具体描述
《中央美术学院国画系历届学生留校习作选》的主要内容是：中央美术学院中国画系正式建系于1956年，迄今，它已走过了四十余年的历程。四十余年的历程，风风雨雨，曾经遇到了各种各样的问题，但是，总体上，中国画系在日益壮大，不断发展。教师队伍的继往开来与不断更新换代，使得中国画系也在不断的变化发展中有所调整，进而有了新的气象。20世纪的中国画发展道路是漫长而曲折的，继承与创新，冲突与交融，在不同的历史时期体现了不同的波澜壮阔景观，同时，也不容置疑地证明了中国画所富有的顽强的艺术生命力。作为一个古老而智慧的民族的悠久文化结晶，中国画日益受到海内外人士的喜爱和关注。回顾现代的美术教育历史，我们欣戚皆有，不免行动于衷。中国画的教学是在逐渐尝试、摸索、变化和调整中得以趋于完善的。它的完善化体现在愈趋于科学和系统，愈趋于开阔和正规。作为我国最高美术学府，中央美院中国画系在整个现代中国画教学中起到了不容低估的作用。近半个世纪以来，中国画系已经形成了一套独立完整的中国画教学体系，在全国的艺术院校中占有着非常重要的地位。虽然不同时期的中国画系教学的具体方法与内容或许有些不同，但是，在贯彻和坚持“传统、生活、创作”和“临摹、写生、创作”三位一体的大宗旨上却始终如一。这个原则与主张，从首任系主任叶浅予先生开始至今，从未改变，没有动摇。事实证明，它是一条可行而且成功的正确道路。相比于传统教学法，相比于师徒口传身授的"私学"办法，它有着方法论上的现代意义；而相对于既往的中国画教学，它更显得严密和科学系统化。可以说，这种主张本身就是对中国画传统的最好理解与最佳阐释。通过这种三位一体的教学实践，系里不断总结经验，建立、调整、充实、补充、完善了教学大纲和教案，通过教师贯彻到实际教学中去，取得了较显著的效果。应该说，中国画系的两个“三位一体”宗旨，是历届中国画系领导和全体教师共同努力探索而形成的一条发展中国画切实可行的新路。它保证了教学任务的完成和教学水平的逐渐提高。在这-指导方针下，中国画系的教学与教学成果才显示出了它特有的优势。叶浅予先生在当年的教学主张上，重视观察生活，重视探索中国画艺术的写生与造型规律的研究，强调线描是中国画的基本功，提出写生与临摹并重的主张；而蒋兆和先生在五六十年代之交也致力于探索中国画素描教学的改革，提出以"骨法用笔"为原则、以白描为基础、吸收西画素描之长的中国画造型基础课教学体系；李可染先生则始终强调一手伸向传统，一手伸向生活，“精读传统和生活这两本大书”，重视在传统基础上创新，在创造新中国画的目的与视野上，纵横吞吐古今中外的艺术文化营养，提倡笔墨基本功的训练与写生提炼的综合，用艺术规律把握艺术创作的高度。所有这些观念与主张，在一代一代教师们的努力之下都有所收效，也在一届一届的学生作业中得到了证明。这是令人欣慰的。近年的学生作业则体现了一种时尚的变化，在表现方法上也显得更为灵活多样了。尽管不同阶段、不同画科、不同学生的作业水平与表现方法有所不同，但是，浓郁的现实生活感与重视写生造型的准确真实却是共通的一个特征。经过遴选而结集出版这样一个学生作业作品集，对于回顾和总结、反思中国画创新以及教学的近半个世纪历程，对于当代的中国画教学与创作或许都有些益处。
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展现在眼前的这些习作，它们最引人入胜之处，或许就在于它们“习作”的身份。它们不是完成在博物馆里等待被供奉的“巨制”，而是学生在学习过程中留下的、带着探索痕迹的真实记录。我感受到一种强烈的“进行时”的生命力，而非凝固的历史遗迹。有些作品的布局明显仍在摸索阶段，笔墨的干湿浓淡似乎还在反复拿捏，线条的力度也时而顿挫，时而洒脱，这恰恰是学习的魅力所在——它展现了艺术家如何从模仿走向自我表达的必经之路。通过这些不同时期、不同风格的习作，我仿佛能窥见不同年代的教学风尚是如何影响一代又一代学子的。例如，早些年间的作品，或许在写实功底上更为扎实，对古代范本的参照也更为明显；而近些年的习作，则能明显感觉到在观念和材料上有了更多的实验性。这种跨越时间的“对照组”展示，对于任何一个关心中国画教育发展脉络的人来说，都是一份极其宝贵的视觉档案，它比任何文字论述都来得更为直观和震撼，让人不禁思考，学院派的训练究竟如何在大浪淘沙中，锤炼出个体的独特笔墨语言。
评分这本画册的选编视角，似乎有意无意地构建了一部中国现代国画教育的“编年史侧影”。它不仅仅是作品的堆砌，更像是一套经过深思熟虑的“教学案例分析集”。不同届别的作品并置，让观者可以清晰地对比出时代精神如何渗透到水墨的肌理之中。我能想象，在中央美院这样顶尖学府的熏陶下，学生们在面对传统与现代的张力时所经历的挣扎与超越。有些作品在题材选择上，明显带有那个时代对社会现实的关怀，比如对劳动人民的描绘，或者对特定景观的写生，它们的笔触因此也更具时代的热情和力量感。然而，即便是题材的“进步性”描绘，其背后依然是严谨的造型训练和对中国画笔墨秩序的坚守。这种学院派的底色，确保了即便是在追赶时代步伐时，作品也未曾沦为单纯的插图，而是保持了艺术的独立性和高度。它提供了一种独特的视角，让我们得以一窥中国画现代化进程中，教育机构是如何平衡“继承”与“创新”这两个永恒命题的。
评分作为一个长期关注中国画笔墨本体语言的爱好者，我发现在这些留校习作中，对“骨法用笔”的理解与实践，展现出了令人称奇的丰富性。那些看似随意的点皴，细看之下，无不蕴含着深厚的内功。有的作品中，线条的起承转合，如同书法般抑扬顿挫，一笔下去，气韵生动，展现了对传统“十八描”等技法的精妙掌握。比如那几幅描绘山石的作品，其皴法的使用，有的粗犷如斧劈，有的细腻如发丝，显然是不同导师在教学侧重点上的差异体现，但这丝毫不影响整体画面的和谐性。更妙的是，在对传统技法的继承之外，还能捕捉到一些细微的“创新”的萌芽。在墨法的运用上，浓墨的层次感被玩味到了极致，墨分五色的奥秘在这些习作中得到了生动的诠释，有时甚至能看到对西画光影概念的间接影响，但最终都完美地被中国画的媒介所吸收和转化。这些对笔墨的纯粹追求，没有过多世俗的干扰，显得尤为珍贵，它们是纯粹的“技法对话”，是艺术院校精神的集中体现。
评分从一个纯粹的观者角度来看，这本选集为我提供了一个极其难得的“幕后通道”，让我得以审视那些未来可能会成为画坛中坚力量的年轻艺术家们，他们最初是如何在学院的熔炉中淬炼自己的。这种“未定型”的状态，反而赋予了作品一种超越完成品的自由度和坦诚感。我特别关注了那些在构图上大胆尝试的作品，有些甚至打破了传统的章法结构，将留白的空间处理得极具张力，甚至隐隐有了现代构成学的影子。这说明在规范化的训练之下，优秀的苗子总能找到突破口，将外来的、新的视觉经验，巧妙地融入到水墨的传统语境中，形成一种既熟悉又新颖的视觉体验。此外，装帧上的留白处理，也与作品中的留白艺术形成了有趣的呼应——这种对“虚”的重视，是理解中国艺术精髓的关键。总而言之，这本书的价值，绝非仅仅在于展示了优秀的作品，更在于它无声地讲述了艺术教育的严谨性、传承的艰难性，以及个体在群体规范中寻求突破的内在驱动力，它是一部值得反复品味的“学院精神活历史”。
评分这本画册的装帧设计，初看之下，便给人一种沉稳而又不失典雅的气质。封面选用的纸张触感温润，略带纹理，不同于时下流行的那种光面或过度现代的风格，它似乎在向我们暗示着内页作品的厚重与历史感。装帧的工艺看得出是下了功夫的，书脊的线装或是精装方式都处理得十分考究，透露出一种对艺术珍品的尊重。我尤其欣赏它在字体选择上的克制，主标题的字体设计既有传统书法的韵味，又融入了现代排版的简洁，使得“中央美术学院国画系历届学生留校习作选”这几个字，在视觉上形成了恰到好处的平衡点。整体色调偏向内敛的米白或浅灰，这无疑是为了让观众的注意力能够完全聚焦于内部那些色彩斑斓、笔墨淋漓的艺术作品之上，而非被过于花哨的外部设计所干扰。这种低调的奢华，恰恰是专业学术画册应有的姿态，它仿佛在说：内容本身，就是最好的装饰。翻开扉页，那种油墨的清香混合着纸张本身的干燥气息，让人有一种进入艺术殿堂的仪式感，似乎每一次翻阅，都是一次与昔日名家大师学有所成的瞬间的亲密接触，期待内部的“习作”能带给我更多关于中国画教育体系演变的心得。
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