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出版者:三民

作者:李澤厚

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:1997年04月03日

价格:NT$ 220

装帧:平装

isbn号码:9789571422787

丛书系列:

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翰墨丹青：宋代文人画的审美变迁与时代精神 内容提要： 本书深入剖析了宋代（960-1279年）文人画兴起与发展的历史脉络及其深远影响。着重探讨了士大夫阶层如何从职业画家的技术层面转向对“意趣”和“格调”的追求，并最终确立了水墨写意为主导的艺术范式。通过对代表性画家如董源、巨然、李成、范宽、郭熙，以及后期的李唐、刘松年、马远、夏圭等人的作品进行细致的图像学分析，本书揭示了宋代哲学思想（尤其是理学和禅宗）如何渗透到山水画的笔墨语言中，使其成为承载个体精神境界与宇宙观的载体。此外，本书还考察了宋代士人对前代（如唐代“画工”传统）的继承与批判，以及院体画与文人画之间既竞争又相互影响的复杂关系。最终，本书旨在阐释宋代文人画如何为后世中国艺术的“文人化”发展奠定了坚实的理论基础与实践典范。 --- 第一章：北宋的奠基：从“写实”到“写意”的观念转型 宋代是中国艺术史上一个关键的转折点。在政治上，宋朝的重文抑武政策，使得知识分子群体（士大夫）的社会地位空前提高。这一阶层的审美趣味，逐渐成为艺术创作的主流导向。 1.1 审美语境的重塑：从技法到气韵 在唐代，绘画的首要标准是“格物致知”，强调对自然物象的精确描摹，即“形似”。然而，进入北宋，随着儒释道三家思想的交融，士人们开始质疑单纯的写实能否触及事物的“本质”。苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊；论画以神似，则升堂入室矣”成为标志性的理论宣言。 “神似”并非否定“形似”，而是要求画家通过对物象的提炼与选择，表达出画家胸中的“逸气”与“意趣”。山水画，作为最能体现宇宙秩序和个体心境的画科，首当其冲地经历了这场变革。董源和巨然，作为“江南山水”的开创者，在笔墨上已显现出对程式化描绘的超越。他们着重于用湿润、浑厚的笔墨表现江南丘陵的温润与厚重，尤其“披麻皴”的运用，不再是单纯的描绘苔藓或植被，而成为一种表达土地生命力的独特语言。 1.2 巨碑式山水与“可行、可望、可游、可居” 北宋前期，以李成、范宽为代表的北方山水画，呈现出宏大叙事和近乎宗教般的庄严感。李成的“寒林、平远、气韵”被后世奉为圭臬。而范宽的《溪山行旅图》，以其“如在堂前”的气势和对北方山势的力度表现，达到了古代山水画的巅峰。 这些巨碑式的作品，其功能性超越了单纯的观赏。士人将对山水的热爱，升华为一种对理想家园的构建。它不仅是眼前的景色，更是“可行、可望、可游、可居”的精神避难所。在冗杂的政务和人际倾轧中，山水画成为他们寄托“归隐情结”的媒介。范宽处理山石的密不透风与雄伟磅礴，正体现了士人面对乱世时，既要坚守自身立场（如山石的坚硬），又要保持超脱（如云雾的流动）的复杂心态。 1.3 郭熙的理论建树：从“可游”到“可居” 郭熙，作为北宋晚期理论与实践结合的典范，他的《林泉高致》将文人画的理论系统化、理论化。他强调“画者，易也”，主张画作应具有多重视角，即“三远法”（高远、深远、平远）。这种理论突破了单一视点的限制，允许观者在二维平面上体验三维空间中的游历感。郭熙作品中的“卷舒开合”，充满了动态的生命力，表明此时的文人画已不再满足于描摹静态的自然，而是追求捕捉自然内在的“生意”。 --- 第二章：院体画的盛极与“格律”的束缚 与文人画的“意趣”并进的，是宋徽宗时期登峰造极的“翰林图画院”体系。院体画代表了高度成熟的职业技能和对“理”的极致探索。 2.1 徽宗的“院训”与“格物”的终极实现 宋徽宗赵佶对绘画的偏爱，直接导致了院体画在技法上的精益求精。他制定的“院训”，如“卧之则泉石生，立之则草木出”，要求画家对自然界的物理规律有深刻理解。院体画家如张择端（风俗画的代表）和赵佶本人的花鸟画，在设色、晕染、细节刻画上，达到了后人难以企及的高度。 然而，这种对“格律”的强调，也带来了局限性。院体画追求的是一种被认可的、可量化的“标准美”。它更注重“形似”的极致，即便有“意”，也必须服从于院中既定的规范。这种对规范的过度依赖，使得院体画在士大夫眼中，逐渐流于匠气，缺乏独立人格的表达。 2.2 院体与文人画的张力 北宋中后期，院体画和文人画之间存在着一种微妙的张力。院体画家是掌握“语言”的工匠，他们能用最精致的笔墨描绘出所有自然现象；而文人画家则致力于创造一种属于自己的“方言”，一种能直接抒发性情的笔墨。 李唐、刘松年等在宣和（徽宗年号）时期受过院体的训练，但南渡后，他们开始转向更具文人趣味的笔墨探索。他们吸收了院体的结构严谨性，但摒弃了其过于细致的描摹，开始使用简化的笔法和更具表现力的皴法，为南宋的文人画转型做了技术上的铺垫。 --- 第三章：南渡之后：水墨写意的精神流露与“意境”的深化 靖康之变（1127年）将宋朝一分为二，南迁的士人将北方的文化基因与江南的温润气质相结合，催生了南宋院体与文人画的相互融合与蜕变。 3.1 院体画的“写意化”倾向 南宋的院体画，不再强调北宋的磅礴气势，而是转向对局部景物的精微捕捉和意境的营造，史称“院体便雅”。马远和夏圭是这一时期的代表。他们的作品常出现“一角”、“半边”的构图，空间大量留白，使得观者的想象力得以充分发挥。 马远的“马一角”和夏圭的“夏半边”，是处理空间艺术的革命。这种“计白当黑”的手法，并非是技法的缺失，而是对“虚”的强调。这种虚空感，与禅宗思想中“空”的概念不谋而合，让画面获得了无限的延展性和哲理的深度。它意味着，真正的美，存在于被描绘之物与未被描绘之物之间的微妙平衡之中。 3.2 文人画的独立与“墨戏”的兴起 在南方，以苏轼、米芾为代表的文人画精神得到了继承和发展。米芾“刷色”的技法，以及他强调作画如同“信手偶得”的态度，进一步将绘画从描绘对象的束缚中解放出来。 南宋的文人画，更直接地与“逸品”观念挂钩。他们的重点在于“用笔”，笔墨不再是描绘物象的工具，而成为表达画家“性情”本身。点苔、用墨的浓淡干湿，都直接反映了画家的心境起伏。这标志着中国绘画正式从“技艺”向“人格修养”的最高范畴迈进，为元代赵孟頫及其后的“四王”等水墨文人画体系的全面确立，打下了不可磨灭的基础。 --- 结语：宋代艺术的文化遗产 宋代文人画的兴衰，是中国士人阶层审美趣味从外在转向内在，从“事功”转向“心性”的清晰体现。它不仅确立了水墨写意在中国艺术史上的主体地位，更重要的是，它提供了一种理解世界的方式——即通过对自然形式的提炼与重构，来映照人自身的精神秩序与道德追求。 本书通过对这一历史时期的细致梳理，意在展现宋代艺术家们如何在动荡的时代背景下，通过笔墨语言，构建了一个永恒的、充满哲思的艺术世界。本书所探讨的，是关于“如何看”以及“为何而画”的根本性探索。

评分☆☆☆☆☆

相应的古文化背景积累不深，前些章节的体会都停留在抽象的朦胧的“定界限”的过程中，本书看到第五章时才觉意犹未尽，作者将前面详述的儒、道、屈、佛四者进行比对，从宏观上把握的更清晰了。这本书还需要再积累和再读，需要一些实践的例证和推敲。总的来说，收获颇深，对以儒...  

评分☆☆☆☆☆

The unadulterated Confusianism is the religion for Chinese, the rescue for humanity, heal for crowd disorder, and cure for Anomie.

评分☆☆☆☆☆

有人说，看了李泽厚的第一本书，就要抽鸦片似的要把他其他的书都看完。我就是中了毒了，目前为止，已经买了他6本了。 这本书是收藏版本，也是天津社科院出版的。铜版纸彩图版，巨贵，花了我52大洋，心痛！可惜配套的《美学四讲》，一直缺货！ 看完以后，觉得52块钱非常不值得...  

评分☆☆☆☆☆

中国人读它真的能够看到很多潜藏于个性深处的东西。不知道是不是我底子太薄弱，看完一遍，很多东西还不能了然。 虽然力荐此书，但是感觉对于学生来说还不太适合，并不是学生无法看懂，而是怕观者无法领会。只有对于民族风趣有所了解，抑或经常自省其身的人观看此书才会有所体会...  

评分☆☆☆☆☆

张艺谋导演的奥运会开幕式，总体是比较成功和受欢迎的，它将中华民族文明史和中国人的情理结构形象的展示给世人，不管是导演还是幕后的学术团队，没有哲学思考是完不成的。 开幕式上展示的远古的礼乐、孔门的人道，以及天人合一点燃圣火等等都建立在一种非经验科学的心理结构...  

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排着实让我有些意外，它并非按照传统的“历史脉络”或“流派划分”来组织内容，反而更像是一场由作者主导的、充满灵感的漫游。他总能在看似不相关的两个概念之间，搭建起一座逻辑清晰又令人拍案叫绝的桥梁。比如，他能从园林布局的虚实相生，跳跃到书法笔墨的浓淡干湿，再引申到中医的阴阳平衡，这种跨界思考的能力，极大地拓展了读者的思维边界。我尤其欣赏作者在论述中展现出的那种“旁征博引”却又“主线不乱”的功力。他引用的典故或文献，无一不是恰到好处，如同精心挑选的宝石镶嵌在论述的锦缎之上，让整个文本显得既丰盈又灵动。对于我这样对外来知识体系习惯了条分缕析的人来说，这种充满生命力的、有机生长的叙事方式，提供了一种耳目一新的阅读体验，让人在不知不觉中吸收了大量的知识，却没有感到任何压力。

评分☆☆☆☆☆

这本书读下来，感觉作者的笔触非常细腻，对传统文化的理解深刻而独到。他不像那种故作高深的理论家，而是用一种非常接地气，甚至可以说是带着点烟火气的方式，去剖析那些看似遥远的概念。我记得书中有一段讲到器物之美，作者没有停留在对材质、工艺的简单描述，而是深入挖掘了这些物件在历史长河中承载的情感和记忆。比如他对一件宋代瓷器的描述，不仅仅是釉色的变化，更是对当时文人雅士生活情趣的精准捕捉。读到那里，我仿佛能闻到空气中淡淡的墨香，看到阳光洒在青瓷上的温润光泽。这种将抽象的美学概念与具体的生活场景紧密结合的能力，是这本书最吸引我的地方。它不是一本让你读完后只能背诵几个术语的教科书，而是一本能真正触动你内心，让你重新审视日常生活中那些被忽略的细节之美的指南。作者的文字带着一种温润的节奏感，读起来让人心平气和，非常适合在快节奏的生活中，找一个安静的下午，慢慢品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是，它并没有将传统美学束之高阁，塑造成一个遥不可及的殿堂，而是充满了强烈的现实关怀。作者一直在探讨，如何在当代社会，在钢筋水泥的丛林中，重新找回那种被现代性冲散了的和谐感与秩序感。他谈到了光影在现代建筑中的应用，如何借鉴古人的造园手法来优化居住环境；他也分析了现代设计中的“留白”现象，并将其与东方哲学中的“虚空生万物”进行对话。这使得全书的讨论不再是“考古学”式的回顾，而是一种“未来学”式的探索。阅读过程中，我多次停下来，望向窗外，开始用书中提供的新的视角去审视周围的世界。这种将古老的智慧转化为解决当下问题的工具的能力，让这本书的价值远远超出了单纯的学术探讨，它具有强烈的实践指导意义，让人读完后充满了一种改造现实的冲动和信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者展现了一种罕见的“谦逊的自信”。他并非试图用这套美学体系去批判一切西方观念，或者宣扬某种文化优越性，而是以一种极其开放和包容的心态去迎接对话。在论述中，他时常会引入西方艺术史或哲学中的概念进行对比参照，例如他会讨论康德的审美判断与中国古代“意境”的异同。这种跨文化的对话姿态，使得整本书的视野非常开阔，避免了陷入狭隘的“文化孤岛”的危险。他引导我们思考的，是如何在全球化的背景下，提炼出那些具有普适性的人类共通的情感和审美经验，并以我们自己的文化语言将其表达出来。这种既扎根本土又面向世界的胸襟，让这本书读起来非常舒展、大气，让人心悦诚服，因为它提供的不是答案，而是一套可以用来探索更深层问题的思考框架。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的文字密度非常高，初读时需要放慢速度，甚至需要反复咀嚼每一句话的含义。作者的词汇量和遣词造句的精准度，显示出其深厚的文学功底。他善用长句，但这些长句并非堆砌辞藻的矫饰，而是承载着多重含义和细腻转折的精密结构。在阐述一些复杂的哲学观点时，他总能找到那个最贴切、最富有画面感的词语来捕捉其精髓。举个例子，书中对“气韵”的描绘，没有落入空泛的赞美，而是通过一系列精确的动词和形容词，勾勒出一种动态的、流动的生命力。这要求读者必须全神贯注，去体会每一个字眼背后的重量。尽管初读有挑战性，但坚持下来后，收获是巨大的——它极大地提升了我对语言的敏感度，让我开始重新审视自己日常表达的贫瘠，这本书简直像是一场对中文表达能力的高强度训练。

评分☆☆☆☆☆

閱於2019年10月5日

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建議先讀李澤厚的「美的歷程」作為基礎

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建議先讀李澤厚的「美的歷程」作為基礎

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閱於2019年10月5日