中國結藝60變 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:手藝家

作者:林榮豐

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998年12月01日

价格:NT$ 250

装帧:

isbn号码:9789579816748

丛书系列:

图书标签:

• 中国结
• 手工编织
• 传统工艺
• 装饰
• 礼品
• DIY
• 文化
• 艺术
• 编结
• 民俗

敦煌艺术的千年回响：从壁画到现代设计的视觉旅程 一书简介： 本书并非聚焦于传统手工艺的繁复技巧，而是深入探讨了中国敦煌莫高窟壁画中蕴含的丰富艺术语言及其对当代设计思潮产生的深刻影响。这是一场穿越千年的视觉对话，旨在揭示敦煌艺术如何超越宗教叙事，成为构建现代审美体系的重要基石。 第一部分：色彩的秘境——敦煌壁画的颜料密码与象征体系 本章首先带领读者走入敦煌石窟的幽深洞窟，不再仅仅关注壁画描绘的佛本生故事或经变画的宏大场景，而是将焦点精确地投射到那些色彩的微观世界。敦煌壁画的色彩并非随意调配，而是遵循着一套严谨而富有象征意义的“颜料密码”。 我们将详细剖析敦煌艺术中标志性的“石青”、“石绿”的矿物来源、研磨工艺，以及它们在不同朝代（如北魏的粗犷、盛唐的绚烂、五代的细腻）中的使用频率和情感投射。例如，石青的深邃常用于表现佛陀的超凡脱俗，而朱砂的饱和则烘托出天宫的庄严与世俗的繁华。 更进一步，本书探讨了这些色彩在文化语境下的意义转换。从印度佛教传入的色彩体系，到本土化过程中融入的道家五行观念，敦煌的用色实际上是不同文明在丝绸之路上交汇碰撞的视觉记录。我们分析了唐代“三色晕染法”如何赋予人物肌肤以生命力，以及晚唐对“冷暖对比”的熟练运用，这些技法对后世宋元绘画乃至欧洲文艺复兴早期对光影的理解，都提供了值得深思的参照点。 第二部分：线条的叙事学——动势、韵律与空间构建 敦煌壁画的精髓很大程度上依赖于其线条。本书将线条视为一种独立的叙事语言，而非仅仅是描绘轮廓的工具。我们摒弃对人物“美丑”的传统评判，转而关注线条的“动势”和“韵律”。 敦煌的飞天是线条艺术的巅峰代表。本书通过对飞天飘带的形态分析，梳理出从早期“S”形、螺旋式上升的动感，到盛唐“一任自然”的舒展、飘逸的风格演变。这种飘带的动态，不仅表现了飞翔的姿态，更是对宇宙间气韵流动的抽象表达。我们将这些线条的运用与中国传统书法中的“笔意”进行对比研究，发现两者在“提按顿挫”中追求的内在精神高度一致。 此外，本书对敦煌壁画中场景的空间处理进行了深入探讨。不同于西方严格的焦点透视法，敦煌的“散点透视”和“平行透视”如何有效地在有限的洞窟墙面上，构建出宏大而多层次的叙事空间？我们详细解析了“重叠法”、“大小对比法”在表现佛国净土的无限广阔感上的巧妙之处，为当代空间设计和展览陈列提供了非欧几里得几何学意义上的视觉启示。 第三部分：纹样的复兴——从装饰母题到当代平面设计 敦煌艺术留给后世的另一宝贵遗产，是其庞大且精妙的装饰纹样库。本书的第三部分着重于梳理这些纹样如何从宗教载体中解放出来，成为现代设计中可供提取的视觉元素。 我们系统地分类和解读了敦煌艺术中的主要纹样类型：如缠枝莲（寓意生命力的不竭）、宝相花（异域美学的融合）、水波纹（对自然元素的抽象提炼）以及几何连续纹（具有极强的秩序感和韵律感）。 重点在于分析这些纹样在不同时期的“变异性”。例如，唐代的宝相花雍容华贵，到了宋代和西夏时期，它如何被“图案化”、“符号化”，变得更加精致和平面化？这种从“具象描绘”到“抽象符号”的转变，恰恰是现代极简主义设计思想的先声。 本书邀请了数位当代平面设计师、服装设计师和产品设计师，通过案例分析，展示如何将敦煌纹样的核心“肌理”和“结构”提取出来，应用于现代包装设计、UI界面布局、乃至建筑外立面的肌理处理上。这表明，敦煌艺术并非尘封的历史遗迹，而是可以随时激活的、具有强大生命力的视觉语汇库。 第四部分：数字化重构——敦煌视觉体验的新维度 在信息技术高速发展的今天，我们如何利用新技术手段，让敦煌的视觉遗产获得更广阔的传播和应用空间？本书最后一部分将目光投向数字化复原与互动体验。 我们探讨了高精度三维扫描技术如何捕捉壁画的微观肌理和色彩衰变过程，为艺术史研究提供了新的工具。同时，本书也审视了沉浸式数字艺术装置如何通过光影投射和声音设计，重现壁画原有的洞窟环境体验，弥补了传统二维图像展示的局限性。 最终，本书试图回答一个核心问题：敦煌艺术的“精神”与“形式”如何能在不失其文化根基的前提下，与我们当下的生活美学产生最有效的共振？这不是一本关于如何临摹的工具书，而是一部关于如何“理解”和“转化”中国古代视觉智慧的深度导览。通过对色彩、线条、纹样的系统剖析，我们得以窥见中华文明在丝绸之路上所达成的、令人叹为观止的艺术成就，及其对未来设计趋势的持久指导意义。

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读完这本关于中国结艺的著作，我最大的感受是它在文化传承和现代审美之间的拿捏得恰到好处。市面上很多传统手工艺书籍往往过于沉闷，要么是年代久远的拓本复刻，内容陈旧，要么就是为了迎合潮流而过度简化，失了精髓。但这本书的编排显然是经过深思熟虑的。它开篇并没有急着展示那些令人眼花缭乱的复杂结饰，而是花了大篇幅介绍了不同绳材的特性、染色工艺的历史渊源以及不同结饰在古代礼仪中的象征意义。这让我明白，编结不仅仅是物理上的穿插缠绕，它承载着深厚的文化符号——比如“万字结”的寓意、“绶带结”的祝福。我印象特别深刻的是其中对“吉祥结”的解析，它不仅仅展示了如何编，还详细说明了在不同场合使用不同数量的绳股所代表的细微差别。这种对细节的尊重，让每一个作品都像是被赋予了灵魂。虽然我不是专业人士，但阅读这本书的过程，就像是与一位技艺精湛的匠人进行了一次深入的对话，它让我对这门古老的艺术产生了更深层次的敬意，也激发了我尝试用更具现代感的色彩和材质去重新演绎这些经典款式的冲动。

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坦率地说，我期待这本书能提供更多关于“空间结构”的解析。我对三维物体的构建一直很感兴趣，尤其是那些可以形成立体造型的盘扣和流苏的连接部分。这本书的图示在二维平面上的表现力毋庸置疑，对于初学者来说，每一步都清晰可见。然而，当我尝试将某些复杂的结体（比如某些用于制作灯笼或屏风的环形结构）从纸面上“提取”到实际操作中时，我发现自己还是有些吃力。我希望书中能够加入更多关于“张力平衡”和“受力点”的分析。例如，当一个结需要承受一定的重量，或者需要保持一个完美的圆形弧度时，绳子在哪个节点需要收紧，哪个节点需要预留松动空间，这方面的指导相对较少。如果能有类似工程学上的剖析，哪怕是几张简单的示意图，说明结体内部的受力走向，那对于想要挑战大型装置艺术或者实用性家具装饰的读者来说，价值会大大提升。总的来说，它是一个极好的基础和中级参考手册，但在进阶到“结构大师”的层面时，还留有提升的空间。

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这本书的作者在文字描述上展现出了一种令人信服的严谨性，这对于处理精细手工艺来说至关重要。我注意到，在某些需要精确收尾的步骤中，作者使用了非常专业化的术语来描述操作，比如“反向穿引”、“拗口处理”等，这些词汇虽然初看起来有些拗口，但一旦结合图示理解后，便能明白其精确的含义，绝非是那种模棱两可的“随便穿过去”的描述。更难能可贵的是，作者似乎预设了读者可能会遇到的各种“陷阱”，并在关键节点加入了“注意”或“常见错误”的提示框。例如，在处理一些对称性要求极高的结时，作者特意提醒了如何校准第一步的初始中心点，因为初始点的微小偏差会在后续的编织中被几何级放大。这种前瞻性的指导，避免了我在多次尝试失败后才发现问题核心的挫败感。这种细致入微、近乎于教学现场的指导风格，让这本书的实用价值远超一般的图解手册，它更像是一位经验丰富的老师傅，在你身边耐心雕琢每一个细节。

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这本书的排版设计简直是一场视觉盛宴，完全颠覆了我对传统手工艺书籍的刻板印象。我拿到的版本，纸张的选择非常考究，那种略带纹理的米白色纸张，不仅在阅读时保护了眼睛，更让那些色彩鲜艳的锦纶绳和丝线在照片中显得格外饱和、富有质感。编辑团队显然在“留白”上下了功夫，每一个结样的展示区周围都有足够的空间，让人在对比和学习时不会感到拥挤和视觉疲劳。最让我惊喜的是，它没有把所有“变式”都塞在一起，而是匠心独运地将60个变化分成了几个主题章节，比如“祝福系列”、“配饰系列”、“陈设系列”等，这种逻辑清晰的分类，极大地便利了我的查找和索引工作。当我需要为送给新婚朋友的礼物寻找合适的结饰时，我可以直接跳到相应的章节，效率高得惊人。这种对读者使用体验的深度关注，使得这本书不仅仅是一本工具书，更像是一件精心制作的工艺品本身，值得被收藏和反复摩挲。

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这本书简直是工艺美术爱好者的福音！我本来对编绳这件事一直抱着一种“看看就好，自己上手肯定不行”的心态，毕竟网上的教程总是零散又晦涩，看起来步骤繁多，总觉得少了点什么关键的窍门。然而，当我翻开这本《中國結藝60變》后，那种悬着的心一下子就放下了。它不是那种只罗列成品图的画册，而是真正地从最基础的“平结”、“金刚结”开始，循序渐进地剖析每一个结型的内在逻辑。书里的图解清晰得惊人，不仅有完成品的展示，更重要的是它对手法的力度、绳子的走向、穿插的角度都有非常细致的标注，甚至连光影的细微变化都考虑进去了。我尤其欣赏它在介绍复杂变化结时，会先用一个简单的例子来讲解某个“转折点”的技巧，这种化繁为简的处理方式，让原本望而生畏的“盘长结”系列也变得可以亲近起来。我照着书上的步骤做了一个手机挂绳，连我妈都惊讶于我的手艺竟然能达到这种水平，重点是，我感觉自己好像突然掌握了某种“内功心法”，学会了一个结，其他很多类似的结型都能触类旁通了。这本书对于想从入门迈向初级水平的读者来说，绝对是最佳的实操指南，它提供的不仅仅是图样，更是一种系统性的编织思维训练。

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