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出版者:美樂

作者:音樂之友社林勝儀譯

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19970201

价格:NT$ 180

装帧:

isbn号码:9789578442047

丛书系列:

图书标签:

• 室内乐
• 古典音乐
• 音乐
• 乐谱
• 器乐
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《室内乐曲》是一部深入探讨室内乐艺术的著作，它并非收录具体的室内乐作品乐谱，而是通过其独特的视角，为读者勾勒出一幅关于室内乐的广阔画卷。本书旨在带领读者走进室内乐的世界，理解其发展脉络、艺术特征以及在音乐史上的重要地位。 本书首先从室内乐的起源说起，追溯其在巴洛克时期萌芽的踪迹，探讨了当时四重奏、三重奏等早期室内乐形式的特点。作者细致地分析了巴洛克时期作曲家们在追求织体清晰、对位精妙方面所做的努力，以及这些早期的探索如何为日后的室内乐发展奠定了基础。 随后，本书将目光转向古典主义时期，重点剖析了弦乐四重奏在这一时期的成熟与辉煌。读者将了解到海顿、莫扎特、贝多芬等大师如何将室内乐提升到新的艺术高度，他们如何通过对位、变奏、赋格等技法，赋予室内乐作品深刻的思想内涵和丰富的情感表达。书中将详细阐述古典主义时期室内乐在结构上的严谨性，如奏鸣曲式的运用，以及室内乐如何成为作曲家们进行音乐思想实验和情感交流的重要载体。 进入浪漫主义时期，本书将展现室内乐风格的转变与发展。作曲家们在继承古典主义传统的同时，更加注重个人情感的抒发和色彩的运用。本书将探讨浪漫主义时期室内乐在乐器编制上的多样性，以及如何通过更具表现力的旋律、更丰富的和声以及更自由的曲式来传达作曲家内心世界的波澜。小提琴奏鸣曲、钢琴三重奏等形式在这一时期的发展将是重点关注的对象。 20世纪至今，室内乐的面貌愈发多元。本书将着重介绍20世纪初的创新浪潮，以及不同流派的室内乐风格。读者将了解到印象主义、表现主义、十二音技法等对室内乐创作带来的影响，以及作曲家们如何拓展室内乐的音响世界和表现手法。从斯特拉文斯基到勋伯格，再到后来的极简主义和电子音乐，本书将梳理出室内乐在现代音乐语境下的演变轨迹。 除了对历史时期的梳理，本书还深入探讨了室内乐在演奏层面上的重要性。它强调了室内乐对演奏者提出的独特要求，如高度的默契、精湛的技巧以及对作品深刻的理解。书中将分析室内乐演奏中的“对话”与“平衡”，以及演奏者如何通过细微的音色控制、节奏处理和情感共鸣，将乐谱上的音符转化为鲜活的音乐体验。 此外，本书还关注了室内乐与社会文化背景的联系。它将探讨在不同的历史时期，室内乐在贵族沙龙、公共音乐会以及私人家庭中的不同角色和意义。室内乐作为一种“对话式”的音乐形式，如何反映当时的社会生活、审美情趣和哲学思想，也将是本书探讨的重要维度。 本书的写作风格严谨而富于启发性，语言流畅且避免了过于学术化的枯燥。作者通过对历史文献的梳理、对音乐理论的解析以及对音乐美学的思考，为读者构建了一个全面而深入的室内乐知识体系。它不仅仅是一本关于室内乐的“百科全书”，更是一扇通往音乐艺术殿堂的窗户，引领读者去感受、去理解、去欣赏室内乐所蕴含的独特魅力与深邃内涵。 本书适合所有对室内乐感兴趣的音乐爱好者、学习者以及专业音乐人。无论您是初次接触室内乐，还是希望深化对这一音乐形式的理解，本书都将为您提供宝贵的 insights 和启迪。它将帮助您更好地欣赏那些在音乐厅的静谧氛围中，由少数乐器共同奏响的、充满生命力的音乐篇章。

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说实话，我对这种题材的书籍一向持谨慎态度，通常它们要么过于学术化以至于索然无味，要么过于通俗化而流于肤浅的赞美辞藻。但这本书的作者显然找到了一个绝佳的平衡点。他的结构安排非常有匠心，并非按照时间顺序线性推进，而是围绕几个核心的“概念”展开论述，比如“空间感”、“呼吸”、“张力释放”等。这种非线性的叙述方式反而让阅读过程充满了发现的乐趣。我尤其欣赏作者在处理乐谱分析时的态度，他似乎从不把乐谱视为僵硬的教条，而是视为一份充满可能性的蓝图。他会提及乐谱上标记的力度记号，然后立刻转入对演奏家个人风格的探讨，分析了不同大师如何“诠释”这个标记背后的情感重量。这种对“文本”与“实践”之间动态关系的关注，让整个阅读体验变得立体而充满生命力。我感觉作者真正理解了音乐表演艺术的精髓——它永远是在“已知”与“未知”之间跳舞。我甚至觉得，这本书本身就像一首结构精巧的奏鸣曲，有着清晰的主题陈述、复杂的发展变化，以及令人回味无穷的再现段落。

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这本新书刚到手，光是封面设计就足够吸引人，那种带着微微泛黄的复古感，让人忍不住想翻开看看里头到底藏着怎样一番天地。我原本以为这会是一部专注于某个特定历史时期的音乐史论，毕竟名字里透着一股古典的韵味，但读进去才发现，作者的视角远比我想象的要开阔得多。他没有陷入繁复的年代考证或晦涩的专业术语中，而是像一位经验老到的音乐向导，带着读者穿梭于不同的音乐场景之间。比如，书中有一章详细描绘了十九世纪维也纳沙龙里，几位作曲家围坐在一起，即兴演奏小型室内作品时的那种微妙的互动和情绪流动，那种细腻到几乎能让人听见钢琴键上的指尖触感和提琴弓弦的摩擦声。作者的笔触极其灵巧，他擅长捕捉那些转瞬即逝的情感瞬间，将原本抽象的音乐体验转化为可以被文字触摸到的场景。更让我惊喜的是，他似乎对音乐背后的社会背景有着深刻的洞察，总能在不经意间将某个音乐主题的兴起，与当时的社会思潮或贵族阶层的审美趣味巧妙地联系起来，使得整部作品不仅仅是音乐的解读，更是一幅宏大的文化浮雕。我尤其喜欢他探讨小型合奏中“对话”的章节，那种声部之间互相倾听、回应、甚至争辩的张力，被他描述得淋漓尽致，让我对那些看似简单的乐章有了全新的理解，感觉每一件乐器都在用自己的“声音”与听众进行一场私密的交谈。

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我是一个对严肃音乐抱持着敬畏但又时常感到难以亲近的听众，很多乐评读起来都像是给内行人士准备的“暗号”，充满了只有圈内人才能懂的行话。然而，这本书的叙事方式简直是一股清流。作者的语言充满了画面感和一种近乎散文诗般的抒情特质，他似乎并不急于给出权威的判断，反而更像是在邀请读者一起参与一场探索之旅。举例来说，书中对比了几种不同时期对“宁静”这一主题的处理，从巴洛克时期的庄严克制，到浪漫主义的澎湃汹涌，再到二十世纪的极简主义留白，他没有直接下结论说哪种更高级，而是通过生动的比喻，比如将巴洛克的宁静比作一座精心雕琢的哥特式教堂内部的光影，而将后来的宁静比作空旷雪地上的呼吸声，这种对比手法极大地降低了阅读门槛，让我这个门外汉也能心领神会其中的精髓。我发现自己读完某一章后，会立刻去寻找对应的录音来验证他的描述，而这一次，我不再只是听到音符的堆砌，而是听到了文字所构建出的空间和情感维度。这本书成功地做到了，它既能满足老乐迷对深度分析的渴望，又能让像我一样的新手感到被接纳和引导，真是一本难得的“桥梁之作”，将音乐的殿堂之门推开了一道更宽广的缝隙。

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拿到书后，我首先关注的是它的深度和广度，毕竟室内音乐的历史分支众多，要做到兼顾而不偏废实在不易。这本书的处理方式非常高明，它没有试图包罗万象，而是选择了一些极具代表性的“切片”进行深度剖析。作者的学术功底毋庸置疑，他对文献的掌握和对音乐史脉络的梳理清晰有力，但最打动我的，是其中蕴含着一种近乎哲学思辨的张力。他常常提出一些发人深省的问题，比如“当声部数量减少时，如何维持音乐的完整性？”或者“在缺乏宏大叙事背景的情况下，小体量的音乐如何表达终极情感？”他似乎在用这些作品作为载体，探讨的是人类交流、亲密关系和个体表达的本质。因此，这本书读起来丝毫没有枯燥的学术气息，反而充满了对人类情感的关怀和探究。我感觉自己不仅仅是在学习音乐知识，更是在进行一场关于“如何更精微地感受世界”的对话。最后，书籍的装帧设计也体现了其内在的品质，纸张的触感、字体的选择，都透露出对内容本身的尊重，让人从始至终都保持着一种愉悦和专注的阅读状态，这是一次非常充实和值得的阅读投资。

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购买这本书之前，我对它的期待其实并不高，无非是想找点背景知识来充实一下自己听音乐时的谈资。然而，阅读过程中的体验完全颠覆了我的初始预设。这本书的文字风格极其成熟老练，用词考究，但绝不堆砌辞藻，每一个句子都仿佛经过精确的打磨，力度恰到好处。作者在论述某些复杂的对位法结构时，没有采用枯燥的乐理图表，而是使用了一种近乎文学叙事的口吻，将不同声部的线条比喻成河流的支流，或者多重叙事线索的交织，使得原本艰涩的音乐结构变得易于理解，同时也赋予了这些结构以情感的重量。这种叙事策略，让原本感觉像是在“解谜”的阅读，变成了一种沉浸式的“体验”。我记得有一段描述了某个作曲家如何在不改变基本和声框架下，通过微妙的节奏变化来营造出一种“时间停滞”的错觉，那段文字的密度和洞察力之深，让我不得不停下来，反复阅读了好几遍。这本书的价值远超一般性的音乐普及读物，它更像是一本高级的“审美训练手册”，引导读者如何去深入地、有目的地聆听，而不是被动地接受声音的灌输。

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