被翻阅、每次都能从中汲取新养分的著作。

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我本来是个对时尚设计一窍不通的艺术爱好者，抱着随便翻翻的心态买了这本书，结果完全被里面的内容迷住了。它有一种奇特的魔力，能把那些看似高深莫测的设计术语，用一种非常亲切、引人入胜的方式讲解出来。我特别喜欢它探讨“永恒美学”的部分，作者似乎拥有某种穿透时间的力量，能够分辨出哪些设计元素是昙花一现的潮流，哪些是真正能够经受住岁月考验的经典。书中穿插的历史小故事和幕后轶闻，让整个阅读过程充满了乐趣，就像在听一位饱经风霜的设计大师在娓娓道来他的经验之谈。对于我这种初学者来说，这本书的结构非常友好，它没有让人感到压迫，反而像一个耐心的向导，一步步引导你进入一个充满智慧和美感的世界。我发现自己开始注意日常生活中那些被忽略的细节，比如建筑的比例、家具的线条，这一切都归功于这本书开启了我的“风格之眼”。

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这本书的标题听起来非常宏大，我原本担心内容会过于学术化，难以消化。幸运的是，作者的叙事方式极为巧妙，她似乎懂得如何将复杂的理论概念，转化成清晰、直观的视觉语言。我发现自己反复阅读的是关于“意境与氛围”构建的部分。它探讨了如何通过极少的元素，营造出强烈的叙事感和情感冲击力，这一点对于任何从事创意工作的人都至关重要。书中大量的对比案例，展示了“少即是多”的原则在不同文化背景下的微妙差异和普适性。这本书给我的最大感受是“启发性”，它没有直接告诉你该怎么做，而是提供了一套高级的思考框架，让你自己去探索和定义“风格”。它鼓励读者去质疑既定的规范，去寻找潜藏在表象之下的设计DNA。这是一本需要慢下来细细品味的著作，每一次重读都会发现新的层次和细节，绝对是能伴随职业生涯成长的良师益友。

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看的是UAL自己的2010年作品集，非正式出版物。满满的D大风格，不禁唏嘘这些就是本校最好的工作室做的么。。。

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