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出版者:藝術圖書

作者:伍揖青

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997年06月01日

价格:NT$ 480

装帧:

isbn号码:9789576722639

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图书标签:

• 工笔
• 工笔画
• 荷花
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《工笔画荷》 一、 笔尖上的绽放：荷花的艺术意境与生命律动 本书并非一本简单的绘画技法教程，而是一次深入的艺术探索，一次对中国传统工笔画精神的再挖掘，更是一场对“荷”这一神圣意象的生命礼赞。我们试图通过工笔画这一细腻入微的艺术形式，去捕捉荷花在不同时节、不同光影下的万千姿态，去解读它所蕴含的东方哲学与人文情怀。 荷花，自古以来便是中国文人墨客笔下的常客，其“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的品格，早已深深烙印在中国人的精神图谱之中。它象征着高洁、纯净、坚韧与生命力，是连接自然与人文、现实与精神的重要载体。本书正是从这一精神内核出发，以工笔画的独特语言，尝试去呈现荷花超越形体的精神之美。 在内容上，本书将聚焦于工笔画在表现荷花时的独特魅力。工笔画以其严谨的勾勒、细腻的设色，能够极致地展现物体的质感、光泽和纹理，而荷花，无论是其饱满的花瓣、挺拔的茎叶，还是晶莹的露珠，都为工笔画提供了绝佳的挥洒空间。我们将深入剖析工笔画的“勾、勒、点、染、皴、擦”等基本技法，但更侧重于如何在运用这些技法时，融入对荷花生命律动的深刻理解。 例如，在勾勒花瓣的轮廓时，我们不会仅仅停留在表面的形态，而是要通过线条的粗细、缓急、顿挫，去表现花瓣的舒展与收敛，去暗示花瓣内部的脉络与肌理。在设色方面，本书将不拘泥于写实的色彩还原，而是引导读者去理解色彩在中国传统绘画中的象征意义和情感表达功能。淡雅的青绿色调可以烘托出荷花的清丽脱俗，浓郁的粉色可以表现出盛放时的热情奔放，而点睛的朱红或金黄，则能为画面增添一抹灵动与活力。 本书还将探讨工笔画在表现荷花时，如何运用“虚实相生”、“意境营造”等中国画的传统美学理念。一池残荷，一片疏影，一抹月光，都可能成为触发观者无限遐思的载体。我们不追求画面的“大而全”，而是力求在“少”与“精”中，传递出丰富的情感和深刻的哲理。通过留白的处理、墨色的浓淡变化，以及构图的巧妙安排，让观者在欣赏画作的同时，也能感受到画外之意，品味到荷花的禅意与诗意。 我们相信，艺术的价值不仅在于技法的娴熟，更在于创作者对生命、对自然的敬畏与热爱。本书旨在唤醒读者心中那份对美好事物的敏感与感知，鼓励大家用画笔去记录生活中的点滴美好，去抒发内心的情感，去体悟生命的真谛。 二、 窥探光影的私语：工笔画技法与荷花意象的交融 本书的核心在于深度挖掘工笔画在表现“荷”这一主题时的独特潜力，并非是浅尝辄止的技法罗列，而是将绘画语言与荷花所承载的文化意蕴紧密结合。我们并非要教授一套僵化的“画荷秘籍”，而是邀请读者一同踏上一场关于观察、理解、再创作的艺术旅程。 首先，在“勾”的层面，本书将引导读者超越对荷花外形简单模仿的窠臼。我们强调线条的“骨力”与“神韵”。以花瓣为例，其饱满程度、边缘的卷曲、花蕊的形态，都需要通过精炼的线条来准确传达。例如，画一片含苞待放的花蕾，线条要含蓄而有力，暗示着内部孕育的生机；而画一朵盛开的荷花，线条则可以舒展而灵动，展现出蓬勃的生命力。同时，我们还会探讨不同画笔、不同墨色在勾勒时所产生的不同质感，例如用浓墨勾勒荷叶的筋络，以显其坚韧；用淡墨勾勒荷瓣的边缘，以示其轻盈。 “勒”作为工笔画的重要技法，在表现荷花时尤为关键。它要求画家在勾勒的基础上，通过墨或色的叠加，加深层次，突出体积感。对于荷叶的饱满程度、花瓣的厚度，以及茎秆的硬度，都可以通过“勒”的技法来淋漓尽致地表现。例如，一片肥厚的荷叶，可以通过层层晕染，使其表面光泽和纹理清晰可见；一根挺拔的荷梗，则可以通过“勒”出其垂直向上的力量感。本书将通过大量的实例分析，展示如何在不同部位运用“勒”法，以达到写实与写意相结合的效果。 “点”与“染”，是工笔画色彩运用的灵魂。对于荷花，其色彩的微妙变化是表现其生命力的关键。我们不局限于单一的颜色，而是要深入理解不同颜色在表现荷花时的情感指向。例如，淡淡的粉色可以表现出少女般的娇羞与纯洁，而浓郁的朱砂红则可以赋予荷花热烈与奔放的气质。本书将重点介绍如何运用“点染”技法，来表现花瓣的层次感、花蕊的精致，以及露珠的晶莹剔透。例如，在花瓣的受光面，可以用浅淡的颜色轻轻点染，营造出肌肤般的光泽；在背光处，则可以运用较深的颜色，来表现其体积感和阴影。 “皴”与“擦”，在表现荷花时，更多地体现在对荷叶、荷梗以及荷叶上的水珠、泥土等细节的处理上。虽然工笔画以“细”著称，但通过适当的“皴擦”，也能为画面增添生动感与质感。例如，表现荷叶上的脉络，可以用细小的皴法；表现荷梗的粗糙，可以用墨或色的擦染来呈现。本书将引导读者如何巧妙运用这些技法，在细腻中不失灵动，在写实中融入意趣。 更重要的是，本书将强调“技法为意境服务”的理念。我们不是在教你如何“画得像”，而是在引导你如何“画得有灵魂”。荷花的精神，在于它的“出淤泥而不染”，在于它的“濯清涟而不妖”。在创作过程中，如何通过构图、留白、色彩的搭配，来传递这种精神？例如，画一池盛开的荷花，可以构图饱满，色彩鲜艳，展现其繁盛之美；而画一两支残荷，在秋风中摇曳，则可以运用淡雅的色彩，疏朗的构图，来营造一种孤寂而坚韧的意境。 本书将打破“传统技法陈旧”的刻板印象，力图在传统工笔画的框架下，融入现代人的审美情趣和艺术观念。我们鼓励读者在掌握基本技法的同时，大胆尝试，在笔墨间寻找属于自己的情感表达与艺术语言。最终，希望本书能成为读者通往工笔画世界的一扇窗，一扇能让你看见荷花生命之美，感受笔墨丹青之魅的窗。 三、 东方韵致的低语：工笔画与荷花在文化深处的共鸣 本书不仅是一本关于绘画技法的书籍，更是一次对中国传统文化精神的深入解读，尤其聚焦于“荷花”这一经典意象在中国艺术语境中的多重意象。我们希望通过工笔画这一极致细腻的艺术语言，去触碰荷花在东方文化深处的共鸣，去探寻它如何承载着哲学思考、人生感悟与审美情趣。 荷花在中国文化中，拥有极其崇高的地位。它不仅仅是一种植物，更是一种精神象征。自古以来，文人墨客便赋予荷花“高洁”、“纯净”、“君子”、“吉祥”等丰富内涵。本书将深入探讨这些文化符号在工笔画荷花作品中的体现。例如，“出淤泥而不染”的品格，在工笔画中可以通过对荷叶叶面层层晕染，表现其质感，以及叶片上水珠的晶莹剔透，来暗示其不沾染污泥的特性。而“濯清涟而不妖”的姿态，则可以通过线条的勾勒，表现花瓣的舒展与微妙的卷曲，以及整体画面的淡雅与宁静。 我们将引导读者去理解，工笔画并非仅仅是机械的模仿，而是一种“意”的表达。在描绘荷花时，画家需要调动自己的情感，将对荷花品格的理解融入笔端。例如，画一片即将凋零的荷叶，可以通过叶片上细微的裂痕、斑驳的色彩，来传递一种生命轮回的沧桑感；而画一朵即将盛开的荷苞，则可以通过含蓄的笔触，暗示其积蓄的力量和即将绽放的喜悦。这种“寓情于景”的创作方式，是工笔画表现荷花时独特的美学魅力所在。 本书将不仅仅停留在对具象荷花的描绘，还会深入探讨“意境”的营造。在中国画中，“意境”是画作的灵魂，是观者在欣赏画面时所获得的整体感受和联想。对于工笔画荷花，如何通过构图、色彩、墨色、留白等元素，来营造出不同的意境？例如，一池水面，几片荷叶，一抹月光，都可以构成一幅宁静致远的画面，引发观者对生命、对时光的沉思。本书将通过剖析历代优秀工笔画荷花作品，来阐释如何在创作中把握“意境”，让画面不仅有视觉的冲击力，更有精神的感染力。 此外，本书还将触及工笔画与中国传统哲学思想的关联。荷花所象征的“中庸之道”，在于其不偏不倚，恰到好处的姿态；其“生生不息”的精神，与道家“道法自然”的思想不谋而合；其“清净无为”的品格，则与佛教的“空”与“净”有着异曲同工之妙。在工笔画的表现中，如何通过笔墨的运用，去体现这些深邃的哲学理念？例如，通过对荷叶脉络的清晰勾勒，可以体现生命的秩序与规律；通过对荷花色彩的淡雅处理，可以营造一种超然物外的宁静感。 本书的价值，在于它能够帮助读者更深入地理解工笔画作为一种艺术形式，所承载的深厚文化底蕴，以及荷花作为一种艺术意象，所蕴含的丰富象征意义。我们希望通过对工笔画荷花的解读，能够让读者感受到东方艺术的独特魅力，体会到中国传统文化中那份含蓄、内敛、而又意蕴深远的东方韵致。这是一种跨越时空的低语，是对生命、对自然、对人生的永恒追问与礼赞。

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坦白说，市面上很多工笔画教程都显得过于程式化，生怕教得太细会“断了别人的财路”，总会藏着掖着。但《工笔画荷》在“材料选择与处理”这一块，展现出了极大的坦诚和专业度。它细致地对比了不同产地的绢和皮纸在吸水性和着色后的光泽差异，甚至连使用不同硬度毛笔（如狼毫、兼毫）在勾线时对线条粗细的控制效果都有实际案例展示。更实用的是，书中专门辟了一个章节来讲解如何处理常见的“晕染不均”和“色彩发灰”的问题，并提供了针对性的补救措施。这说明作者不仅自己技艺精湛，更站在一个真正想让读者进步的立场上去编写内容。这种对实践中常见“疑难杂症”的预判和解答，使得这本书在实际操作层面上的参考价值极高，几乎可以作为画室里的工具手册来使用。

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这本《工笔画荷》的装帧设计简直是一次视觉上的享受。初翻开时，那种厚实、带有纹理感的纸张触感就让人心生欢喜，仿佛能感受到画家在描绘每一片荷叶时的专注与耐心。装帧的颜色选择了沉稳的墨绿与雅致的米白作为主调，与荷花的清雅气质完美契合。最值得称赞的是那些高清的局部特写，无论是露珠滚落在花瓣边缘的晶莹剔透，还是花蕊中细微的金色纹路，都展现出了令人惊叹的细节还原度。光影的处理尤其到位，作者似乎懂得如何用最精妙的笔触去捕捉阳光穿透层层叠叠的荷叶时，那种既朦胧又分明的层次感。我甚至能想象出画家在放大镜下，一丝不苟地勾勒出每一根荷筋的精细过程。这种对“精”的极致追求，让初学者能清晰地看到古代或现代工笔大家是如何通过线稿的力度和墨色的晕染来构建出三维立体感的。它不仅仅是一本画册，更像是一本关于材料美学和视觉传达的教科书，让人在欣赏之余，对艺术创作中的“物料哲学”有了更深的体悟。

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这本书的内容编排逻辑非常清晰，它没有陷入那种堆砌作品的俗套，而是采取了一种循序渐进的教学引导模式。开篇从“白描起稿”的基础功讲解开始，对不同姿态荷花的骨骼结构进行了细致的解剖，这对于我这种对工笔画形体把握感到吃力的读者来说，简直是雪中送炭。作者没有用过于晦涩的术语，而是用大量对比图，比如“瘦骨”、“丰腴”等形象的词汇来描述线条的变化，让人能立刻领会到“意在笔先”的含义。尤其让我眼前一亮的是关于“分染”和“罩染”部分的阐述。书中用多张彩色的步骤图展示了如何层层叠加颜色来表现荷叶的枯荣变化，从最淡的底色到最终的提亮，每一步的用色比例和铺陈方式都标注得清清楚楚。这种详尽到近乎“手把手”的教学，极大地降低了学习工笔画的门槛，让我这个自学爱好者也能充满信心地去尝试那些以往认为只有科班出身才能掌握的技法。

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阅读完这本书，我最大的感受是它成功地将传统工笔画的“静”与荷花的“生命力”进行了完美的结合。这不是那种只有冰冷技巧的技法书，它字里行间透露着一种对自然的敬畏和对生命周期的深刻理解。在介绍“设色”的部分，作者着重探讨了不同季节下荷花的色彩哲学，比如盛夏荷花的浓烈与秋日残荷的苍茫，如何通过赭石、花青和胭脂的微妙调和来体现时间的流逝感。我特别喜欢其中一篇关于“墨分五色”在描绘荷梗上的应用，它通过对干、湿、浓、淡的墨色控制，成功地表现出了荷梗上细微绒毛的质感和被水浸润后的微光，那种“不着痕迹却无所不包”的境界，着实让人回味再三。这种对意境的追求，让这本书超越了一般的技法指南，上升到了艺术审美的高度，引导读者去思考：画荷，究竟是在画形，还是在写心？

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这本画集给我的审美冲击是多层次的。它不像某些教程那样只关注“如何画得像”，而是深入探讨了“如何画得出神”。书中收录的历代名家荷花作品赏析部分，并非简单的罗列，而是配以深入的评论，比如对宋代院体画的严谨细腻与明清文人画的洒脱灵动进行了对比分析。通过这些对比，我开始理解为什么同样的题材，在不同时代、不同画家的笔下会呈现出截然不同的气韵。作者通过对这些范画的精妙解读，潜移默化地培养读者的鉴赏能力，让人在学习技法的同时，也建立起自己的审美坐标系。这种将“技”与“道”相结合的叙事方式，让人读来津津有味，仿佛完成了一次穿越时空的艺术对话。合上书本时，总有一种被高级审美熏陶过的满足感，它不仅教会了我如何用笔墨描绘荷花，更教会了我如何用更诗意的目光去观察自然。

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