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出版者:世界文物

作者:栗原務李文晴譯

出品人:

页数:0

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出版时间:

价格:NT$ 150

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isbn号码:9789575611613

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乐器指引：穿越声音的奇妙之旅 这本手册并非指向电吉他那闪耀的金属弦和嘶哑的音效，而是为您打开一扇通往更广阔音乐天地的大门。它是一份全面的乐器指南，旨在帮助您探索各种乐器的独特魅力、发声原理以及它们在音乐史长河中的地位。我们将从最基础的分类开始，逐步深入，让您对乐器家族有一个清晰而深刻的认识。 第一部分：乐器的分类与起源 我们首先将对乐器进行科学的分类。您会了解到，根据发声方式的不同，乐器可以被划分为弦乐器、管乐器、打击乐器以及键盘乐器。我们将逐一介绍这些大类下的细分种类，例如弦乐器中的弓弦乐器（如小提琴、大提琴）和拨弦乐器（如吉他、竖琴），管乐器中的木管乐器（如长笛、单簧管）和铜管乐器（如小号、长号），以及打击乐器中的有固定音高（如木琴、定音鼓）和无固定音高（如镲、鼓）的乐器。 同时，我们将追溯乐器的起源，探讨人类早期是如何利用自然界的声音进行创作的。从古老的骨笛、原始的敲击乐器，到后来金属和木材的运用，您将看到乐器是如何随着文明的进步而不断演化和发展的。我们将介绍一些具有里程碑意义的乐器，以及它们在不同文化和历史时期的重要作用。 第二部分：声音的魔法——乐器发声原理探秘 了解乐器如何发出美妙的声音是理解它们的关键。本部分将深入剖析各类乐器的发声原理。 弦乐器： 我们将解释弦的振动如何通过琴体共鸣放大，并转化为我们听到的声音。您会学习到弦的粗细、张力以及长度如何影响音高，并了解弓弦乐器中弓与弦的接触方式如何产生丰富的音色变化。 管乐器： 这里的重点在于空气柱的振动。我们将探讨不同长度和形状的管腔如何产生不同的音高，以及吹奏者如何通过改变口型、气息压力和阀门/按键来控制音高和音色。对于木管乐器，我们会分析哨片（如单簧管、萨克斯）或无哨片（如长笛）的发声机制；对于铜管乐器，则会关注嘴唇在号嘴上的振动如何传递给管体。 打击乐器： 这些乐器通过敲击、刮擦或摇晃来产生声音。我们将区分不同的敲击方式（用鼓槌、手或身体部位），以及不同材质（木、金属、皮革）和形状的乐器所发出的独特音色。对于有固定音高的打击乐器，我们将探讨其音高是如何确定的。 键盘乐器： 键盘乐器通过键盘的驱动来发出声音。我们将介绍钢琴的击弦原理、管风琴的空气通过音管发声原理，以及合成器如何通过电子信号生成和操控声音。 第三部分：乐器在音乐中的角色与意义 了解了乐器的基本原理后，我们将进一步探讨它们在不同音乐风格和情境下的作用。 旋律与节奏的创造者： 您将了解到哪些乐器擅长演奏流畅的旋律，而哪些乐器又在构建音乐的骨架——节奏方面扮演着至关重要的角色。 音色与情感的表达： 不同的乐器拥有独特的音色，这种音色能够直接触动听众的情感。我们将分析小提琴的忧伤、大提琴的浑厚、长笛的轻盈、萨克斯的爵士味道，以及鼓的爆发力，并探讨它们是如何被作曲家和演奏家用来表达复杂的情感。 合奏与乐队的和谐： 在乐队或管弦乐团中，各种乐器是如何协同工作，共同创造出宏大而和谐的音乐？我们将探讨不同声部之间的关系，以及如何通过乐器的组合来丰富音乐的层次和织体。 文化与历史的印记： 许多乐器都承载着深厚的文化底蕴和历史记忆。从古埃及的竖琴到中世纪的鲁特琴，从民族乐器的独特魅力到现代电子乐器的创新，您将看到乐器如何反映一个民族的审美情趣、社会变迁和技术发展。 第四部分：探索音乐的无限可能 这本手册不仅仅是一部乐器百科全书，它更是一份邀请，邀请您去亲身体验和感受音乐的魅力。 聆听的艺术： 我们鼓励您用更敏锐的耳朵去聆听不同乐器在不同音乐作品中的表现。尝试分辨乐器的音色，感受它们在旋律、和声与节奏中的作用。 学习的启迪： 对于那些渴望学习一门乐器的朋友，本手册将提供初步的认识和启发。虽然我们不深入电吉他的具体技巧，但您将了解到不同乐器学习路径的概貌，以及培养乐感和音乐素养的重要性。 音乐的连接： 了解乐器是理解音乐语言的第一步。通过对乐器知识的掌握，您将更能欣赏音乐会的演出，理解作曲家的意图，甚至能更深入地参与到音乐的创造过程中。 无论您是初次接触音乐，还是已经有一定基础的乐迷，这本《乐器指引：穿越声音的奇妙之旅》都将为您提供一个全面而深入的视角，让您领略音乐世界的多彩与奇妙，发现那些隐藏在声音背后的故事与灵魂。这是一次声音的探索，一场关于人类创造力的颂歌，等待您来开启。

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我几乎用了一个月的时间来消化这本书的前半部分，感觉最大的收获在于建立起了一个扎实的“噪音控制”体系。电吉他入门的常见障碍之一就是产生各种不必要的“嗡嗡”声或“叮当”声，通常是由于闷音（Muting）处理不到位造成的。这本书对左手和右手的闷音技巧进行了极其详尽的图解和文字描述，比如如何用小指的侧面轻触空弦，如何用右手掌根巧妙地接触琴桥附近的弦体。我按照书中的方法调整了拨弦角度和右手放松的力度后，发现那些恼人的杂音奇迹般地减少了，这让我的练习环境和心态都得到了极大的改善。此外，它在介绍一些基础的Riff（乐句）时，总会提供至少两种不同的演奏版本——一种是纯净的Clean Tone版本，另一种是加入轻微失真（Overdrive）的版本，并对比两者在节奏感和音色上的细微差别。这种横向的对比学习法，潜移默化地教会了我如何根据自己想要的风格去调整音色，而不是被动地接受一种固定的“标准音色”。这本书远不止是一本技术手册，它更像是一位经验丰富的老师，在你耳边低语，告诉你如何与这件乐器和谐共处。

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当我真正开始翻阅到实际操作的部分时，惊喜地发现作者在拨片的选择和握持技巧上花费了大量的笔墨，这在很多入门书中是被一笔带过的。他详细分析了不同材质、厚度拨片的音色差异，并配上了清晰的手部特写图，甚至连手腕放松与否的微妙角度都有文字的细致描绘。我过去尝试自学时，最大的瓶颈就在于扫弦时总感觉手部僵硬，出来的声音断断续续，很不连贯。这本书提供了一个非常系统的“放松训练”流程，它不是简单地说“放松”，而是通过特定的节奏练习，引导你找到那个最自然、最省力的拨弦状态。更让我眼前一亮的是，书中关于“如何连接音箱与效果器”的章节。很多教材只停留在“连接”这个动作上，但这本教材却细致地解释了为什么需要前级放大、失真（Distortion）和混响（Reverb）这些效果是如何改变声音的物理形态的。它用非常生活化的比喻来解释那些复杂的电子元件的作用，比如把失真比作“把声音的波形推到极限，让它产生毛边”，这种解释方式极大地激发了我的探索欲，让我不再惧怕面对那些密密麻麻的旋钮和插孔。

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这本书的节奏把握得非常恰到好处，它没有一股脑地灌输给读者最酷炫的速弹技巧，而是脚踏实地地从最基本的单音练习开始构建体系。我特别欣赏它在“音准”和“力度控制”方面的训练模块。很多新手只关注“弹对音高”，却忽略了同一个音用不同的力度弹出来，其音乐表达是完全不同的。教材中设计了一系列关于“连奏（Legato）”的练习，但这些练习不是为了炫技，而是为了让每一个音符都能拥有饱满的“呼吸感”。书里反复强调了“听”的重要性，甚至建议读者在练习时录下自己的演奏并与标准示范对比。这种内省式的学习方法，比单纯跟着书本的谱子走要有效得多。此外，它在和弦转换的练习上也非常用心。作者没有直接给出复杂的和弦进行，而是先拆解了最常用的开放和弦，然后设计了一套“跨越式”的指位移动训练，针对性地解决了手指伸展受限的问题。对于我这种手指力量和柔韧性都比较差的初学者来说，这种针对性的、阶梯式的练习路径，简直是雪中送炭，让人感觉进步是可量化、可触摸的。

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这本吉他教材，初拿到手时，我其实是带着点忐忑的。毕竟，市面上关于电吉他的入门书籍多如牛毛，很多都显得过于理论化，或者干脆就是枯燥的指法堆砌。《電吉他入門》这本书的封面设计简洁大气，没有那种廉价的炫酷感，反而透着一股沉稳。我最欣赏的是它开篇对“为什么选择电吉他”的探讨，没有急着教你如何抱琴，而是深入浅出地聊了聊电吉他在现代音乐中的地位，以及它那迷人的音色是如何通过电路和音箱产生的。这种对“音乐精神”的引导，比直接上技巧课更能抓住一个新手的心。比如，它花了不少篇幅介绍了几位电吉他历史上的传奇人物，他们的演奏风格和背后的故事，让我对这件乐器产生了更深层次的敬畏感，而不仅仅是把它当作一个练习手指灵活度的工具。书中的排版清晰，图文并茂，尤其是在介绍基础乐理与电吉他指板对应关系时，作者巧妙地运用了色彩区分不同的音程组，使得原本抽象的乐理概念变得直观易懂。对于完全没有音乐基础的读者来说，这种循序渐进、先建立宏观认知再深入细节的处理方式，无疑是降低了入门门槛的。我个人认为，这套教材的成功之处，就在于它成功地将“技术学习”与“音乐审美培养”做到了完美的平衡，让你在学习C大调音阶的同时，也能感受到摇滚乐的脉搏。

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阅读这本教材的过程中，我深刻感受到作者是一位真正懂得“教学法”的音乐家，而非仅仅是演奏高手。书中的曲目范例选取非常巧妙，它们并非都是耳熟能详的流行金曲，而是精心挑选的、能够有效训练特定技巧的“功能性”片段。比如，在教授推弦（Bending）技巧时，它给出的不是某个大段 Solo，而是一段只有两到三个音符的短句，但要求你必须将音高推至一个极其精准的半音或全音，并且要求推弦过程中音色不能有任何晃动。这种对细节的苛求，其实是在培养我们对“精确控制”的意识。更难得的是，它在讲解完技巧后，会立即提供一段“应用场景”的示范，告诉你这个推弦技巧在布鲁斯、爵士或金属乐中分别是如何被大师们运用的，这极大地拓宽了我的音乐视野，让我明白了技巧是为音乐风格服务的，而不是反过来。对于想要跳出“只会弹练习曲”怪圈的初学者而言，这种与实际音乐语境结合的教学，无疑是最高效的。

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