中国书画装裱技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:黄山书社

作者:唐昭钰

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-1

价格:10.8

装帧:平装

isbn号码:9787806301074

丛书系列:

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飞越古今：西方艺术史的恢弘画卷 书名： 飞越古今：西方艺术史的恢弘画卷 作者： [此处留空，由专业学者撰写] 页数： 800页 装帧： 精装，附赠高清图版彩页 --- 内容概要 《飞越古今：西方艺术史的恢弘画卷》并非一本枯燥的史料汇编，而是一次穿越时空的深度对话，旨在带领读者领略自史前壁画至当代装置艺术的西方视觉文化演变脉络。本书以清晰的时代划分和深入的个案分析为骨架，结构严谨而叙事生动，力求还原艺术思潮、社会背景与杰出艺术家的创作意图之间的复杂联系。 全书共分六大部分，覆盖了西方艺术史的六大关键时期：古代艺术（古希腊、古罗马）、中世纪艺术（拜占庭、罗马式、哥特式）、文艺复兴与早期现代（从乔托到巴洛克）、启蒙与革命的时代（新古典主义、浪漫主义）、现代主义的黎明与高潮（印象派、后印象派、立体派、抽象表现主义），以及战后至今的当代艺术思潮。 本书的独到之处在于其对“语境化理解”的坚持。我们相信，艺术品的价值不仅在于其形式美感，更在于其诞生的社会、哲学和技术环境。因此，每一章节都紧密结合当时的政治动荡、宗教信仰、科学发现乃至贸易路线的变迁，为读者构建了一个立体的、可感知的艺术世界。 --- 第一部分：神性与秩序的奠基——古代与中世纪艺术（约公元前5000年 – 公元1400年） 本部分追溯了西方文明的最初表达。从拉斯科洞穴壁画中对生命力量的原始崇拜，到古埃及法老王陵墓中对永恒的几何化追求，我们探讨了艺术作为宗教仪式和政治权威工具的早期形态。 重点聚焦于古希腊的“理想人像”哲学，分析了其如何从古拙的“库洛斯”演变为帕特农神庙中体现的黄金比例与和谐之美。随后，转向古罗马对实用主义和工程技术的融合，通过万神殿等建筑，展现了帝国疆域的宏大叙事。 进入中世纪，艺术的主题完全转向了基督教神学。《圣经》故事的图像化成为核心任务。本书详细辨析了拜占庭马赛克艺术中程式化的庄严感，与西欧罗马式教堂厚重墙体中蕴含的教义力量。哥特式艺术（以法国大教堂为代表）的出现，标志着对光线和垂直感的突破，展示了工匠们如何运用尖拱和飞扶壁，将石头转化为象征天堂的“光之建筑”。本部分将侧重于对中世纪手抄本插图的研究，揭示其在文字传播中的重要作用。 --- 第二部分：人性的觉醒与复苏——文艺复兴的辉煌（约1400年 – 1600年） 文艺复兴被视为西方艺术史上的一个里程碑。本书首先考察了佛罗伦萨的人文主义思潮，探讨了彼特拉克、薄伽丘等思想家如何将焦点从彼岸世界拉回到尘世的人类经验。 我们将深入分析透视法的发明与应用如何彻底改变了绘画的空间观念。从马萨乔早期对线性透视的实验，到达·芬奇对“晕染法”（Sfumato）的精妙运用，再到拉斐尔对古典和谐的完美继承，我们力求解析这些技术革新背后的理性精神。米开朗基罗对人体解剖学的痴迷及其在西斯廷教堂天顶画中的磅礴力量，被视为人类创造力达到顶峰的标志。 威尼斯画派的色彩革命，以及北方文艺复兴（如凡·艾克和丢勒）对油画媒介的精细掌控和对世俗细节的关注，构成了对意大利中心论的有效补充。 --- 第三部分：情感的张力与炫技——巴洛克与洛可可的戏剧性（约1600年 – 1750年） 面对宗教改革带来的挑战，天主教会发起了反宗教改革，巴洛克艺术应运而生，成为一种强有力的宣传工具。本部分着重剖析巴洛克艺术中对“动感”、“戏剧性光影”（明暗对比法）和情感冲击的追求。 卡拉瓦乔的街头写实主义，贝尼尼雕塑中捕捉到的瞬间永恒（如《圣特蕾莎的狂喜》），以及鲁本斯作品中饱满的生命力和肉体感，都将被详细阐述。在北方，荷兰的艺术市场独立于教会和宫廷，催生了伦勃朗对光线与心灵深度探索的肖像画，以及维米尔对日常室内光线的细腻捕捉，展现了新兴市民阶层的审美取向。 洛可可时期则标志着贵族品味向私密、精致和享乐主义的转向，其轻盈的色彩和曲线装饰，预示着旧制度的衰败。 --- 第四部分：理性的回归与革命的激情——新古典主义与浪漫主义（约1750年 – 1850年） 启蒙运动的精神推动了新古典主义的兴起，它渴望回到古希腊罗马的“纯粹”道德和清晰结构中，以对抗洛可可的浮靡。雅克-路易·大卫的作品，如《贺拉斯兄弟之誓》，被视为法国大革命前夕的道德号角。 然而，对秩序和理性的过度推崇很快引发了反弹。浪漫主义强调个体的主观情感、想象力、对自然的敬畏以及对异域和历史神秘感的迷恋。德拉克洛瓦的《自由引导人民》和戈雅对战争残酷性的记录，展现了艺术如何成为表达个人英雄主义和政治抗议的载体。泰纳和康德的美学理论，也将被引入分析，以解释这一时期美学观念的转变。 --- 第五部分：光影、碎裂与本能——现代主义的诞生与演进（约1850年 – 1945年） 摄影术的发明动摇了再现的根本，迫使艺术家探索新的视觉任务。印象派（莫奈、雷诺阿）将焦点从描绘对象转移到捕捉光线在特定瞬间下的色彩和氛围。后印象派（塞尚、梵高、高更）则进一步深化了主观性，塞尚重构了形体结构，梵高释放了内在情感的色彩，高更则探索了象征意义。 进入20世纪，艺术彻底“解放”。野兽派的色彩狂欢、立体派（毕加索、布拉克）对多视点空间的革命性解构，以及康定斯基的纯粹抽象，宣告了“再现的终结”。我们还将详细分析达达主义对传统艺术的颠覆，以及超现实主义（达利、马格里特）如何探索潜意识的梦境世界。 --- 第六部分：全球化下的艺术重塑——战后至今的当代艺术（约1945年 – 现今） 二战后，艺术中心从欧洲转移至纽约。抽象表现主义（波洛克、罗斯科）以其巨大的尺度和行动性，表达了战后个体的焦虑和英雄主义。紧接着，波普艺术（安迪·沃霍尔）以其对商业符号的挪用，模糊了高雅艺术与大众文化的界限。 本书的最后部分将探讨一系列挑战传统艺术范畴的运动：极简主义对艺术品物性的剥离、概念艺术将“观念”置于“形式”之上、大地艺术对场所精神的关注，以及行为艺术和装置艺术对观众参与和空间体验的强调。我们将审视全球化背景下，身份政治、后殖民主义和数字技术如何持续地重塑当代视觉语言，带领读者直面艺术最前沿的哲学困境与无限可能。 --- 本书特点： 1. 深度图解分析： 附带数百张高清全彩图版，并配有专家级的图像分析注释，帮助读者理解构图、笔触和材料的意义。 2. 跨学科视角： 文本融合了哲学、社会学、建筑学和技术史的洞察，提供全面的文化理解。 3. 拒绝简化： 本书避免了将艺术史简化为英雄传记或风格标签的倾向，致力于呈现复杂历史进程中的矛盾与张力。 《飞越古今：西方艺术史的恢弘画卷》是艺术爱好者、学生、研究人员以及任何希望深入理解西方文明视觉表达的读者不可或缺的案头工具书。它不仅展示了艺术品，更讲述了支撑这些艺术品的思想与时代精神。

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这本《中国书画装裱技法》简直是为我这种对手工技艺充满好奇心的人量身定做的！我一直对那些挂在博物馆里，仿佛被时间温柔抚摸过的古画装裱形式赞叹不已，总觉得那不仅仅是简单的“裱起来”，而是一种对艺术品的深度致敬和保护。这本书的开篇，对于装裱的历史脉络梳理得非常到位，从早期的卷轴到后来的册页、屏风，每一种形制的演变都紧密结合当时的社会文化背景，看得我茅塞顿开。作者似乎对材料的脾性了如指掌，详细描述了绫绢、糨糊的选取标准，那种对细节的执着，让我深刻体会到装裱师的匠心。尤其是关于“覆褙”这一步骤的讲解，文字描述得如同现场教学，生怕读者错过哪怕一丝一毫的要领，比如如何控制糨糊的稀稠度，如何用排笔均匀施力，避免产生气泡和褶皱。我以前总觉得装裱是件很神秘、很高深的手艺，读完前几章，才发现它更像是一门需要耐心、精确和对材料的敬畏心所结合的学问。它不是那种干巴巴的教科书，而是充满了对传统工艺的深情解读。

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我对传统工艺的兴趣主要停留在视觉体验的层面，很少深究其背后的工艺流程，总觉得那需要长年累月的学徒生涯才能领悟。然而，翻开这本书的某一章节，重点讲解了“修复性装裱”与“展示性装裱”的区别，让我眼前一亮。作者没有回避传统装裱中可能遇到的复杂问题，比如纸张受潮后的“软塌”处理，或者墨色晕开后的“洇边”抢救，这些都是我在实践中遇到的“老大难”问题。书中对使用“揭裱”技术处理残破字画的描述，细致到需要用到何种温度的热源，以及如何精准地控制揭下的力度，仿佛能听到那层层纤维剥离时的微妙声响。这种对“急救”环节的重视，体现了作者对原作保护的最高敬意。它教会我的不仅是“如何裱”，更是“如何不伤害”这个重要的前提。读完这部分，我才真正理解，装裱师其实是书画艺术品的“守护者”，他们的技艺直接决定了一件作品的“生命周期”。

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我通常比较注重材料科学和工程学的角度来看待传统手艺，原以为这本关于装裱的书可能会偏重于文艺腔调的描述。出乎意料的是，这本书在讨论装裱的“耐久性”和“防虫防霉”方面，采取了非常现代和科学的态度。它不仅讲解了传统防虫药料的使用方法，还探讨了现代环保型粘合剂在特定情况下的应用可能性，展现出一种“古为今用，取其精华”的开放精神。特别是关于“轴头制作”的章节，对木材的含水率控制、竹篾的韧性处理，以及丝穗（绦带）的打结工艺，都有深入的剖析，这部分内容几乎可以独立拿出来作为木艺或纤维艺术的案例来研究。它用严谨的态度对待每一个微小的配件，让我体会到，真正的传统工艺，绝不是粗制滥造的代名词，而是建立在一套成熟的材料科学基础之上的。这本书的深度和广度，远超出了我对一本“装裱指南”的初始预期。

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作为一名刚入行不久的书法爱好者，我苦于找不到一本既能理论指导又能兼顾实操的参考书，手头的资料大多零散不清，要么过于学术化，要么过于简略。《中国书画装裱技法》的出现，简直是雪中送炭。这本书的图解部分尤其出色，那些清晰的线描图和对比照片，将那些晦涩难懂的工序步骤直观地展现出来。我最欣赏它在处理“绫边”和“镶边”上的分寸感。装裱的精髓往往就在于“恰到好处”，多了则俗气，少了则单薄。书中对于不同书体、画种（如工笔重彩与水墨写意）如何选择最匹配的裱边材质和颜色，给出了非常独到的见解，这远超出了基础技法的范畴，直抵美学核心。我尝试按照书里介绍的方法修补了一张受损较轻的旧扇面，虽然初次操作略显生涩，但按照步骤一步步来，最终的效果比我预想的要好得多，特别是对“镶料”的层次处理，使得整体画面有了呼吸感。这本书的价值，在于它成功地将“技术”与“审美”这两条线索完美地编织在了一起。

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这本书的叙事风格非常具有说服力，它不像某些专业书籍那样冷冰冰地罗列公式和步骤，而是带有明显的“经验传承”色彩。例如，书中穿插了一些装裱大师的“小窍门”和“经验之谈”，比如关于如何通过调整画心和裱板之间的“空隙”来控制视觉的深远感，或者是在装裱横幅时，如何通过微小的边框倾斜来平衡视觉上的“重力感”。这些都是需要多年实践才能总结出的“窍门”，能被如此系统地整理出来，对于学习者来说是莫大的财富。更值得称赞的是，它对不同地区、不同流派的装裱风格，如苏裱、京裱、闽裱等，进行了横向的比较分析，指出它们在糨糊配方、絛边的样式选择上的差异，这种宏观的视野，让读者在学习具体技法的同时，也对中国装裱艺术的多元性有了更深层次的认识。这已经超越了单纯的技法手册，更像是一部生动的“中国工艺美术史的侧影”。

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作者是吴派洪门弟子，这书写得很朴实，就是图太少。所以走了另一本图说。但是这本的装裱日记很好。不过讲书画相关，没图真的太操蛋了。

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作者是吴派洪门弟子，这书写得很朴实，就是图太少。所以走了另一本图说。但是这本的装裱日记很好。不过讲书画相关，没图真的太操蛋了。

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作者是吴派洪门弟子，这书写得很朴实，就是图太少。所以走了另一本图说。但是这本的装裱日记很好。不过讲书画相关，没图真的太操蛋了。

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作者是吴派洪门弟子，这书写得很朴实，就是图太少。所以走了另一本图说。但是这本的装裱日记很好。不过讲书画相关，没图真的太操蛋了。

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