After Effects 6.5 & Premiere Pro 1.5-最重要的10堂課

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出版者:上奇科技
作者:吳勇德
出品人:
页数:304
译者:
出版时间:20041004
价格:NT$ 780
装帧:
isbn号码:9789867529619
丛书系列:
图书标签:
  • After Effects
  • Premiere Pro
  • 视频编辑
  • 特效制作
  • 教学
  • 入门
  • 软件教程
  • Adobe
  • 后期制作
  • 数字媒体
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具体描述

一般單純介紹After Effects功能的工具書,只是學到零碎的軟體功能,您可能不知如何應用。假如您想要建立正確的視訊剪輯、動態視訊以及動畫特效觀念,《After Effects 6.5 & Premiere Pro最重要的10堂課》便是為您量身訂做的一本最實用的範例導向書籍。作者依據多年的視訊與多媒體教學經驗,結合在業界豐富的實務經歷,精心整理出10個最精采的教學課程。全書以觀念引導的分類方式,規劃出一系列完整的範例,透過實作的過程,您將學會業界專業動畫師最常用的酷炫技法,加上作者隨時提點的觀念與秘技,創作出與眾不同的作品就是那麼簡單。

本書不只單純介紹After Effects,而是將相關的軟體,如Premiere Pro與Photoshop巧妙地結合,輕輕鬆鬆就能學會軟體間的應用。精彩內容包含詳細且富創意的動態控制、去背與特效、整合音效與動畫、整合圖層等等,絕對是您最需要、最想要且最有幫助的實用內容。

◎以學習者導向介紹動態視訊與動畫特效創作。

◎以清晰觀念與簡單的操作步驟為主,相輔相成增進學習效益。

◎以相互關連的大、小專案為例教學,理論與實務並重。

◎透過作者豐富的經驗談,嚴選近300個秘技,有助於建立重要觀念,並釐清易犯錯或混淆之處。【雙片超值CD】

各章範例操作素材

書中所有範例之完成影片

影视后期制作的基石与进阶:一套构建专业流程的实用指南 本书并非聚焦于特定版本的软件操作手册,而是深入探讨现代影视后期制作领域中,无论软件如何迭代,都必须掌握的核心理念、高效工作流程以及叙事驱动的剪辑思维。 本书旨在为初入行业的新手提供清晰的路线图,帮助中级用户系统性地优化他们的工作效率,并为经验丰富的专业人士提供深化美学理解和技术整合的参考。 内容覆盖范围: 第一部分:后期制作的战略规划与项目管理 本部分抛弃了繁琐的软件界面介绍,转而关注项目启动前和项目进行中的“软技能”和战略规划,这些是决定一个项目成败的关键因素。 1. 理解“后期”的真正含义:从制作意图到最终交付 叙事与技术的分离视角: 讲解如何将导演或客户的初衷转化为可执行的技术蓝图。 素材管理的金字塔结构: 建立一个可扩展、易于检索的文件夹层级系统(从原始素材到最终输出),强调备份策略(3-2-1原则的实践应用)。 项目文件与元数据的生命周期: 如何在项目初期就埋下清晰的元数据标记,以应对后续的特效合成、调色和归档需求。 2. 高效工作流的构建:非线性思维的实践 “剪辑先行”的原则: 在任何特效或精细调色开始前,确保故事节奏和逻辑的完整性。 代理文件与母版素材的切换机制: 详细阐述在处理高分辨率(如4K/6K以上)素材时,如何建立无缝的代理工作流程,平衡编辑速度与最终输出质量。 时间管理与交付标准: 不同平台(院线、网络、社交媒体)对帧率、色彩空间(Log与Rec.709)及音频响度的具体要求,以及如何预设项目模板以匹配这些标准。 第二部分:剪辑的艺术与节奏的雕塑 本部分是关于如何“讲故事”,而非如何“点击按钮”。它强调剪辑师作为第二位编剧的角色。 3. 节奏的语言:超越简单的画面切换 不同叙事节奏的分解: 分析动作场面、情感高潮和信息传递场景中,不同剪辑点(Jump Cuts, Match Cuts, L-Cuts, J-Cuts)对观众心理的影响。 潜文本的构建: 如何利用画面的并置(Juxtaposition)来表达角色内心冲突或社会评论,而无需依赖画外音。 音乐与画面的共生关系: 学习如何“切入”音乐的重拍,以及何时故意“打破”音乐的预期,以制造悬念或冲击力。 4. 声音叙事:被忽视的80% 对话、音效与环境声的混响层次: 如何分层管理(Dialogue, Foley, Sound Effects, Ambiance)以创建逼真的听觉空间。 声音设计作为叙事工具: 探讨如何通过设计特定的声音元素(如一个标志性的机械声、一个特定频率的嗡鸣)来暗示角色的状态或预示事件的发生。 混音基础与响度标准: 确保输出的音频在各个播放设备上都具有一致且符合行业标准的听觉体验,避免过度压缩或动态范围过窄。 第三部分:视觉整合与动态设计原理 本部分关注如何提升画面的视觉冲击力和信息传达效率,涉及动态图形和基础视觉特效的理念整合。 5. 动态图形的“功能性”设计:信息的可视化 动态信息图表的设计原则: 如何将复杂的数据或时间线清晰、美观地呈现给观众,强调易读性和动画的流畅性。 品牌识别与风格统一性: 建立一个动态图形风格指南,确保所有片头、字幕和转场都服务于整体的视觉调性,避免元素间的冲突。 运动曲线(Easing)的心理学意义: 理解线性和非线性运动对画面“重量感”和“情绪”的影响,避免机械化的匀速运动。 6. 基础合成与层级管理:空间感的建立 景深与三维空间的模拟: 讲解如何通过遮罩、运动模糊和视差来增强二维素材的纵深感,使合成元素看起来像是“在场景中”而非“贴在画面上”。 运动跟踪的准确性与瑕疵处理: 探讨在跟踪数据不完美时,如何利用手动微调或稳定技术来保证特效的视觉连贯性。 光线与色彩的匹配哲学: 合成元素的最终目标是让它看起来像是“被现场光照亮”的,重点分析环境光、硬光和反射光的模拟技巧。 第四部分:色彩与输出的最终把控 本部分着重于色彩在情感传达中的决定性作用,以及如何确保最终产品在所有屏幕上保持一致的呈现。 7. 色彩理论在叙事中的应用 情绪板与色彩调性(Look Development): 如何根据剧本设定核心色彩方案(高饱和度/低对比度、冷色调主导等),并贯穿始终。 Log素材的处理与基本校正: 区分“校正”(Correction,还原真实色彩)与“分级”(Grading,赋予情绪)。 肤色处理的黄金法则: 学习如何在保持其他场景氛围的同时,确保人像肤色保持自然和吸引力。 8. 跨平台交付与质量控制 色彩空间转换的陷阱: 深入理解Rec.709, DCI-P3, HDR等标准之间的差异,以及编码转换(如H.264到ProRes)对画质的潜在影响。 最终检查清单(QC Checklist): 建立一套严格的交付前检查流程,涵盖画面撕裂、音频爆音、字幕错位、帧率错误等常见问题。 归档策略的再确认: 确保所有项目文件(包括锁定的项目文件、渲染的母版和代理缓存)都按既定流程安全封存,为未来可能的重制或剪辑提供便利。 本书的价值在于提供的是一套“思考框架”和“职业标准”,这些知识超越了任何特定软件版本的限制,是每一位专业后期制作人员必备的核心竞争力。 通过学习这些原理,读者将能够自信地适应软件的升级换代,专注于如何用技术更好地服务于艺术创作。

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读后感

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用户评价

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从一个资深用户的角度来看,我最希望在这本“旧作”中找到的是关于“色彩管理和输出设置”的宝贵经验。在Premiere 1.5的时代,视频格式的兼容性和最终输出的质量控制,是让无数剪辑师头疼的问题。从DV磁带到早期数字文件格式的转换,每一步都可能导致画质的灾难性损失。如果这本书的“最重要的10堂课”中,能有一堂课是专门剖析当年最可靠的编码设置,以及如何确保在不同播放设备上保持一致的视觉效果,那这本书的实用价值将大大超越其教学本身,成为一份宝贵的“工程标准”参考。我回忆起当年为了一个DV项目,在渲染设置里反复试验的心路历程,那种对细节的极致追求,是现在一键导出高清视频的环境下所不复存在的。这本书能否成功地将那种严谨的、面向有限资源的创作态度传递下来,是衡量它成功与否的关键指标。

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这本书的封面设计简直是一股怀旧的风潮,那种略带磨砂质感的排版,让我立刻回想起那个数字视频编辑还带着一丝青涩但又充满无限可能的年代。我记得当时刚接触 After Effects,面对那些复杂的层级和效果器面板,感觉就像是在攀登一座信息过载的高山。初学者的我,最需要的不是那种把所有功能罗列一遍的“百科全书式”教材,而是那种能立刻上手、解决燃眉之急的“实战手册”。这本书的书名承诺的“最重要的10堂课”,恰恰击中了我的痛点——我需要的是提纲挈领的智慧,而不是汗牛充栋的细节。我尤其关注那些关于时间线管理和基础合成逻辑的章节,因为那是构建任何视觉特效的基石。如果它能用最简洁的语言,把“关键帧的魔力”和“预合成的艺术”讲透,那它就成功了一半。我期待看到作者如何平衡专业术语的准确性和新手可理解性的表达,毕竟,对于那个年代的用户来说,软件的学习曲线普遍比较陡峭,能有一位耐心且经验丰富的向导至关重要。这种带着时代烙印的软件组合教程,本身就带着一种特殊的价值,它记录了一个行业转型期的学习范本。

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说实话,我买这本书更多的是出于一种“考古”的心态。现在的视频编辑环境,无论是DaVinci Resolve还是后来的CC版本,功能已经强大到令人眼花缭乱,但回看那个1.5和6.5的时代,它代表的是一个更纯粹、更依赖手工打磨的阶段。我记得那时 Premiere Pro 的稳定性和效率是用户最大的痛点,而 After Effects 更多的是作为一个强大的“特效插件”而存在,它们之间的素材交换和渲染流程是极度考验耐心的。我非常好奇,作者是如何在仅用“10堂课”的篇幅内,系统性地梳理出当年这两个软件协同工作的最佳实践的。我希望看到它能深入讲解那些现在看来可能已经过时,但在当时却至关重要的工作流程,比如如何高效地处理渲染队列,或者在那个内存和硬盘速度都非常有限的环境下,如何保持项目文件的整洁。这本书的价值,也许不在于教你如何使用最新的功能,而在于让你理解底层的工作逻辑是如何一步步演进到今天的复杂的生态系统的。它像是一把钥匙,能打开那个特定历史时期的创作思维模式。

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这本书的排版和视觉呈现,我感觉它采取了一种非常务实、甚至可以说有些“朴素”的风格。没有过多花哨的图文混排,更多的是屏幕截图和文字说明的直接对接,这在早期的技术书籍中非常常见。我推测,作者的重点在于内容的深度而非形式上的美观,这对于需要快速查找特定操作步骤的读者来说,反而是个优点。我个人最看重的是关于“运动图形基础”的讲解。在那个时代,AE还不是我们今天所理解的那么全面的动态图形工作站,它更偏向于传统的视觉特效合成。如果书中能用那10堂课的时间,建立起扎实的运动规律和层级关系的概念,哪怕只是用简单的形状和文字来演示,那也是受益终生的。对于一个新人来说,理解“为什么”要这么做,远比记住“怎么做”某个按钮更重要。我期待这本书能提供一种清晰的、符合逻辑的知识框架,而不是一堆零散的技巧堆砌。毕竟,10堂课的约束,意味着每一堂课的知识密度都必须极高。

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这本书的标题结构,明确地暗示了一种“聚焦”的教学理念,这在那个软件功能尚不臃肿的年代,是完全可行的策略。我关注它的“10堂课”的编排逻辑:它是否遵循了从基础理论到高级应用的递进关系?例如,第一堂课是否是关于界面与素材导入的通用设置,随后逐步深入到特效的合成与渲染?如果作者能够精心地选择这10个“最重要”的主题,它们应该能够构成一个完整的、可以独立完成一个中小型项目的知识闭环。我特别希望看到它如何处理AE和Pr之间的“桥接”工作流,比如动态链接在那个版本上的稳定性和最佳使用场景。对于那个时代的视频创作者而言,跨软件协作的效率,直接决定了项目的生死存亡。因此,这本书如果能提供一套高效、少出错的协作规范,即便现在软件已更新换代,这种流程优化的思维方式,依然是极其宝贵的财富。

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