中国画技法新解:触类旁通:橘柑.香圆.桂圆.西瓜.佛手

中国画技法新解:触类旁通:橘柑.香圆.桂圆.西瓜.佛手 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:安徽美术出版社
作者:吴静初
出品人:
页数:30
译者:
出版时间:2002-6
价格:15.00元
装帧:
isbn号码:9787539809083
丛书系列:
图书标签:
  • 中国画
  • 绘画技法
  • 橘子
  • 柑橘
  • 香橼
  • 佛手
  • 西瓜
  • 水果画
  • 写意画
  • 国画
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具体描述

触类旁通橘柑等,ISBN:9787539809083,作者:吴静初

溪山远黛:中国山水画意境的探索与实践 内容概要 本书汇集了当代著名山水画家李云松先生数十年来的创作心得与技法研究成果。全书共分三辑,深入探讨了中国山水画从传统笔墨精神到现代审美转化的内在逻辑。重点聚焦于“意境的塑造”与“笔墨的革新”两大核心议题,旨在引导读者超越单纯的技法模仿,进入到中国画哲思与自然观照的深层领域。全书内容丰富,图例详尽,理论与实践紧密结合,适合有一定基础,渴望在山水画领域寻求突破的进阶学习者及专业人士阅读。 第一辑:溯源与立基——中国山水画的笔墨精神 本辑回溯了中国山水画自魏晋至清末的演变脉络,但不拘泥于简单的历史叙事,而是着重剖析了历代大师在处理“点景”与“写境”上的核心差异。 第一章:笔墨语言的内在逻辑 线条的生命性: 探讨了“十八描”在当代语境下的衍生与简化。重点分析了董源“披麻皴”中蕴含的湿润气息与范宽“雨点皴”中体现的坚硬质感,如何通过墨色的干湿浓淡,表现出物质的不同属性。例如,如何通过“飞白”技巧,在表现北方山石的嶙峋之感时,模拟出被风侵蚀的苍茫感。 墨色的层次构建: 详细解析了“墨分五色”的实际操作方法。书中配有大量放大图谱,展示了“破墨法”在构建远景烟岚时的层次推进,以及“积墨法”在表现近景主体时的厚重感。特别对比了焦墨与淡墨在烘托气氛中的功能差异。 章法中的气韵生动: 阐述了“计白当黑”不仅是留白技巧,更是对空间虚实、阴阳转换的哲学理解。通过分析巨碑式山水与小品扇面的构图差异,揭示了“留白”如何引导观者的视线流向,达成“可行、可望、可游、可居”的审美要求。 第二章:造境的哲学基础 本章深入探讨了中国山水画的核心——“意境”。 “胸中有丘壑”的实现: 强调了游历体验与主观情感的投射。对比了唐代李思训的“青绿山水”中对理想化仙境的营造,与元代四家(黄、王、倪、吴)对文人内心隐逸情怀的寄托。 时间感与空间感: 分析了中国画中“散点透视”如何打破西方焦点透视的限制,从而在二维平面上展现多维度的时空体验。书中特别讨论了如何通过山脉的层叠与水流的蜿蜒,在有限画面中暗示出绵延不绝的时间流逝感。 第二辑:技法精研——山石、树木与水法的新观察 本辑聚焦于山水画三大基本元素——山石、树木、水法,提出了一系列适合现代审美视角的实践路径。 第三章:山石的表现力:从“皴法”到“肌理” 皴法的现代化转化: 提出了“意象性皴法”的概念。不再局限于传统皴法的精确复制,而是根据所描绘对象的内在“气性”来创造笔触。例如,在描绘南方喀斯特地貌时,如何将披麻皴与斧劈皴相结合,增强石块的湿润与穿透感。 石头的精神性: 重点介绍了通过不同角度的墨色渲染,表现石头自身的“向光性”与“背阴性”。书中包含了大量关于“皴、擦、点、染”在同一块石头上如何叠加使用的案例分析。 第四章:树法的生命力:枝干与点叶的张力 枝干的“骨法用笔”: 详细解析了松、柏、柳、竹等不同树种的“干法”差异。强调了用笔的力度和速度对表现树木生命力的影响。探讨了如何通过“S形”与“Z形”的枝干结构,营造出遒劲或柔和的视觉效果。 点叶的节奏与韵律: 针对介字点、胡椒点、水母点等传统点叶技法,结合现代水墨实验,提出了“点法的密度控制”。如何通过控制点叶的疏密和墨色的层次,表现出四季更迭中的光影变化,如早春的嫩绿与深秋的枯黄。 第五章:水法的灵动与表现 流动中的物质性: 探讨了水法在表现江、河、瀑布时的不同处理方式。瀑布的“飞白”处理不再仅仅是留白,而是通过周围墨色的快速拖沓,反衬出水流的迅疾与力量。 雾霭与云气的处理: 强调了水气、雾气是连接山体与空间的桥梁。展示了如何利用淡墨的“渲染法”与“弹墨法”,在保持空气湿度的同时,塑造出山峦若隐若现的朦胧美感。 第三辑:融汇与创新——构建个人化的山水语言 本辑鼓励学习者消化传统后,勇于进行个性化的表达与实践。 第六章:色墨的对话与平衡 青绿的现代回归: 重新审视了石青、石绿的运用。分析了如何使用矿物颜料的厚重感与水墨的轻盈感形成对比,避免传统青绿山水常见的“板滞”感。提出了在局部使用石青石绿,以突出主体、简化背景的处理方法。 赭石与藤黄的运用: 探讨了如何利用赭石的沉稳与藤黄的亮色,在表现秋日山景或夕阳余晖时,增强画面的温暖感和戏剧性。强调色彩的“点到为止”,保持水墨为主体的基调。 第七章:从“写”到“创”的实践路径 主题的提炼与符号化: 引导读者从自然景象中提炼出具有个人印记的“视觉符号”。例如,如果钟爱云雾缭绕的南方山林,应如何将自己对特定云雾形态的观察固化为独特的笔墨语言。 篇幅与题材的拓展: 探讨了壁画、大型条屏等特殊尺幅对构图带来的挑战与机遇。并鼓励尝试将城市景观融入传统山水语汇,探索“当代山水”的边界。 结语: 本书的核心在于强调“触类旁通”的思维方式。山水画的技法并非孤立存在,而是相互依存、彼此渗透的系统。读者应将对山石的理解应用于处理树木的结构,将水法的流动性应用于墨色的晕染之中,最终形成一套融汇古人精髓与自我观察的新型笔墨体系。本书提供的是一把钥匙,开启的是一片广阔的自我探索之境。

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读后感

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用户评价

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坦白说,我购买这本书是带着一丝怀疑的,因为“新解”二字有时意味着对经典的过度解读或曲解。然而,阅读体验证明了我的多虑。这本书的结构安排非常巧妙,它似乎将复杂的写生和创作过程分解成了若干个可操作的小模块,每一个模块都对应着一种特定的感官体验。比如,在处理一些需要表现“清凉感”的果实时,作者深入探讨了中国传统矿物颜料中特定几种青绿色的应用,以及如何通过线条的疾缓来模拟空气的流动。这种细致入微的材料学和视觉心理学的结合,让我的学习过程充满了探索的乐趣。我尤其欣赏作者在每一章末尾设置的“触类旁通”的思考题,它迫使读者不能仅仅停留在“描摹”,而是要去思考“为什么是这样画”。这对于想从初学者进阶到有自己面貌的画者来说,是极其宝贵的引导。

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对于我这种长期在工笔和写意之间徘徊的画者来说,这本书提供了一个极佳的平衡点。它既有工笔画对细节的精准把控,又融入了写意画的洒脱与气韵。它没有给我一套死板的“套路”,反而像一位经验丰富的老友在耳边娓娓道来。我们都知道,画水果看似简单,但要画出其生命力,实则非常考验基本功和对“生机”的把握。这本书最打动我的地方,在于它对“气韵”的阐释。作者没有用太多玄乎的词汇,而是通过对比不同纹理的绘制方法,告诉你气韵是如何通过笔法自然流淌出来的。读完关于“如何用淡墨画出西瓜内部的沙质感”的那几页,我立刻拿起笔尝试,发现以前总是画得太干或太湿,现在通过作者提示的“以润带干”的技巧,那种微微的湿润感一下子就出来了。这种即时见效的指导,在技法书中是难得的。

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我是一个对传统中国画情有独钟的爱好者,尤其痴迷于花鸟画中对“意境”的营造。市面上很多技法书往往过于侧重于笔触的模仿,读完后感觉画出来的东西形似而神不似。然而,这本画册的独特之处在于,它似乎在用一种“解构主义”的视角来分析我们熟悉的题材。它不直接教你怎么画“橘子”,而是先带你去看橘子的皮如何因成熟度而产生细微的纹理变化,去感受柑果在枝头那种沉甸甸的“坠感”。这种对自然物象的细致入微的观察和哲学层面的体悟,才是中国画的精髓所在。作者的文字功底也非常扎实,描述性极强,仿佛能通过文字感受到墨色的晕染和水分的控制。其中对于“留白”的处理,作者给出了许多令人耳目一新的见解,不再是简单的“空着”,而是如何让空白成为承载气息和动势的重要组成部分,这对我启发非常大。

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这本书的视角非常独特,它似乎并不关注于传统画谱中那些固定的笔墨符号,而是着眼于画家与自然物象之间建立起来的“关系”。它更像是一本关于“如何观察世界”的指南,而不是一本纯粹的绘画教科书。作者在描述如何捕捉柑橘类果实那种微微带刺的表皮纹理时,引述了古代文人对“清、苦、涩”的感悟,这种深层次的文化联想,极大地提升了绘画的深度。我感受到,作者是在教我们如何将心中的“感性认知”通过理性的笔法表达出来。尤其在处理像佛手这样结构复杂的题材时,它提供的分解步骤非常清晰,但关键在于,每一步骤都附带着作者对造型逻辑的解释。这本书的好处在于,它教会了我们如何在写生中取舍,如何做到“似与不似之间”的最佳平衡点,非常适合希望提升自己绘画表现力的进阶学习者。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,从封面到内页的排版都透露着一股雅致的书卷气。初翻时,我本以为这是一本偏向传统技法的陈旧教材,但深入阅读后才发现,作者的视角非常新颖,着重于在传统笔墨的基础上,如何运用现代的观察和理解去“活化”中国画。特别是对于不同物象的造型处理上,作者并没有陷入僵化的“范式”,而是引导读者去体会不同水果、植物的内在生命力和结构之美。比如,在论述如何表现“透气感”时,作者旁征博引,结合了书法中的枯湿浓淡变化,这种跨学科的思考方式,极大地拓宽了我对绘画元素的认知边界。我特别喜欢其中关于光影处理的章节,它不是简单地模仿西方的明暗交界线,而是用中国画特有的“皴擦点染”来营造空间层次,那种含蓄而富有韵味的表达,实在令人拍案叫绝。这本书的价值在于,它提供了一种思考的框架,而非仅仅是步骤的罗列,让读者在学习具体技法的同时,也能提升自身的审美修养。

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