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出版者:立誼

作者:蘇博正

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997年07月01日

价格:NT$ 200

装帧:

isbn号码:9789570361490

丛书系列:

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• 钢琴教材
• 流行钢琴
• 速成
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• 入门
• 零基础
• 流行曲
• 钢琴谱
• 简易
• 音乐教程

音乐的魔力：现代钢琴演奏技巧与风格探索 一、前言：跨越古典与流行的音乐桥梁 本书旨在为所有对钢琴演奏怀有热情，渴望在现代音乐语境下自由表达自我的学习者提供一套系统而富有启发性的指引。我们深知，许多初学者或有一定基础的演奏者在面对复杂的古典乐谱或流派固定的教程时感到力不从心。本书的宗旨是架起一座坚实的桥梁，连接严谨的音乐理论基础与日新月异的流行音乐实践，让钢琴不再是遥不可及的殿堂艺术，而是触手可及的个人声音表达工具。我们将重点探讨如何高效地掌握钢琴键盘的布局、理解和弦的内在逻辑，并将其应用于多种现代音乐风格的演奏中。 二、钢琴基础的深度重构 在探讨风格之前，稳固的基础是演奏者自由翱翔的翅膀。本书对传统基础训练进行了创新性的重构，强调“实用性”与“趣味性”的结合。 1. 键盘空间感与指法优化： 我们摈弃了枯燥的音阶和琶音机械练习，转而采用“主题式”练习。例如，通过模仿布鲁斯音阶的特定形态，来训练手指在键盘上的快速跨越和精确触键。书中详细分析了不同手型在演奏流行乐中常见的快速连复段（Runs）和装饰音（Ornaments）时的肌肉记忆培养方法，确保演奏者的动作既高效又符合人体工学，避免长期练习带来的劳损。 2. 乐理不再是阻碍： 本书将乐理知识融入到实际的音乐片段分析中。我们不会罗列繁琐的规则，而是通过剖析经典流行歌曲的和弦进行，直观展示大调、小调、属七和弦的色彩变化。重点讲解了“功能和声”在流行音乐中的实际应用——例如，如何用IV-V-I进行替代原有的I-IV-V，瞬间改变歌曲的情绪基调。我们甚至引入了“视觉化乐理”，通过图表和颜色来辅助理解和弦的构成，让抽象的理论变得具体可感。 三、和弦的无限组合：流行音乐的骨架 流行音乐的灵魂在于和弦。本书将和弦学习提升到“和声色彩学”的层面，指导学习者如何像调色师一样运用和弦。 1. 扩展和弦的魅力（Extended Chords）： 除了基本的三和弦，我们深入讲解了七和弦（Maj7, min7, Dom7）、九和弦（9th）以及挂留和弦（Sus2, Sus4）的演奏技巧和它们在营造不同氛围中的作用。例如，何时使用Cmaj9能带来“清晨阳光”的氛围，而何时使用Em7b5则能营造出“午夜忧郁”。 2. 丰富的伴奏织体（Voicing and Textures）： 学习者常常卡在只有根音和三音的单调伴奏上。本书提供了数十种精心设计的“流行伴奏织体模板”，涵盖了从Bossa Nova的切分节奏到现代R&B的密集和弦排列。特别辟出章节讲解“内声部进行”（Inner Voice Leading）的平滑处理，确保和弦转换时旋律线流畅自然，这是区分业余和专业演奏的关键。 3. 即兴和声的构建： 基于对和弦的深刻理解，我们将引导读者开始构建简单的即兴伴奏。通过讲解“和弦替代”（Chord Substitution）的基本原则，让学习者在熟悉的歌曲中尝试替换原有的和弦，创造出属于自己的版本。 四、风格透析与实践：从摇滚到电子 本书的核心价值在于，它不仅仅教授“如何弹奏”，更教授“如何理解不同风格的精髓”。我们精选了几个具有代表性的现代音乐流派进行深度解析。 1. 流行摇滚的律动与力量： 分析摇滚乐中常见的Power Chords（强力和弦）的演奏技巧，以及如何通过击打（Staccato）和延音（Sustain）的对比来塑造强劲的节奏感。讲解如何在单音旋律中融入强有力的和弦Riff。 2. 爵士与放克的影响（Jazz & Funk Infusion）： 介绍如何将爵士和声的色彩融入流行伴奏中，特别是讲解“切分节奏”（Syncopation）在放克音乐中的应用。重点训练左手在八分音符节奏中的精准律动保持能力，以及如何使用“行走贝斯线”（Walking Bass Line）的简化版本来增加伴奏的动感。 3. 电子与氛围音乐的音色设计： 在数字音乐时代，钢琴不再局限于传统的发声方式。本部分引导学习者思考如何通过演奏技巧模仿合成器或Pad音色。例如，通过极其缓慢、均匀的琶音演奏来模拟“环境音效”（Ambient Soundscape），以及如何利用延音踏板营造出空灵、广阔的空间感。 五、从模仿到创造：提升演奏的音乐性 最终的目标是让演奏者能够脱离乐谱，用钢琴讲述自己的故事。 1. 旋律的再诠释： 如何处理一首已知歌曲的旋律？本书提供了一系列“旋律变化”的工具包，包括对原旋律进行八度上移、增加装饰音、将其改编成和弦进行演奏等多种方法，鼓励学习者对现有作品进行个性化处理。 2. 节奏的精细调校： 很多时候，演奏听起来“不对劲”是因为节奏的细微偏差。我们引入了专业的节奏训练方法，要求学习者不仅要跟着节拍器，更要学会“感知”乐句的呼吸感，理解重音（Accent）在塑造音乐情绪中的决定性作用。 3. 舞台表现力： 一个完整的演奏者需要将内心的音乐情感有效传递给听众。本书最后探讨了演奏中的肢体语言、眼神交流，以及如何通过对动态（Dynamics，强弱对比）的精准控制，来构建一个引人入胜的音乐叙事结构。 本书不是一张“速成地图”，而是一套深入探索现代钢琴演奏艺术的工具箱。它要求学习者投入时间和精力，但回报将是能够自信地在任何现代音乐场景中，用钢琴进行流畅、富有创意和个人风格的表达。

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我特别欣赏作者在“风格化”处理上的独到见解。很多时候，我们弹奏流行歌，最难的不是把音符按对，而是弹不出那种原曲的味道。这本书没有止步于教会你“弹什么音”，而是深入探讨了“怎么弹”。例如，在讲解抒情慢歌时，它细致地分析了揉弦、轻重音的运用，甚至还提到了踏板的微妙处理，这在许多速成教材中是绝对看不到的。我记得有一段内容，专门对比了同一种和弦进行，在R&B风格和摇滚风格下的不同节奏律动处理方式，通过非常直观的记谱法和文字描述，让人立刻就能抓住两者之间的精髓区别。这不仅仅是教会我弹奏，更像是在进行一场关于“音乐审美”的启蒙教育。它鼓励学习者去模仿和体会，而不是机械地复制。这种教学导向，使得学习过程充满了创造性和探索欲，让人感觉自己不仅仅是在练习技巧，更是在学习如何成为一个有自己想法的演奏者。

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从实用性和后续拓展性的角度来看，这本书的价值远超出了它的标价。它并非那种学完一两首歌就束之高阁的工具书。它构建了一个清晰的“知识树”，让你明白每学到的一个技巧是如何支撑起更复杂的演奏的。举个例子，书中早期介绍的基础琶音练习，到了后面章节，立刻就升级成了用于烘托高潮部分的“华丽分解和弦”，前后呼应得非常巧妙。这种体系化的构建，让我对下一步的学习方向有了明确的规划，而不是学完一节课就迷茫，不知道下一块肌肉该往哪里练。而且，作者非常鼓励读者利用书中学到的基础结构去“改编”和“创作”。比如，它提供了一个简单的“流行歌和弦框架搭建法”，我试着用这个框架去套用我正在听的一首新的尚未发布的网络热歌，竟然意外地得到了一个非常像样的钢琴伴奏雏形。这种赋能感是其他只是教你照着弹的教材无法比拟的，它真正做到了“授人以渔”，让这本书成为了一个可以伴随我成长、不断从中汲取新思路的“音乐伙伴”。

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我花了大概一个周末的时间通读了前三章的内容，整体感觉就是“毫不拖泥带水”。很多钢琴教程，为了凑字数或者显得内容丰富，会塞进一些我目前完全用不着的古典乐章分析或者过于复杂的琶音练习。但这本书的目标群体定位非常明确——就是那些想快速上手弹奏流行歌曲的人。它避开了那些繁琐的音阶跑动练习，而是直接把重点放在了“和弦”和“节奏型”的搭建上。尤其是在讲解伴奏织体变化的部分，作者提供了一套非常实用的“万能和弦模版”，比如那个著名的“卡农进行”变体，在不同的流行歌里如何快速套用。我尝试着用书里教的方法去分析了几首周杰伦的歌，居然一下子就抓住了核心的伴奏骨架，那种豁然开朗的感觉，简直比解开一个数学难题还过瘾。此外，书中对节奏感的强调也值得称赞，它没有仅仅停留在“数拍子”，而是提供了很多关于律动（Groove）的口诀和练习方法，这对于想让自己的演奏听起来“有味道”而不是“像机器人一样板正”的弹奏者来说，无疑是至关重要的锦囊妙计。

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这本书的封面设计得相当吸引人，那种亮丽的色彩搭配和现代感的字体，一眼看过去就让人觉得“流行”这个词并非浪得虚名。我本来对手写的乐谱有些许保留，担心看不清或者排版混乱，但拿到实物后发现，它的印刷质量非常高，每一个音符都清晰锐利，即便是像我这样视力不算顶尖的，也能轻松跟上。更让我惊喜的是，它在章节的编排上非常注重逻辑性。一开始并没有直接抛出复杂的和弦进行，而是像剥洋葱一样，层层深入。例如，它花了不少篇幅介绍基础的乐理概念，但这些介绍完全没有枯燥的理论说教感，而是紧密地结合了当下最热门的流行音乐片段进行演示。我记得有一课专门讲解了如何快速识别C大调和A小调在流行歌曲中的应用，配图的示例曲目都是我平日里KTV必点的那些“神曲”，这种代入感极强，让我学习的积极性一下子就提高了。而且，书中的指法建议也相当人性化，对于初学者容易卡壳的地方，都有非常细致的标注和图示，看得出来作者在编写这本书时，真的把自己想象成了一个完全没有基础的小白，考虑到了我们可能会遇到的所有“绊脚石”。这种细致入微的教学态度，是很多传统教材所不具备的。

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这本书的装帧质量真的让我感到物超所值。我是一个很注重书本触感的人，如果纸张太薄或者太亮，弹奏时很容易反光影响视线，而且翻页次数多了很容易损毁。这本书采用了哑光纸张，手感厚实，翻页的时候阻尼感适中，不需要很用力就能保持在当前页。更关键的是，它在实用性上做到了极致的平衡。通常速成教材会为了追求“快”，而在乐谱的呈现上做出妥协，比如把高音谱号和低音谱号挤得非常紧凑，或者为了适应键盘布局而牺牲了部分乐理的严谨性。但这本书在这方面处理得相当得体，谱面空间留得恰到好处，即使是复杂的和弦堆叠，也能看得清楚。特别是那些需要双手配合的段落，它用不同的颜色或者加粗的线条区分了左右手的重点，这对于我这种容易“眼花缭乱”的初学者来说，简直是救星。这种对细节的打磨，体现出出版方对最终用户体验的重视，而不是简单地把一些教程内容堆砌在一起草草了事。

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