COLLECTED WORKS: A JOURNAL OF JAZZ 1954.01

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出版者:ST. MARTIN'S
作者:BALLIETT,WHITNEY
出品人:
页数:880
译者:
出版时间:20020405
价格:NT$ 875
装帧:
isbn号码:9780312270087
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 音乐
  • 历史
  • 文化
  • 美国
  • 1950年代
  • 期刊
  • 收藏
  • 文献
  • 艺术
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具体描述

COLLECTED WORKS: A JOURNAL OF JAZZ 1954.01 1954年1月的《器乐集:爵士乐期刊》是一份珍贵的文献,它忠实地记录了那个时代爵士乐的脉动与演进。本期刊以其严谨的学术态度和对音乐艺术的热忱,为我们呈现了一个充满活力和创造力的爵士乐世界。 核心内容深度解析: 深度专题报道: 本期期刊围绕1954年初爵士乐界几个关键的音乐现象和人物展开了深入的探讨。我们关注了当时备受瞩目的几位新兴萨克斯演奏家,从他们的早期录音和现场表演入手,分析了他们独特的演奏技巧、和声运用以及对传统爵士乐的创新性突破。文章详细剖析了他们如何将比波普的复杂性与更具旋律性的表达相结合,为爵士乐注入了新的生命力。 里程碑式专辑评论: 期刊收录了对当时几张具有划时代意义的专辑的深度评论。评论家们不仅评价了这些专辑的音乐品质,更着重分析了它们在爵士乐发展史上的地位和影响。通过对这些专辑的编曲、即兴演奏、录音制作等方面的细致解读,我们可以更清晰地看到音乐家们在创作上的探索和突破,以及这些作品如何塑造了之后几十年的爵士乐风貌。 音乐理论与分析: 对于那些希望深入理解爵士乐音乐语言的读者,本期期刊提供了宝贵的理论分析。我们探讨了当时流行的和声进行,对一些标志性乐曲的和声结构进行了详细的解析,并就即兴演奏中的乐句构建、音阶运用以及与伴奏乐队的互动进行了专业的阐述。这些内容不仅对音乐学研究者有价值,也为爵士乐爱好者提供了更深入欣赏音乐的工具。 音乐家访谈与传记: 期刊中穿插了对当时活跃在乐坛的音乐家的访谈。这些访谈内容丰富,不仅记录了音乐家们的创作理念、音乐生涯中的重要时刻,也披露了他们对爵士乐未来发展的看法。同时,我们也对一些在1954年初做出重要贡献但可能被历史遗忘的音乐家进行了传记性的梳理,旨在全面展现那个时代爵士乐的群像。 现场演出回顾: 1954年初,许多重要的爵士音乐会在各地举行。本期期刊对其中一些具有代表性的演出进行了详细的回顾和评论,包括对演出阵容、曲目选择、即兴片段以及现场氛围的生动描绘。这些回顾不仅让读者仿佛置身于当时的音乐现场,也为我们研究爵士乐的现场表演形态提供了第一手资料。 爵士乐文化与社会背景: 爵士乐不仅仅是一种音乐形式,更承载着其所处的时代和社会文化。本期期刊也关注了1954年初爵士乐在社会文化层面的意义,探讨了爵士乐如何反映当时的社会思潮、种族关系以及音乐与日常生活之间的联系。通过对这些方面的梳理,我们可以更全面地理解爵士乐的价值和影响力。 早期录音技术与实践: 随着录音技术的发展,1954年初的唱片制作也有了新的变化。期刊中也包含了对当时录音技术和唱片制作流程的介绍,分析了这些技术进步如何影响了爵士乐的录音效果和传播方式,为研究爵士乐的历史留下了珍贵的记录。 《器乐集:爵士乐期刊 1954.01》 是一扇通往爵士乐黄金时代的重要窗口,它以其扎实的文献价值、深刻的音乐洞察力和丰富的时代信息,成为研究和欣赏1954年初爵士乐不可或缺的经典之作。它不仅是音乐学研究者的宝贵参考,更是每一位热爱爵士乐的听众和探索者值得细细品读的文献。

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这本厚重的文集,初翻时那种油墨的陈旧气息便扑面而来,仿佛一下子将我拽回了五十年代中叶那个爵士乐如火如荼的年代。虽然我手里拿着的这本是后来的再版,但那种凝结在纸页间的历史感却丝毫未减。我原本是冲着那些早已封神的萨克斯风手和钢琴大师的独家访谈来的,但翻阅之下,我发现它远不止是一本简单的“名人录”。编辑的选材颇为大胆,不仅收录了那些在乐坛留下浓墨重彩的一笔的巨匠们,还花了大量的篇幅去探讨那些在小酒吧里默默耕耘,却对某种特定流派(比如硬波普或冷爵士的某些细微分支)有着深刻影响的乐手。我尤其欣赏其中一篇对“即兴创作中的结构性张力”的深入剖析,作者没有使用过多晦涩的音乐学术语,而是通过大量的现场片段描述,将那种瞬息万变中的内在逻辑娓娓道来,读完后,再回头听那些专辑,感觉整个世界都变得不一样了,那些原本听起来只是“炫技”的音符串,忽然间都有了明确的指向和情感的重量。那种感觉,就像是拿到了一份未曾公开发表的乐谱手稿,能窥见天才思维最初的脉络。

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我得承认,我的音乐品味相对比较偏向于五十年代末期那种更具实验性的后波普风格,所以初读这本书时,对于那些更为古典、更注重和声根基的早期作品的评述,我投入的精力略显不足。然而,作者在处理这些相对“保守”的乐章时,却展现出了一种极高的尊重和洞察力。他们没有简单地将之视为向后世“前卫”过渡的垫脚石,而是深入挖掘了那个时代特定的社会语境对音乐形态的塑造。比如,一篇关于新奥尔良复兴运动的文章,详尽地分析了二战后美国社会对“根源”的渴望,以及这种渴望如何在复古的布鲁斯结构和新颖的即兴手法之间找到了一个微妙的平衡点。这种将音乐置于宏大社会图景中考量的叙事方式,极大地拓宽了我对那个时期音乐意义的理解。我原本觉得那些老派的演奏有些过于工整,但读完后,我开始意识到,那种“工整”本身,就是对那个时代秩序感的一种深沉的呼唤,一种在动荡中寻求稳定的艺术表达。

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对我来说,购买一本关于五十年代爵士乐的合集,如同购买一张通往平行宇宙的单程票。我渴望的不仅仅是音乐本身,更是那种纯粹的、未被商业过度稀释的艺术氛围。这本书里有几篇对当时唱片工业运作方式的犀利批判,揭示了许多经典录音背后的商业压力和艺术妥协。例如,一位钢琴家如何在被唱片公司要求必须加入一段“悦耳的”三分钟主题旋律的要求下,巧妙地将其编织进了长达十五分钟的即兴独奏中,使其成为一次近乎“卧底式”的胜利。这种对艺术与商业永恒博弈的真实记录,远比那些歌颂成功的赞美诗来得更有价值。它让我们看到,真正的创新往往是在夹缝中求生存的,它需要勇气去对抗既定的市场预期,并用无可辩驳的音乐质量来赢得最终的话语权。这本合集,与其说是记录了音乐,不如说是记录了一群天才如何在重压下保持自我纯净的历程,读来令人深思,也让人对后来的“纯净爵士”运动有了更深层次的理解。

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我对爵士乐的迷恋,更多源于它那种近乎野蛮的、毫不妥协的自由精神。因此,在这本书里,我最期待的,其实是那些“幕后故事”,那些关于如何在冰冷的录音棚里,或者在拥挤不堪、烟雾缭绕的地下俱乐部里,捕捉到“灵魂”的瞬间。这本书里有一篇关于1954年某次著名的“录音事故”的记录,起初我以为是常见的设备故障,但深入阅读后才发现,那次“事故”实际上是几位乐手之间一次极富创造性的、近乎辩论式的音乐对抗。鼓手坚持用一种非常规的节奏型来推动旋律,而贝斯手则以一种近乎挑衅的低音线来回应,最终导致了原定曲目的彻底颠覆,但也因此催生了一段流传至今的经典片段。作者对当时现场的氛围描绘得极其生动,让我仿佛能闻到空气中弥漫的汗水和威士忌的味道。这种对艺术创作过程中“失控的美感”的捕捉,才是我认为一本优秀的爵士乐志应有的核心价值,而不是仅仅罗列那些早已被嚼烂的成功学案例。这本书在这方面做得非常出色,它让“历史”不再是僵硬的日期和名字,而是活生生的、充满体温的瞬间。

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这本书的装帧和版式设计,虽然朴素,却透露着一种对文字本身的敬意。没有花哨的图片来分散注意力,大量的篇幅被用来呈现那些深入骨髓的乐评和乐手自述。我特别喜欢其中收录的一组关于“休止符哲学”的笔谈录。几位不同流派的乐手,从完全不同的角度阐述了“不演奏”的艺术。有人认为休止符是为听众呼吸留出的空间,有人则将其视为对下一个音符的蓄力,更有甚者,将其比作留白的水墨画,认为那是音乐的“负空间”,与实体音符同样重要。这种对音乐中“空”的探讨,往往是衡量一个乐评人或音乐家思想深度的试金石。这本书中对这些概念的探讨,展现出一种超越了单纯的“旋律/节奏”分析的哲学高度。它让我开始思考,那些我听了上百遍的经典曲目中,那些我习以为常的停顿,究竟蕴含着多么复杂的意图和情感重量。

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