具体描述
如今，市面上的音樂書籍林林總總、五花八門，不過其中大多是從音樂史，音樂派別，以及樂器等專業角度入手寫作的書籍，而少有專門介紹特定時期內的音樂家的興趣普及書刊，為了彌補這個不足，我們特推出此書，希望能給各位讀者在消遣之余帶來一些啟迪。本書類似百科全書，是一部較權威的科學讀物。本書以時間為主線，從十七世紀為起點，一直到20世紀，將音樂家們按照他們的派別和他們生活的時期劃分為巴洛克音樂時期、古典音樂時期、浪漫主義音樂時期，民族音樂時期、印象主義音樂時期、表現主義音樂和新古典主義音樂時期，共六章。每一章的第一節中都會以較詳細的方式介紹對應時期的音樂風格、代表人物、傑出貢獻以及在整個西歐音樂史中的地位和作用，接下來的一節將詳盡地介紹當時的一位著名音樂家，並著重於這位音樂家的生平、音樂風格、學術成就及他的歷史地位。當然，每個時期的各國音樂家多如繁星，不可能一一闡述。因此，本書只能適當挑選每個時期中相對重要，對他所處時期貢獻相對較多的音樂家。 本書中的語言平實簡練，避免了高深難懂的音樂術語，並在有些章節中涉及到音樂家鮮為人知的小故事。本書在編撰過程中，得到了甘泉先生的大力支持，在此表示感謝。
讀者可以像看故事書一樣，先泡上一杯香濃的清茶，再坐在清涼的樹蔭下的躺椅上慢慢品味。也可將本書作為課外知識的補充，在適當的時候，於你的同學面前炫耀一把。希望在您閱讀後，不但從中學習到音樂家方面的知識，並在聆聽那些舉世聞名的作品後，領會他們的思想，與這些偉人一起遨遊奇妙無比的音樂世界。
本書針對六十六種歷來西洋音樂大師所形成的曲風流派，分為巴洛克、古典、浪漫主義、民族、印象主義、表現主義和新古典主義等六個音樂時期，分別介紹、歸納該音樂時期的音樂大師們的生平簡介、音樂作品的介紹，包括巴赫、蕭邦、巴哈、貝多芬、海頓、莫札特、韋伯、貝里尼、舒伯特、李斯特、柴可夫斯基……等六十六位音樂大師及流派、名曲、成名故事，與你分享他們之所以偉大的奮鬥歷程，讓你更了解這些音樂家成功的經歷，與其所成就的永恆音樂饗宴。
作者简介
張靜哲
畢業於四川師範大學。作品散見於校刊、雜誌，深受讀者的好評。從事改寫和編撰工作多年。對於名人的傳奇一生，平凡人的偉大之處，芸芸眾生的各種面貌深感興趣。
目录信息
读后感
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用户评价
这本书真是让我爱不释手，尤其是它对不同艺术形式之间那种微妙的、几乎难以言喻的联系的描摹，简直是大师级的展现。作者仿佛拥有穿透现实的眼睛，能看到色彩如何在旋律中流动，文字如何被节奏所雕刻。我记得其中有一章特别深入地探讨了巴洛克时期音乐家如何从建筑的宏伟结构中汲取灵感，那种对对称、对复杂层次的模仿，不是简单的机械复制，而是一种精神上的共鸣。它让我重新审视了“灵感”这个概念，它不再是空中楼阁式的虚无缥缈，而是根植于我们日常所见所感的一切物质和精神世界之中。阅读过程中，我常常需要停下来，回味那些精妙的比喻，比如将赋格曲比作一座精心设计的迷宫，每条旋律线都是一条路径，最终却完美地导向中心的主题。这种细致入微的观察力，让原本可能枯燥的理论分析变得如同欣赏一幅流动的艺术品。对于那些渴望打破创作壁垒，寻找跨界灵感火花的创作者来说，这本书无疑是一盏明灯，它提供的不是具体的操作指南，而是看待世界的新视角和新方法论。我感觉自己的思维边界被极大地拓宽了，那些原本看似无关的知识点，现在都能被巧妙地串联起来，形成一个更宏大、更有机的美学体系。
评分这本书最令人称道之处，或许在于它成功地在广博与精深之间找到了一个完美的平衡点。它既涵盖了许多不同领域大师的案例，确保了知识的广度，但在每一个案例的剖析上，又深挖到艺术家思维模式的核心，保证了理论的深度。我尤其喜欢它对“偶然性”在创作中的地位的重新评估。我们总倾向于赞美那些有计划、有组织的创作过程，但这本书大胆地指出，很多伟大的突破恰恰来自于对意外事件的巧妙利用和转化。它用生动的笔触描绘了艺术家如何拥抱那些“错误”，如何将计划外的干扰变成推进作品的动力。这种哲学上的开放性，极大地解放了我的思维定势，让我意识到，完美并非唯一的追求，有时，不完美中的张力才是最吸引人的。读完之后，我不再那么恐惧犯错，反而开始期待那些未知的“岔路口”，因为我知道，无论走到哪里，只要保持敏锐的感知力，那里都可能隐藏着新的创作源泉。这是一本需要反复阅读，并在不同人生阶段都会有新体会的“工具书”，它提供的“食谱”很多，但最重要的是教会了我们“烹饪”的艺术。
评分这本书给我带来的最大冲击，在于它如何巧妙地解构了“天才”这个常常被神化的概念。作者通过大量的案例研究，展示了那些看似天马行空的创意背后，其实是日积月累的观察、无休止的试验和对失败的坦然接受。它剥去了灵感外衣上那些华丽的、不切实际的光环，代之以一种更扎实、更人性化的理解：创造力是一种技能，而非纯粹的恩赐。书中对不同文化背景下艺术思维差异的对比分析尤其精彩，比如东方哲学中对“圆满”和“流动”的追求，如何与西方艺术中对“结构”和“对立统一”的偏爱相映成趣，而优秀的创作者往往是能够跨越这些文化藩篱，取其精华的。我读完后，立刻去翻阅了一些过去觉得晦涩难懂的作品，现在再去看，突然间明白了那些反复出现的母题和象征符号，背后蕴含的深层逻辑。它不仅是一本关于灵感的书，更是一部关于“如何理解艺术史”的微观教程，用一种极其个人化和感性的方式，将复杂的历史脉络梳理得井井有条，让人受益匪浅。
评分这本书的装帧设计和内页排版也极为考究，拿在手上就能感受到一种对阅读体验的尊重。字体选择沉稳大气，留白适度，读起来眼睛非常舒服，这种细节的处理，本身就体现了一种对美的追求，也侧面印证了书中关于“形式服务于内容，但形式本身亦是内容”的观点。我特别欣赏作者在论述过程中使用的那些不常见的词汇，它们精准而有力，每一次阅读都像是在拓展我的词汇量，同时也深化了我对抽象概念的理解。比如书中对“共鸣腔”的描述，不仅仅指物理上的声学结构，更指人与作品之间情感传递的那个看不见的介质，这个概念被阐释得入木三分。对于我个人而言，这本书提供了一种极佳的“反思工具”，它让我开始反思我过去对“借鉴”和“抄袭”的界限的认知，提醒我要警惕那种无意识的模仿，而应努力去捕捉事物背后的本质规律。它鼓励一种更诚实、更勇敢的创作态度，即承认前人的贡献，但绝不停止自我探索的步伐。
评分我必须承认，这本书的叙事节奏掌握得非常老道，它不像那种堆砌事实的工具书，而更像是一场精心编排的音乐会，有高潮，有宁静的间奏，有激昂的变奏。作者对于情感的捕捉极其精准，他描述的那些艺术家在创作瓶颈期时那种近乎绝望的挣扎，以及最终突破时的狂喜，读起来让人感同身受，仿佛自己也经历了一番心路历程。尤其值得称赞的是，书中并未过度渲染戏剧性，而是非常克制地展示了“工作”本身的神圣性——灵感或许是火花，但持续的打磨和对技艺的精进才是真正的熔炉。我特别喜欢其中对“沉默”价值的探讨，艺术家如何在作品中为听众、为读者留下“空白”让他自己去填补，这种留白的设计，远比把话说满更具力量。这本书的文字本身就具有一种音乐感，句子的长短错落有致，停顿处理得当，读起来有一种天然的韵律感。它教会我的，是如何在自己的创作中找到属于自己的“休止符”，如何在喧嚣中听见自己内心的和弦。这种对创作心性的深度剖析，是任何技巧手册都无法替代的宝贵财富。
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