中文版Photoshop CS基础操作与创意案例设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海科学普及出版社

作者:汉龙

出品人:

页数:287

译者:

出版时间:2005-1

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787542730169

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• PS
• 图像处理
• 设计
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• 软件操作
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• 图形设计

《视觉传达设计原理与实践：从理论到应用的全面指南》 本书导言：洞悉视觉的底层逻辑，驾驭创意的无限可能 在信息爆炸的时代，视觉不再仅仅是信息的载体，它已然成为连接思想、激发情感、驱动决策的核心语言。本书并非聚焦于特定软件的操作技巧，而是深入探讨视觉传达设计（Visual Communication Design）领域的核心理论、方法论及其在当代设计实践中的应用。我们致力于为读者构建一个坚实而全面的知识框架，使他们能够超越工具的限制，真正理解“为何如此设计”，并形成一套系统化的创意生成与执行流程。 本书的目标读者群覆盖了初涉设计的学生、渴望系统化提升理论素养的设计师、市场营销人员，以及任何对如何有效利用视觉元素进行沟通感兴趣的专业人士。我们力求以严谨的学术态度阐述原理，同时辅以贴近实际的案例分析，确保理论学习与实践应用无缝对接。 --- 第一部分：视觉传达的基础构建——设计思维与核心要素 本部分是理解视觉作品的基石，它引导读者从“看”图片到“读懂”设计背后的意图。我们强调设计并非单纯的装饰，而是一种有目的的、解决问题的过程。 第一章：设计思维的建立与设计流程解析 什么是视觉传达设计？ 明确其在商业、文化和社会语境中的地位与功能。 设计思维（Design Thinking）的应用： 深入探讨同理心（Empathize）、定义（Define）、构思（Ideate）、原型（Prototype）和测试（Test）五大阶段，并展示如何将这一流程应用于平面、网页乃至信息图表设计。 从需求到方案的转化路径： 学习如何有效地提炼客户需求或设计目标，避免盲目追求美观而忽略功能性。 设计伦理与社会责任： 探讨设计师在信息传播中的道德准则，包括可访问性（Accessibility）和文化敏感性。 第二章：版式与构图的几何学 本章剥离了所有风格化的表象，回归到空间组织的最基本法则。 网格系统（Grid Systems）的深度剖析： 详细介绍各种网格（如列网格、模块网格、分层网格）在保持一致性和秩序感中的作用。我们将讨论如何打破和创新网格，而非僵化地遵循。 平衡、对比与节奏： 不仅是视觉上的感受，更是数学和心理学上的考量。解析对称、不对称、动态平衡的构成原理。 视觉引导与焦点控制： 如何利用线条、形状和负空间（Negative Space）有效地引导观众的视线，确保关键信息被优先接收。 格式塔心理学（Gestalt Principles）在设计中的应用： 深入探讨邻近性、相似性、闭合性、连续性等原理，解释人脑如何组织视觉信息。 第三章：色彩的心理学与应用科学 色彩是情绪最直接的触发器。本章致力于提供一套科学的色彩管理和应用策略。 色彩理论的再认识： 传统色轮之外，探讨色彩在不同介质（印刷与屏幕）中的表现差异（CMYK vs. RGB）。 色彩的心理效应与文化差异： 分析特定颜色组合在不同文化背景下可能产生的截然不同的情感联想，指导跨文化设计。 色彩方案的创建与和谐： 教授互补色、三原色、邻近色等配色方案的实际构建方法，以及如何通过色调（Hue）、明度（Value）和饱和度（Saturation）来微调情绪。 光线、材质与色彩的交互作用： 探讨环境光如何影响色彩的感知，这对三维设计和摄影后期尤为重要。 --- 第二部分：符号、信息与叙事——深化视觉表达 成功的视觉传达不仅仅是好看，更是高效的信息传递和引人入胜的故事讲述。 第四章：字体排印学的艺术与技术 字体是文字的“声音”，本章专注于如何让文字“说”出正确的语气。 字体家族的解析与选择： 衬线体、无衬线体、脚本体、显示体的历史渊源、结构特征及其适用的语境。 排印的层次结构： 如何通过字号、字重、行距（Leading）、字距（Tracking/Kerning）建立清晰的信息层级，增强文本的可读性（Legibility）和易读性（Readability）。 中英文混排的挑战与解决方案： 探讨在多语言环境中，如何平衡不同语种的视觉重量和节奏感，避免视觉冲突。 动态字体排印初探： 简要介绍字体在运动和交互界面中的设计考量。 第五章：图像、图标与信息可视化 如何将抽象的概念转化为清晰、令人难忘的视觉符号。 符号学基础： 理解图标的指代性（Iconicity），区分图像是模仿、指示还是约定俗成。 信息图表设计的高级技巧： 超越简单的柱状图和饼图，学习如何设计复杂数据集的可视化叙事，强调数据准确性与美学表现的统一。 摄影与插画在设计中的角色定位： 探讨何时使用写实摄影、何时偏向风格化插画，以及如何进行有效的图像筛选和处理以符合整体调性。 用户界面（UI）中的图标设计规范： 关注极简主义和一致性原则在图标集创建中的重要性。 第六章：叙事性设计与跨媒体沟通 本章将焦点从单个元素扩展到完整的设计项目，强调序列和体验。 视觉叙事结构： 学习如何运用开端、发展、高潮、结局的结构来组织一系列视觉内容，如品牌故事或活动宣传。 品牌识别系统（Brand Identity）的构建： 从标志（Logo）到品牌手册的完整流程，强调一致性、延展性和适应性。 动态图形与动画的基础概念： 介绍运动设计（Motion Design）如何增强信息传递的活力，不涉及具体软件的复杂操作，而侧重于运动规律和时间控制的原理。 设计作品集的策划与展示策略： 如何有策略地挑选并呈现自己的设计成果，以适应不同目标受众的需求。 --- 第三部分：设计实践与未来趋势 本部分着眼于理论知识如何在当前的技术和市场环境中落地生根，并展望设计的未来方向。 第七章：从平面到数字媒介的思维转换 理解媒介特性对设计表达的影响。 响应式设计（Responsive Design）的视觉考量： 探讨在不同屏幕尺寸和交互模式下，保持视觉一致性和信息可用性的设计策略。 用户体验（UX）设计的基础原则： 介绍信息架构（IA）、用户旅程图（User Journey Mapping）等概念，强调以用户为中心的设计流程。 原型制作与可用性测试： 学习低保真和高保真原型在验证设计假设中的价值，以及如何进行有效的用户反馈收集。 设计系统（Design Systems）的建立与维护： 探讨如何通过组件化、文档化来提高团队协作效率和设计产出的规模化。 第八章：设计行业的生态与自我发展 设计趋势的辨识与批判性吸收： 如何区分转瞬即逝的潮流（Fad）与具有长远价值的范式转移（Paradigm Shift）。 高效的工作流程与项目管理： 介绍敏捷开发（Agile）环境下的设计协作模式，以及时间与资源管理技巧。 设计师的持续学习路径： 推荐跨学科学习的领域，如认知科学、商业策略和新兴技术（如生成式AI的辅助角色，而非核心技能）。 结语：成为有洞察力的视觉沟通者 本书旨在提供一个坚实的理论平台，而非一套固定的操作手册。视觉传达是一个不断演进的领域，真正的创新源于对基础原理的深刻理解和对人类感知规律的尊重。掌握这些原理，读者将能够自信地驾驭任何新的设计工具和媒介，最终成为一个不仅能“制作”视觉作品，更能“解决”视觉沟通难题的专业人士。

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打开这本书，我的第一感觉是：“这是从哪个时期的网络教程上把内容直接复制粘贴出来的吗？” 它的排版风格极其保守，仿佛时间停在了上世纪末的电脑房里。字体选择和行距安排都透着一股难以言喻的“学术”气息，而不是现代设计书籍应有的灵动和易读性。内容上，它似乎将所有的篇幅都倾注在了对Photoshop每一个工具按钮的字面意义解释上，比如“移动工具的作用是移动选中的像素区域”，这种描述简直是在侮辱读者的理解能力。我真正想知道的，比如如何有效地处理复杂的人像精修，如何运用非破坏性编辑技巧来保持原始画面的完整性，或者如何利用各种混合模式创造出超越传统调色的视觉效果，这些“硬核”的技术点，在书中几乎找不到系统性的讲解。书里关于“创意案例设计”的章节，更像是一系列生硬的步骤堆砌：第一步，打开图片；第二步，执行滤镜A；第三步，调整曲线B。它完全没有深入探讨背后的设计思维——为什么选择这种处理方式？它想传达的情绪是什么？读者读完后，只是学会了照葫芦画瓢，却完全没有掌握“举一反三”的能力。这种教学方式，只会培养出一批只会机械操作的“按钮点击员”，而不是真正的视觉创作者。

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坦白说，我是在一个非常偶然的情况下翻阅到这本书的，当时我正试图快速掌握一些高级的合成技巧，特别是针对复杂光影关系的重构。这本书的命名，尤其是那个“创意案例设计”的副标题，让我产生了一丝不切实际的期待。然而，实际内容给我带来了巨大的心理落差。书中对于“案例”的呈现方式，更像是一系列孤立的、毫无关联的练习题的集合。它们缺乏一个贯穿始终的主题或者一个循序渐进的难度梯度。比如，它在介绍完基础的蒙版操作后，下一章直接跳到了一个极其复杂的场景合成，中间完全缺失了对中间过渡技巧的铺垫，比如如何精确抠出发丝，如何处理边缘的光晕过渡，或者如何匹配不同光源下的色温。这种内容安排的断裂感，使得读者很容易在中途感到迷茫和挫败。而且，案例所使用的素材，很多都显得非常老旧，无论是照片的风格还是模特的选择，都让人感觉像是从一个十年前的设计素材库里随便找出来的，完全无法与当下审美接轨。这本书似乎在努力地覆盖尽可能多的基础知识点，却牺牲了对任何一个有价值的“创意”进行深度挖掘的机会。

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这本封面设计得颇具年代感，色彩搭配上似乎想营造一种专业而稳重的氛围，但实际拿到手里，纸张的质感略显粗糙，让人不禁想起了早些年那些厚重的技术手册。我本来是冲着“创意案例设计”这几个字去的，想着能学到一些新颖的修图技巧，或者至少能看到一些令人眼前一亮的视觉作品解析。然而，翻开前几页，映入眼帘的更多是关于软件界面布局的冗长描述，以及如何找到菜单栏里那些基础到令人发指的功能。例如，关于“图层”的概念，它用了近十页的篇幅去解释图层的堆叠顺序和可见性，这对于任何接触过图形软件哪怕只有几小时的人来说，都显得过于啰嗦和低效。我期待的“创意”部分，似乎被这些琐碎的基础操作挤占了所有空间。书中的示例图片质量平平，大多是清晰度不高、色彩平淡的样张，完全无法激发任何设计灵感的火花。更让人感到遗憾的是，它似乎完全没有触及到任何关于现代设计趋势的探讨，比如扁平化设计、微动效的引入，或是如何在移动端优先的背景下进行视觉优化。如果说这是一本给完全零基础用户入门的教材，那它的节奏也掌握得不太好，基础讲得太细，而核心的“创意”却停留在表面，就像是为一台老式相机写的使用说明书，而我们现在都用上了智能手机的专业模式。

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这本厚重的册子，与其说是一本设计教程，不如说更像是一本详尽的软件功能词典。我花了不少时间去寻找那些能够真正提升工作效率的“捷径”和“内幕消息”，比如快捷键的组合应用、自定义工作区的设置优化，或是那些隐藏在深层菜单里的效率工具。但这本书对这些“生产力要素”的介绍几乎是寥寥数语，完全没有体现出对专业人士需求的关注。它专注于教会你如何使用“橡皮擦工具”来擦除不需要的部分，但从未提及如何利用“历史记录画笔”配合“图层蒙版”来实现更灵活的回溯和修改，从而避免对原始图像造成不可逆的损害。更让我感到困惑的是，书中对色彩管理一窍不通。在数字化工作流程中，从色彩空间的转换到打印输出的色彩校准是至关重要的一环，但这本书记载的色彩知识浅薄得可怜，仿佛只要屏幕上看起来不错，一切就大功告成。对于任何一个立志要将作品投入商业印刷流程的设计师来说，这本书在这一点上的缺失是致命的，它提供的解决方案，只会让你的最终成品在印刷厂那里遭遇“车祸”。

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我尝试用这本书来指导一位刚开始接触修图的朋友，结果发现阅读体验极其不佳。这本书的叙述语言过于书面化，缺乏与读者进行情感连接的沟通能力。它没有那种“嘿，伙计，让我告诉你一个更酷的方法”的亲切感，而是像一个冷冰冰的说明书在宣读指令。例如，在讲解“液化工具”时，它只是机械地罗列了“向前变形工具”、“向后收缩工具”的参数调整范围，却没有提供任何关于面部比例调整的黄金法则或美学考量。读者因此学到的，只是如何推拉像素，而不是如何基于人体美学或特定风格去塑造图像。真正好的教程，会告诉你如何“看”——如何识别照片中的光影缺陷，如何预判不同调整带来的连锁反应。这本书完全没有培养读者的“视觉直觉”能力。它提供的“创意案例”也缺乏实际操作的完整性和背景介绍，比如，如果这个案例是为一个时尚杂志做的封面，它应该解释一下目标读者是谁，以及为什么选择这种高对比度的色调。总而言之，这本书像是一个知识点的陈列馆，但缺乏一条清晰、引人入胜的参观路线，更没有提供任何导游的精彩讲解。

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