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出版者:�峰資訊

作者:蘇文仲

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年06月04日

价格:NT$ 520

装帧:

isbn号码:9789864215225

丛书系列:

图书标签:

• Painter
• 數位繪畫
• 彩繪
• 繪圖
• Photoshop
• 圖像處理
• 設計
• 教程
• 中文版
• 技法

探索数字艺术的无限可能：一本关于创新与实践的教程 本书并非聚焦于任何特定软件的使用指南，而是深入探讨数字绘画和艺术创作的核心理念、技术原理与创新思维。我们致力于为所有对数字艺术充满热情，并渴望提升自身创作水平的读者提供一个全面、系统的学习框架，无论他们使用何种数字工具，都能从中受益匪浅。 第一部分：理解数字媒介的本质与潜力 1.1 从传统到数字的思维转换 本部分首先剖析了数字绘画与传统媒介（如油画、水彩、素描）在材料特性上的根本区别与共通之处。我们不满足于简单的“模拟”，而是强调如何利用数字环境的特性，创造出传统技法无法企及的效果。 图层与非破坏性编辑的哲学： 深入解析图层系统如何改变艺术家的工作流程，使其能够进行大胆的实验而无需担心“毁坏”原作。讨论如何在多层结构中管理复杂画面，实现高效的色彩、光影和细节分离处理。 分辨率、色彩空间与输出标准： 详细讲解像素密度（DPI/PPI）对最终作品的影响，以及RGB与CMYK在不同输出环境下的转换逻辑。理解色彩管理的重要性，确保屏幕上的绚丽色彩能准确地呈现在印刷品或网络上。 笔刷的构造与情感表达： 笔刷不仅仅是线条的载体。我们探讨笔刷引擎的内部机制，包括纹理、形状动态、压力感应、倾斜度响应等参数如何共同作用，模仿自然笔触的随机性和质感。学习如何“定制”笔刷，使其成为表达艺术家个人风格的独特工具。 1.2 光影的物理学与艺术表现 光线是塑造形体和氛围的灵魂。本章将回归光学原理，但重点在于如何将其转化为艺术语言。 光源的种类与环境光的影响： 分析点光源、面光源、散射光和环境遮蔽（Ambient Occlusion）在数字三维空间中的表现。如何通过环境光的变化来定义场景的整体情绪和时间感。 反射、折射与材质的模拟： 详细解析高光、反光、次表面散射（Subsurface Scattering）等现象在数字绘画中的表现手法。通过精确地模拟不同材质（金属、皮肤、玻璃、织物）对光线的吸收和反射，赋予画面物体的真实触感。 色彩与光影的交互作用： 探讨环境色（Color Spill）和色彩补偿（Color Correction）如何使画面色彩更加和谐统一。光影不仅仅是黑白灰，更是色彩情绪的载体。 第二部分：构建稳固的视觉基础 成功的数字艺术建立在坚实的传统艺术基础上。本部分聚焦于如何将这些基础技能无缝地迁移到数字画布上。 2.1 透视法的精细应用与空间构建 多点透视与复杂场景设计： 超越基础的单点和两点透视，深入研究三点透视、鱼眼透视（广角）和俯视/仰视透视的实际应用。学习如何在复杂的建筑或自然环境中保持透视的一致性。 空气透视与景深控制： 讲解如何通过色彩的饱和度、对比度和细节的锐利度变化，有效地营造画面的纵深感和空间层次，引导观众的视线流动。 2.2 结构、解剖学与动态捕捉 无论绘制角色、生物还是静物，理解其内部结构是创造可信性的关键。 形体的简化与量块化： 教授如何将复杂的有机体或机械结构简化为基本的几何体（球体、立方体、圆柱体），从而更容易地进行动态捕捉和角度转换。 人体结构速写与动态流线： 强调捕捉动作的“能量线”而非僵硬的骨骼结构。通过分析运动中的力与反作用力，使角色姿态充满生命力。 2.3 构图的叙事力量 构图是艺术家的第一语言。本章旨在提升读者的“视觉语言组织能力”。 黄金分割、三分法与对角线引导： 探讨经典构图法则背后的数学美学，并演示如何在现代作品中灵活运用，避免公式化。 视觉重量与平衡的调控： 分析画面中元素的大小、色彩、对比度对视觉重量的影响。学习如何通过非对称平衡来增加画面的张力和趣味性。 叙事性构图： 探讨如何运用引导线、前景、中景和背景的安排，明确地讲述故事或表达主题，确保观众的目光按照艺术家的意图移动。 第三部分：精通数字绘画的流程与效率 本部分侧重于提升工作效率和优化专业流程，将创意快速、高质量地转化为成品。 3.1 工作流程的优化与非线性创作 从草图到精修的迭代策略： 建立一套清晰的创作流程——从快速的价值（Value）草图确定光影基础，到色彩测试，再到细节的逐步添加。强调在不同阶段使用最合适的工具和精确度。 色彩搭配与调色板的构建： 讲解基于色轮的色彩和谐理论（互补色、邻近色、三元色），并教授如何从参考图中提取并优化一个符合主题的限定调色板，以增强画面整体感。 3.2 纹理、细节与后期处理 数字艺术的优势之一在于处理复杂纹理的能力。 高效的纹理绘制技术： 介绍使用自定义笔刷、纹理叠加（Overlay）和混合模式（Blending Modes）来快速创建逼真的表面细节，如岩石的粗糙感或皮肤的细腻毛孔。 混合模式的魔力（Multiply, Screen, Overlay, Color Dodge）： 深入解析各种混合模式如何影响图层间的色彩和亮度交互。这是实现特殊光效、色彩烘焙和氛围渲染的关键技术。 最终的“打磨”： 讲解如何利用锐化、降噪、相机镜头效果（如镜头光晕、色差）以及整体色彩分级（Color Grading）来赋予作品专业级的完成度。 第四部分：面向未来的数字艺术实践 本部分超越软件层面，探讨数字艺术家在快速发展的技术环境中的定位与发展。 4.1 风格的形成与自我定位 模仿与内化： 分析历史上和当代艺术家的风格特征（如笔触、色彩倾向、主题偏好），引导读者进行有目的的学习，而非盲目复制。 个人声响的提炼： 鼓励读者进行大量的、跨领域的创作实验，通过不断地自我审视和反馈，最终提炼出具有个人辨识度的艺术语言。 4.2 跨媒介的融合与拓展 探讨数字绘画作为基础技能，如何与其他数字领域（如概念设计、动态图形、三维概念预渲染等）进行结合，拓宽艺术创作的边界。 本书旨在成为一本常青的参考书，它不教授您如何操作某款软件的特定按钮，而是教您如何像一个成熟的视觉创作者那样思考、规划和执行，最终帮助您掌握驾驭数字媒介，实现心中宏伟愿景的核心能力。

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这本书的封面设计简直是艺术的宣言！那种深邃的蓝色调，配上烫金的字体，一下子就抓住了我的眼球。我是一个狂热的数字艺术爱好者，平时接触的教程和工具书不少，但很少有能从视觉上就给人带来如此强烈震撼的。那种质感，仿佛能触摸到画布上的肌理，让人对手里的画笔——哦不，是数位笔——充满了期待。拿到书的时候，那种厚重感也让人觉得内容一定非常扎实。我最欣赏的是，它没有采用那种俗套的“炫技式”排版，而是用一种非常沉稳、大气的布局，这让我感觉这不仅仅是一本软件操作指南，更像是一本艺术家的案头宝典。内页的纸张质量也是一流，色彩还原度极高，即便是书中的小图例，其色彩的层次感和过渡也处理得非常细腻。光是翻阅这本书的过程，就已经算是一种享受了，它成功地把我从日常的琐碎中抽离出来，带入到一个充满创造力的世界。对于那些注重阅读体验和工具书质感的读者来说，单凭这精心设计的装帧和排版，这本书就已经值回票价了。它给我的第一印象是：专业、沉稳、有品位。

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说实话，我本来对软件的“本地化”版本教程持保留态度的，总觉得翻译过来的术语会显得生硬或者不专业。然而，这本书在术语的处理上做到了出乎意料的自然和贴切。它没有一味地追求直译，而是结合了国内数字艺术圈的通用表达习惯，使得那些原本可能晦涩难懂的专业名词，读起来朗朗上口，毫无违和感。更让我惊喜的是，它对界面布局和快捷键的描述，完全是针对中文界面的实际情况进行的优化。我曾经尝试去看一些国外的英文教程，光是对应菜单栏的位置就能耗费大量时间，而这本书直接提供了精准的中文指引，大大提高了学习效率。这种对目标读者群体使用习惯的深度洞察，体现了编撰团队的专业和用心。它让我感觉，作者仿佛就坐在我的旁边，用最符合我语言习惯的方式，耐心地指导我每一步操作，完全消除了跨文化学习软件的障碍感。

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我真正开始深入阅读后，立刻被作者那种庖丁解牛般的讲解方式所折服。很多教程书籍往往是堆砌功能点，看完后依然觉得云里雾里，但这本书不一样，它非常注重“为什么”和“如何构建体系”。比如，它讲解图层混合模式的时候，不是简单地罗列出“叠加”、“柔光”这些词汇，而是结合具体的绘画场景，比如如何用“正片叠底”模拟油画的厚重感，或者如何用“滤色”来表现清晨的薄雾效果。这种以应用驱动的教学方法，极大地缩短了我从理论到实践的距离。我记得有一次尝试用书中的“光影处理”章节来修改一张我自己的风景画，原本觉得很棘手的反光和阴影，通过作者引导的几个关键笔刷和调整层的组合，竟然轻松地得到了我想要的那种立体感。它没有把我当成一个完全的新手，而是假设读者具备一定的基础审美，然后一步步将软件的复杂功能，巧妙地融入到艺术创作的流程之中。这种由内而外的讲解逻辑，让我感觉自己不是在学习一个工具，而是在磨练一种新的绘画思维。

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从内容编排的整体节奏感来看，这本书的作者无疑是一位经验丰富的教学设计师。它采用了一种非常科学的“螺旋上升”结构。一开始用极其简化的案例建立信心，然后逐渐引入复杂的概念，但每当引入新概念时，都会巧妙地回顾和引用之前学过的知识点来加以巩固。举个例子，在讲解复杂的色彩空间管理时，它会穿插一些关于“基础透视阴影”的练习，确保读者的手感和思维不至于因为过于抽象的理论而僵硬。这种交替训练的方式，保证了学习的连贯性和趣味性。我甚至发现，即便是我已经熟练掌握的某些基础技巧，通过这本书的重新审视，也发现了自己过去思维上的盲点和可以优化的地方。它不是一本让你“速成”的书，而是一本陪伴你长期成长的工具书，每次重读都能有新的领悟。这种经得起反复推敲的结构和深度，是衡量一本优秀技术书籍的核心标准，这本书无疑做到了这一点，它更像是一个可以信赖的艺术导师。

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这本书的进阶内容处理得相当有深度，完全不是市面上那些只停留在基础绘画流程的书籍可以比拟的。特别是关于“自定义笔刷的哲学”那一章，简直是醍醐灌顶。作者详尽地分析了不同笔尖形状、纹理、动态设置如何共同作用于笔触的“个性表达”，甚至还分享了如何根据不同的纸张材质来设计笔刷来模拟其吸墨特性。我过去只是随便拖拽参数，现在明白了每一个数值背后都隐藏着对真实世界媒介特性的模拟。看完那部分内容，我立刻打开软件，花了一个下午的时间，重新校准和创建了我自己的“水彩晕染”笔刷组，效果立竿见影，那种笔触的自然流动感，比我之前盲目摸索出来的要真实太多了。对于已经掌握了基本操作，渴望突破瓶颈、追求个人独特风格的进阶画师来说，这本书提供了足够多的“金钥匙”，去开启更深层次的创作可能性。

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