北宋米芾《蜀素帖》

北宋米芾《蜀素帖》 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:安徽美术出版社
作者:华其彬
出品人:
页数:36
译者:
出版时间:2004-12
价格:15.0
装帧:平装
isbn号码:9787539813196
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
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具体描述

这套教程以技法为主,内容涉及行书的点画、偏旁部首、结构和章法重在使基本技法全面化、微观化、具体化和可操作性强,所选例字针对性强,所附文字要言不繁,切中题义

魏晋风度与盛唐气象:论中国古代书画的时代精神 本书导读 本书并非一部聚焦于单一艺术家的全景式画册,亦非专论某一朝代的断代史。它是一次深邃的、跨越历史断代的精神漫游,旨在通过对魏晋时期(约公元220年—589年)至盛唐时期(约公元7世纪中叶—8世纪中叶)中国书画艺术中那些最能体现时代精神与文化思潮的典型作品、核心观念的梳理与探讨,揭示“风度”与“气象”这两种截然不同却又相互关联的审美范式是如何塑造了中国古典艺术的黄金面貌。 我们试图超越对作品技法和款识的传统考证,将焦点置于艺术品背后所承载的时代心绪、文人士大夫阶层的自我构建以及哲学思辨的投射。魏晋的“风度”,体现的是个体生命在乱世中对自由、洒脱、魏晋风度的追求,以及对玄学清谈的沉醉;而盛唐的“气象”,则代表着统一帝国强大的自信、博大的胸襟和万邦来朝的恢弘气度。探究两者间的嬗变与张力,正是理解中国古代艺术史脉络的关键所在。 第一部分:魏晋风度——个体精神的觉醒与书法的自觉 魏晋时期,儒家传统在动荡中受到挑战,玄学兴起,老庄思想重新焕发生命力。这一时期的知识分子,面对“人生苦短,世事无常”的现实,将目光转向内在的生命体验和精神的自由舒展。这种对个体生命的极致关注,直接催生了中国书法史上第一次“自觉的书写”浪潮。 一、竹林七贤与名士风流的审美基调: 本章将细致分析竹林七贤(尤其是嵇康、阮籍)在文学与音乐上所体现的“非主流”姿态。他们通过饮酒、服散、弹琴和清谈,刻意疏离世俗的政治权力结构。这种疏离感并非消极避世,而是一种主动选择的、追求生命本真状态的姿态。这种审美倾向如何在视觉艺术中得以体现?我们认为,它首先体现在笔墨的解放上。 二、书法:从实用工具到人格载体 在魏晋之前,书写尚多被视为一种工匠技艺。然而,王羲之的出现彻底改变了这一局面。本部分将重点分析王羲之的“书圣”地位的形成逻辑,而非简单罗列其传世作品。 1. “尽善尽美”的和谐之美: 分析《兰亭集序》中流露出的那种经过深思熟虑、却又浑然天成的动态平衡感。这种平衡是艺术家将自身情感(对生命易逝的感伤)与笔法结构(结构上的严谨与细节上的变化)完美融合的体现。我们侧重探讨其“平正”中蕴含的“险绝”,以及如何通过点画的轻重缓急,暗示了士人对秩序(儒家规范)的尊重与对个性(玄学自由)的向往之间的拉扯。 2. “风度”的线条化表达: 探讨钟繇、卫夫人等早期书家如何奠定“风度”的基调。他们的线条或沉着内敛,或秀逸飘逸,都指向一种超越实用性、追求笔墨精神的审美取向。特别是对“用笔如剑”与“风姿绰约”两种不同倾向的比较分析,揭示了魏晋书家在塑造个人符号时所展现出的多样性。 三、绘画:顾恺之与“传神写照”的理论确立 在绘画领域,魏晋的“风度”集中体现在对人物精神状态的捕捉上。 1. “骨法用笔”与“传神论”的哲学基础: 深入剖析顾恺之《论画》的核心思想。我们认为,“传神”并非仅仅是描绘出人物的相貌,而是画家通过对人物内心世界的理解,运用特定的线条语汇,将其精神内核“翻译”到纸帛之上。这种翻译活动,本质上是画家主体精神对客体世界的深度介入。 2. 线条的抒情性: 分析魏晋人物画中线条的运用。这些线条往往细劲、流畅、富有弹性,它们不仅勾勒轮廓,更承担了表达人物情绪、性格特征的主要功能。它追求的是“形似”之上的“神似”,这是魏晋风度在视觉艺术中的直接投影。 第二部分:盛唐气象——开放、自信与宏大叙事的回归 盛唐,是中华帝国国力达到顶峰的时期。政治上的统一、经济上的繁荣、文化上的兼容并蓄,共同造就了一种空前绝后的自信与博大。这种自信,使得艺术创作从魏晋的内敛、个体性转向了外放、集体性与宏大叙事。 一、从“风度”到“气象”的时代心态转变: 本书将详细论述唐代文化中“入世”精神的回归。玄学清谈让位于经世致用,国家意识形态高度统一。艺术的审美取向也随之变化,追求饱满、充实、雄浑、博大的境界,即所谓的“气象”。 二、盛唐气象在书法中的体现:颜真卿的“雄浑”与张旭的“奔放” 盛唐书法摆脱了魏晋的秀逸,转而追求力量感和结构上的厚重感。 1. 颜真卿:规矩之中的磅礴力量: 颜体的形成是盛唐气象最直接的体现。他的楷书,结构端庄严密,用笔雄厚,点画丰腴饱满,有一种“金石气”的厚重感。这反映了盛世对秩序、稳固和强大力量的审美偏好。本书将侧重分析颜真卿如何在其成熟的法度中融入了强悍的内在力量,使之成为“忠义精神”的视觉符号。 2. 草书的突破:张旭与“颠狂”的自由:与颜体的端正形成对比的是张旭的狂草。然而,张旭的“狂”并非魏晋式的迷惘与逃避,而是充满自信的、对传统束缚的突破。其草书笔势连绵,如大江奔流,体现了盛唐士人对极致动态美和解放精神的探索。这是一种“盛世的狂欢”,其基础是帝国强大的包容性。 三、绘画:山水画的成熟与气势的表达 盛唐绘画的标志性成就,在于山水画开始独立发展,并形成了与人物画并驾齐驱的地位。 1. 李思训父子的金碧山水——盛世的华丽: 他们的创作风格富丽堂皇,设色浓重,以金碧辉煌的色彩描绘江山之壮美。这种风格,是对帝国富庶、疆域辽阔的直接审美投射,充满了宫廷的辉煌气象。 2. 吴道子与“吴带当风”的动态张力: 在人物画领域,吴道子被誉为“画圣”。他的线条摆脱了顾恺之的纤细,变得圆转流畅,富有动感,如“吴带当风”。这种线条的运用,展现了生命力旺盛的动态美,象征着盛世勃发的生机与活力。 结论:风度与气象的永恒对话 本书最终将回归到对这两种审美范式的总结与对比。魏晋风度是艺术史中“个体精神觉醒”的典范,它教会我们如何通过艺术表达内在的复杂情感和生命哲思;盛唐气象则是“宏大叙事与国家自信”的巅峰体现,它展示了艺术在鼎盛时期所能达到的雄浑与开阔境界。 两者并非简单的线性发展,而是在中国艺术史上不断交替、渗透、启发。对它们的深入理解,不仅是认识了两个辉煌的时代,更是洞察了中国文人精神气质演变的深刻脉络。本书力求以严谨的学术态度和流畅的文字表达,为读者提供一个理解中国古代艺术精神内核的全新视角。

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读后感

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这本《蜀素帖》的影印本简直是书法爱好者的福音,装帧考究,纸张的质感拿在手里就让人感到一种历史的厚重感。光影的捕捉非常到位,那些细微的墨色变化、干湿浓淡的层次感,即便是通过印刷品也能清晰地感受到芾老用笔时的那股“刷”劲儿。尤其赞叹的是对原帖皴裂处和纸张老化痕迹的还原,那份穿越时空的沧桑感,让人屏息凝神。每一次展开阅读,都像是一次与古人的对话,我常常对着那些飞扬的笔触揣摩他当时的心境,是豪放恣意还是内敛沉思。这本书不仅仅是字帖,它更像是一部微缩的艺术史,让我们得以一窥宋代文人士大夫的审美情趣与日常书写状态,对于学习宋人尚意、追求笔情墨趣的同行者来说,是不可多得的宝贵资料。

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坦率地说,这本书的装帧设计实在过于“保守”,虽然对原作的保护和呈现是尽职的,但在现代阅读体验上稍显不足。比如,装订方式如果能采用更便于平铺翻阅的骑马钉或精装平摊设计,在临摹对照时会方便许多,现在这样,翻到中间部分总得费点劲压住,生怕损伤了脆弱的纸张。而且,作为一本面向当代学习者的书籍,如果能增加一些针对性的导读或者对米芾特定书风的结构分析,哪怕只是附带一本小册子介绍一下蜀素的时代背景和纸张的特性,都会大大提升其学术价值和实用性。现在的内容呈现略显单薄,更像是一个纯粹的文物复制品,缺少了一点“引人入胜”的引导,对于初涉米书的读者来说,可能会望而却步,难以窥其堂奥。

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我最欣赏的是这本书在细节处理上的那种近乎偏执的考究。那些微小的“蟹爪”提按、连带处的牵丝,在高清的印刷下纤毫毕现,简直是拓本无法比拟的优势。我特意拿我以前收集的拓本对照了一下,那种墨晕开来的枯笔飞白,在拓片上往往模糊不清,但在这本书里,能清晰地看到米芾在快速书写中,笔锋顿挫的力度和转向。特别是签押和引首部分的处理,那种不经意的洒脱感,通过这种高精度的影印技术得到了完美再现。它让我明白了,米芾的书法不是那种刻意雕琢的美,而是性情流露的瞬间,每一次阅读,都是对这种“活的笔墨”的深度体验,实在令人惊叹。

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翻阅此书,有一种强烈的代入感,仿佛能闻到北宋文人墨客在竹林或清室中挥毫泼墨的气息。这本书对纸张纹理的还原,特别是那种略带沙涩的质感,极大地增强了视觉上的真实性。这种真实的触感(尽管是视觉上的)对于理解米芾的用笔至关重要,因为他的墨色浓淡变化常常与纸张的吸收性相关联。更令人着迷的是,它无形中展示了宋代文人圈子的高雅风尚,这种高雅不是故作姿态,而是在日常交往中自然流露出的审美趣味。这本书,以其精湛的影印技术,成功地架起了一座连接我们与那段黄金时代的艺术桥梁,是一次物料与精神的双重洗礼。

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这本《蜀素帖》影印本的收藏价值毋庸置疑,但作为一本工具书,它的适用性确实存在局限。首先,它面向的是已经具备一定书法基础,能够自行辨识笔法和结构的书家群体。如果一个刚开始练习颜体或柳体,想转投宋代尚意书风的新手拿到它,很可能会因为米芾那种恣肆汪洋、不拘泥于法度的风格而感到无所适从,找不到入手的“门径”。书籍本身没有提供任何循序渐进的教学路径,它假定读者已经具备了对书法“意”的理解能力。因此,对于更广大的书法爱好者群体而言,这本书的门槛略高,更像是一件“供案上把玩”的珍品,而非“案头常备”的教材。

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