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出版者:上海远东出版社

作者:胡漪/毛晓冬

出品人:

页数:175

译者:

出版时间:2005-4

价格:25.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787807060505

丛书系列:

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• 角色设计
• 分镜技巧

《光影流转：电影制作的艺术与科学》 一本深入探索电影叙事、技术与美学的大全 在光影交织的魔幻世界中，电影不仅仅是娱乐，更是一种强大的媒介，承载着人类最深刻的情感、最宏大的想象与最尖锐的社会观察。 《光影流转：电影制作的艺术与科学》并非一本简单的入门指南，它是一部面向所有电影爱好者、独立制片人、乃至资深电影工作者的深度解析之作。本书旨在拆解电影制作的复杂流程，从最初的火花迸发到最终银幕呈现的每一个环节，提供详尽的理论支持、实用的操作技巧以及对经典案例的精妙剖析。 --- 第一部分：叙事的基石——剧本与前期筹备的深度透视 电影的灵魂在于故事。本部分将带领读者超越简单的“起承转合”，深入探讨如何构建具有持久生命力的叙事结构。 第一章：故事的源头与结构解构 原型与主题的提炼： 如何从浩瀚的生活碎片中捕捉到普世的“原型”（Archetypes），并将其转化为清晰、有力的核心主题。我们将分析约瑟夫·坎贝尔的“英雄之旅”模型，并探讨其在现代商业片和艺术片中的变异与重塑。 场景的生命力： 剧本中的每一个场景都必须具备双重功能——推进情节和展现人物。本书将提供一套“场景张力评估体系”，教你如何检验场景的效率与深度，避免冗余对白和“为拍而拍”的镜头。 对白的设计哲学： 区分“功能性对白”与“角色揭示性对白”。深入研究如何通过语调、停顿和潜台词（Subtext）来塑造人物的内心冲突，而不是让角色成为情节的复读机。 第二章：视觉化的先声——分镜与美术设计 从文字到图像的转化： 详细讲解分镜（Storyboard）不仅仅是画图，而是导演意图的蓝图。介绍不同风格的分镜技法（写实型、示意型、动态型），以及如何利用分镜来预先解决复杂的运动镜头和群戏调度问题。 世界观的构建： 无论是科幻史诗还是现实主义小品，都需要一个可信的环境。本书将探讨美术指导（Production Designer）在确定影片“质感”（Texture）中的核心作用，包括色彩心理学在不同文化语境下的应用，以及道具选择对叙事氛围的微妙影响。 选景的策略性： 探讨“地点即角色”的理念。如何根据剧本需求，系统性地评估潜在拍摄地点的光照条件、历史背景和物流可行性，实现成本效益与艺术表达的完美平衡。 --- 第二部分：光影的雕塑——摄影、灯光与调度 本部分聚焦于电影制作的核心技术层面，探索如何运用镜头语言和光线布局，将剧本中的抽象概念转化为观众可以感知的具象体验。 第三章：镜头语言的语法 景别与焦段的哲学选择： 深入分析不同焦距镜头（广角、标准、长焦）对空间感、心理距离和情绪表达的影响。不再是简单的技术参数罗列，而是探讨“为什么”选择特写而非全景。 运动的意义： 详细剖析摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、跟拍（Tracking）和斯坦尼康（Steadicam）等运动方式背后的情感驱动力。特别关注“虚拟运动”——如何通过剪辑的节奏模拟镜头的运动感。 焦点控制与景深的应用： 如何利用浅景深聚焦观众注意力，以及如何通过深景深（Deep Focus）构建复杂的人物关系和环境信息密度，解析奥逊·威尔斯和安德烈·塔可夫斯基在景深运用上的经典差异。 第四章：灯光：描绘情感的无形之手 三点布光法的超越： 传统三点布光（主光、辅光、轮廓光）是基础，但艺术来源于突破。本书将重点讲解“高调”与“低调”照明的心理学效应，以及如何利用“环境光”来赋予场景真实感和情绪色彩。 色彩的温度与情绪： 探讨如何通过灯光的色温（Kelvin值）来暗示时间、地点和角色的心理状态。例如，在自然光不足的场景中，如何精确模拟黄昏或清晨的微妙光线。 硬光与柔光的辩证： 分析硬光带来的戏剧性、锐利感（常用于黑色电影）与柔光带来的温和、理想化效果，并提供在不同天气条件下模拟理想光线的实战方案。 --- 第三部分：声音的层次与剪辑的节奏 电影的完成度，往往取决于听觉体验和节奏把控的精妙程度。本部分致力于揭示声音设计和剪辑艺术如何共同作用，塑造观众的沉浸感。 第五章：听觉的构建——声音设计与混音 对白、音效与音乐的交响： 声音设计不再是事后的润色，而是叙事的前置考虑。本书详细阐述“同步音效”、“拟音（Foley）”和“氛围音（Ambience）”的层次构建，以及如何通过声音的突然消失来制造戏剧性的冲击。 空间感的声学模拟： 如何通过混响（Reverb）和延迟（Delay）效果，精确地告诉观众角色是在空旷的大厅、狭窄的走廊还是室外的雨夜中。 音乐的情感定位： 区分“画内音”（Diegetic Music，角色能听到的音乐）和“画外音”（Non-Diegetic Music，配乐）。探讨配乐的“潜入点”与“退出点”的设计，避免音乐过度主导观众的情绪体验。 第六章：剪辑：时间的重塑者 节奏与情感流： 剪辑的本质是时间管理。分析如何通过长镜头与快速蒙太奇（Montage）的交替使用，控制观众的呼吸和信息接收速度。 剪辑的连续性法则与打破： 深入探讨180度规则等连续性剪辑的必要性，以及在动作场面、梦境序列或意识流叙事中，如何故意打破这些规则以达到特定的艺术效果。 转场艺术的细微差别： 区分淡入淡出（Fade）、叠化（Dissolve）、切入（Cut）等不同转场方式所暗示的时间流逝速度和情绪状态。 --- 第四部分：后期的整合与发行策略 电影制作的最后一步，是将所有零散的素材整合为一个统一的整体，并将其推向世界。 第七章：后期制作的工作流与色彩校正 数字影像的生命周期： 从RAW文件到最终的DCP（数字影院包），讲解色彩空间（如Rec. 709, DCI-P3）管理的重要性。 调色的艺术： 调色不仅仅是让画面“更好看”，而是最终确定影片的“情绪色调”。本书提供大量基于LUT（查找表）和色彩分级的实战案例分析，指导如何通过色彩来统一前后矛盾的素材。 第八章：发行与观众的连接 宣发材料的制作： 预告片、海报和剧照的制作逻辑，它们是电影的“第一张名片”，如何精确提炼影片的核心卖点。 电影节与市场的路径： 分析不同类型电影（艺术片、商业片）在国际电影节和院线发行的不同策略，以及数字平台对独立电影生态带来的机遇与挑战。 《光影流转：电影制作的艺术与科学》以其严谨的结构、丰富的案例和前瞻性的视野，旨在为每一位渴望精进电影技艺的创作者，提供一张通往卓越制作的详尽地图。它关注的，是如何将你脑海中宏伟的愿景，精确无误地雕刻在流动的光影之上。

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说到底，一本好的创作工具书，必须能够真正解决创作者在实践中遇到的瓶颈。这本书做到了这一点，尤其是在表现“情感张力”和“叙事节奏”方面，我学到了很多。以前我画的角色总是“形似而神不似”，表情到位了，但总觉得故事感不足。书中专门辟出了一章讲解面部肌肉的细微变化如何传递复杂情绪，以及镜头语言在漫画分镜中的情绪引导作用，简直是醍醐灌顶。作者通过大量的“失败案例分析”和“优化对比”，直观地展示了微小调整带来的巨大情感差异。这让我明白，动漫创作不仅仅是机械地模仿，更重要的是对人类情感的深刻洞察和精准捕捉。这本书让我从一个单纯的“画手”向一个“讲故事的人”迈进了一大步。

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老实讲，我本来对这种“宝典”类的书籍抱持着很高的期望，但往往落地时却发现内容空泛，只有华丽的封面和泛泛而谈的理论。《动漫技巧与资料宝典》成功地避开了这个陷阱。它的讲解风格非常务实，直击痛点。比如在处理复杂场景的光影关系时，很多书会停留在“用光源定义明暗”的初级阶段，但这本书却深入探讨了环境光、反射光以及不同材质对光线吸收和散射的影响，并提供了许多针对性的练习范例。我最欣赏它批判性思维的引入，它不会告诉你“只有这一个标准答案”，而是引导读者去思考“为什么这个技巧在这里有效，而在另一种情况下可能不适用”。这种开放性的教学方法，极大地解放了我的创作思维，让我敢于打破既有的套路，去尝试更具个人特色的表达方式。

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这本书的装帧设计和排版也值得称赞。拿到手时，首先感受到的是纸张的质感，厚实而富有韧性，即便是经常翻阅和做笔记也不会轻易损坏。更重要的是，内页的排版布局极为清晰，图文比例掌握得恰到好处。很多技术性内容都用流程图和对比图的形式展现，视觉冲击力强，而且不易产生阅读疲劳。我经常在深夜画稿时，眼睛容易干涩，但这本书的墨色深浅适中，字体清晰易读，长时间阅读下来，眼睛的负担也小了不少。很多技术书籍为了追求信息量，往往将页面挤得满满当当，让人喘不过气来，但《动漫技巧与资料宝典》明显在设计美学上也下了功夫，这让学习过程本身变成了一种享受，而不是一项艰巨的任务。

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我不得不说，这本书的资料库部分简直是神来之笔！作为一个对特定时代背景和文化元素有要求的创作者，我经常花费大量时间在搜索引擎上进行低效的“地毯式搜索”。然而，《动漫技巧与资料宝典》将这些繁琐的工作提前完成了。里面的服装细节、建筑风格、甚至不同国家文化中特有的符号象征，都被整理得井井有条，附带了大量高质量的参考图和简要的背景介绍。这极大地提高了我的工作效率。我曾为了确定一套中世纪骑士的盔甲的关节结构而焦头烂额，翻阅了无数图片网站都不得要领，结果在这本书里，我找到了一个清晰的剖析图，瞬间豁然开朗。它不仅仅是一个“技巧”书，更是一个可以随时查阅的“百科全书”。这种对细节的极致追求，体现了作者深厚的专业素养和对读者的尊重。

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这本《动漫技巧与资料宝典》简直是为我这种刚刚踏入动漫创作世界的新手量身定制的宝典！我一直苦于找不到一个既系统又实用的指南来梳理我的想法，很多网上零散的教程看了也只是皮毛。但这本书不同，它深入浅出地讲解了从基础的草图练习到复杂的角色设计流程，每一个步骤都配有清晰的图例和详尽的文字说明。尤其让我印象深刻的是关于动态捕捉和透视的章节，作者竟然能用如此简单易懂的方式解释那些看似晦涩的几何原理，让我这个数学白痴都能恍然大悟。我还特别喜欢它收录的“灵感激发”小技巧，不仅仅是教你“怎么画”，更教你“如何想”，如何在日常生活中捕捉那些转瞬即逝的灵感火花，并将其转化为生动的画面。这本书不像是冷冰冰的教科书，更像是一位经验丰富的前辈坐在你身边，耐心地手把手指导。我感觉自己不再是那个对着空白画纸发呆的迷茫者了，而是有了一个清晰的航向图。

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