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出版者:上海人民美术出版社

作者:徐和德

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2005-1

价格:29.0

装帧:平装

isbn号码:9787532241958

丛书系列:

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古籍修复与保护：跨越时空的匠心传承 书籍信息： 《古籍修复与保护：跨越时空的匠心传承》 字数： 约1500字 --- 导言：时间的见证者与沉默的历史 浩瀚的中华文明史，如同奔腾不息的长河，而古籍便是这条长河中沉淀下来的璀璨贝壳。它们不仅是知识的载体，更是历史的呼吸、先贤智慧的结晶、艺术的瑰宝。然而，岁月无情，纸张的纤维在光照、湿度、虫害的侵蚀下逐渐老化、脆化、残损。保护和修复这些承载着千年文明的文献，已然成为一项关乎文化存续的紧迫使命。 《古籍修复与保护：跨越时空的匠心传承》一书，并非聚焦于当代光影技术的解析，而是将笔墨投向了那些默默坚守在修复台前的工匠们，深入探讨传统古籍保护与修复的科学原理、精湛技艺及其背后蕴含的文化哲学。本书旨在为读者构建一个从物质层面到精神层面的古籍保护知识体系，展现修复工作如何成为一种跨越时空的“对话”。 第一部分：古籍的“病理学”——识别与诊断 修复的起点是对“病灶”的精确诊断。本书首先详尽地剖析了造成古籍损伤的内外部环境因素。 一、材料的衰变密码： 我们将从纸张的化学成分（如纤维素、木质素的降解）、墨色的氧化反应、砑罗织物的酥脆化等角度，解析古籍“病变”的微观机理。书中配有大量高倍显微镜下的图像，直观展示霉斑的菌丝结构、虫蛀的隧道形态以及水渍扩散的侵蚀路径。 二、环境的隐形杀手： 湿度、温度的剧烈波动，光照中的紫外线，以及空气中的酸性污染物，如何潜移默化地腐蚀着脆弱的载体。书中详细介绍了博物馆级恒湿恒温库房的构建标准，以及如何对民间收藏环境进行基础性的风险评估与改善建议。 三、结构性损伤的分类： 针对不同形制的古籍（如册页、卷轴、经折装、蝴蝶装），本书归纳了常见的结构性损伤类型，包括书页的撕裂、装帧线的断裂、书脊的松脱、以及版框的变形等，为后续的修复工作提供清晰的病理学依据。 第二部分：古法新用——修复技艺的精微展现 本书的核心价值在于对传统修复工艺的细致梳理与科学论证。我们力求还原修复师们代代相传的“手感”与“火候”。 一、纸张的“再生”艺术： 修复用纸的选择是至关重要的一步。书中对传统宣纸、皮纸、棉纸等修复材料的性能进行对比分析，重点阐述了“托裱”技术的原理。托裱不仅仅是粘贴，更是一种纤维重构的过程。我们详细分解了浸润、刮浆、铺匀、晾干等关键步骤，强调如何通过控制水分和力度，实现新旧纸张在韧性、厚度、色泽上的“无痕融合”。 二、霉斑与污渍的温和剥离： 针对不同类型的污渍（如油污、水渍、锈迹），书中介绍了运用天然溶剂和物理摩擦相结合的去污方法。例如，如何使用特定配比的淀粉糊进行“吸附性清洁”，以及在极度脆弱的纸张上采用“刀尖挑除法”处理硬化污渍的技巧，强调“最小干预”的原则。 三、装帧的恢复与加固： 修复不仅仅是补丁，更是对文献整体结构的重建。本书深入探讨了传统线装书的配页、配线、打孔、穿线的全过程。对于卷轴类文献，则详细介绍了“接绢”、“接纸”的技法，以及如何通过在关键受力点使用丝线或透明保护膜进行加固，以确保文献在展陈和翻阅中的稳定。 第四部分：科技赋能——现代检测与辅助手段 在坚守传统工艺的基础上，本书也引入了现代科技作为保护的有力支撑，展现传统与现代的和谐共生。 一、无损检测的视野： 我们介绍了如何运用紫外线荧光成像技术（UV-Vis）来识别肉眼难以察觉的修补痕迹、二次印刷或修补材料的差异。红外反射成像技术在辨识褪色墨迹和原稿信息方面的重要性也被详细论述。 二、环境监测与数据驱动的保护： 阐述了数字化温湿度传感器在实时监控库房环境中的应用，以及如何根据长期监测数据，制定更精准的预防性保护策略。 第五部分：文化的延续——修复师的精神谱系 古籍修复是一门实践的艺术，更是一种精神的传承。本书最后一部分聚焦于修复师的职业素养和伦理规范。 修复工作要求极高的耐心、细致入微的观察力，以及对古代工艺的深刻理解。修复的最终目的，是让文献的“生命力”得以延续，而非使其面貌焕然一新，以至于遮盖了历史的痕迹。本书强调了“可逆性”原则——即任何修复行为都应在未来有可能被移除或替换，以适应更先进的保护技术。 结语：留给未来的触感 《古籍修复与保护：跨越时空的匠心传承》旨在培养公众对古籍文献的敬畏之心，并为博物馆、图书馆专业人员，以及对手工技艺有浓厚兴趣的读者，提供一套全面而深入的知识指南。它是一本关于耐心、关于科学、关于对历史深沉热爱的书。翻开它，您将触摸到历史留下的纤薄纹理，理解每一处修补背后的匠心独运，从而更好地肩负起守护文明的责任。本书不提供速成秘籍，只呈现一条通往精深传统的崎岖而光荣的道路。

评分☆☆☆☆☆

这本书作为入门级教材还是可以的，但要进阶就很勉强了。 主要是有两个问题，一是编书的年份老，很多数码相机早已淘汰了，没有紧跟潮流；其二是介绍的技法，给人“里外不是人”的感觉，并非完全的教怎么拍出的照片优秀（对比：《纽约摄影教程》）又非牢牢结合数码摄影的特殊点（...

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这本书作为入门级教材还是可以的，但要进阶就很勉强了。 主要是有两个问题，一是编书的年份老，很多数码相机早已淘汰了，没有紧跟潮流；其二是介绍的技法，给人“里外不是人”的感觉，并非完全的教怎么拍出的照片优秀（对比：《纽约摄影教程》）又非牢牢结合数码摄影的特殊点（...

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这本书作为入门级教材还是可以的，但要进阶就很勉强了。 主要是有两个问题，一是编书的年份老，很多数码相机早已淘汰了，没有紧跟潮流；其二是介绍的技法，给人“里外不是人”的感觉，并非完全的教怎么拍出的照片优秀（对比：《纽约摄影教程》）又非牢牢结合数码摄影的特殊点（...

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这本《数码摄影教程》真是让我爱不释手，特别是它对光线原理的阐述，简直是醍醐灌顶。我以前总是凭感觉去设置曝光，结果拍出来的照片要么过曝得像张白纸，要么暗得看不清细节。这本书里用非常直观的图示和易于理解的语言，详细解释了什么是直射光、散射光、侧光，以及它们如何影响画面的质感和氛围。比如，书中关于“黄金时刻”和“蓝色时刻”的对比分析，不仅仅是告诉你什么时候去拍，更深层次地讲解了在那一时刻，光线的色温和角度是如何雕刻主体的。我记得有一章专门讲了如何使用反光板和柔光伞，那些专业术语在作者的讲解下变得异常清晰，我甚至能想象出不同器材在实际操作中的效果。看完这部分，我立刻带着我的入门级单反跑出去实践，尝试用一块随身携带的白色泡沫板来补光，效果立竿见影，人物脸上的阴影柔和了许多，那种立体感瞬间就出来了。这本书绝对不是那种只会罗列参数的枯燥说明书，它更像一位经验丰富的大师在你耳边循循善诱，让你真正理解“光是摄影的灵魂”这句话的重量。对于想从“按快门”升级到“创作”的摄影爱好者来说，这部分内容无疑是基石中的基石，值得反复研读。

评分☆☆☆☆☆

这本书的构图理论部分，彻底颠覆了我过去对“三分法”的僵化理解。我以前总觉得构图就是把主体放在网格线的交叉点上，结果拍出来的照片总感觉平庸且缺乏新意。《数码摄影教程》花了整整一个章节来探讨“视觉引导线”和“负空间”的运用，让我意识到了照片的“流动性”和“呼吸感”是多么重要。作者引用了大量的古典绘画和当代优秀摄影作品作为案例，分析了为什么某些画面会让人感觉舒服或紧张。我特别喜欢它关于“平衡”的讨论，不仅仅是关于对称与非对称的平衡，还包括了影调和色彩上的平衡。比如，在一个大面积的蓝色天空画面中，一个极小的暖色调物体如何通过对比来锚定观众的视线，这种微妙的平衡感，是纯粹的参数设置无法带来的。读完这部分，我开始有意识地去寻找场景中天然存在的引导线，比如一条蜿蜒的小路、一组重复的栏杆，并用它们将观众的目光自然地引向主体，这极大地提升了我照片的叙事张力。这种从“怎么摆放物体”到“如何引导观众目光”的思维转变，是这本书带给我最宝贵的财富之一。

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最让我感到惊喜的是，这本书并没有沉溺于高深的理论，而是非常务实地探讨了不同题材的拍摄要点和常见陷阱。比如，在“微距摄影”那一章，作者详细分析了景深在极近距离下急剧缩短的物理限制，并给出了分层对焦（Focus Stacking）的完整操作指南，这对于想拍摄花卉或昆虫特写的爱好者来说，简直是救星。而在“运动抓拍”部分，它不仅仅提到了高速快门，更强调了预测被摄对象运动轨迹的重要性，以及如何设置追踪对焦模式来确保焦点锁定。对我个人而言，关于“人像摄影”的章节帮助最大，作者区分了棚拍和外景布光的差异，更细致地讲到了如何通过调整拍摄角度和使用特定焦距镜头来修饰模特的脸型，避免了常见的“大饼脸”尴尬。这种针对性极强的实战技巧分享，让我感觉这本书就像一个贴身的高级私人教练，随时随地都能给我最贴切的现场指导，而不是空泛的理论说教，它让我明白，技术最终是要为具体的拍摄目标服务的。

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这本书在器材选择方面的建议，体现出一种非常成熟和理性的态度，而不是赤裸裸的“种草”文。它没有一味地推崇最昂贵的全画幅设备，而是花费了大量篇幅来探讨不同画幅、不同焦段镜头与不同题材的适配性。比如，在讲解风光摄影时，它会深入分析广角镜头带来的畸变控制难度，以及为什么有时中焦距镜头反而是风光构图的利器。对于我这种还在用半画幅微单的用户来说，这一点尤其重要，它教会我如何扬长避短，如何利用现有器材的特性去最大化产出高质量的照片。更难得的是，它还涉及到了闪光灯系统的基础知识，不是简单地教你如何“上热靴”，而是从理解“离机闪”的布光原理入手，让我对人像布光产生了浓厚的兴趣。书中用多灯布光图解的方式，清晰地展示了主光、辅光和背景光的相对位置和功率比对，让人茅塞顿开。这种由浅入深、以应用为导向的器材讲解，使得我们读者在面对琳琅满目的摄影配件时，能做出真正符合自己创作方向的明智决策。

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我尤其欣赏这本书在后期处理流程上的系统性介绍，这对我这种习惯于“先拍好再说”的人来说，简直是一场及时的纠偏教育。它没有像市面上很多教材那样，只停留在Photoshop的基本工具介绍上，而是构建了一个完整的、逻辑严谨的工作流。从RAW格式文件的导入与色彩空间的选择，到基础的白平衡校正和影调调整，再到最后的锐化和输出，每一步都有明确的目的性。我印象最深的是关于“局部调整”的章节，作者用大量的对比图展示了如何使用蒙版技术，精确地提升天空的细节、压暗过亮的高光，或者仅仅是让模特的眼睛更有神采，而不会破坏整体画面的和谐感。这让我明白，后期不是“拯救废片”，而是对前期创作意图的二次实现。最妙的是，作者还探讨了不同打印介质对最终色彩呈现的影响，这让我对自己的作品有了更全面的认识——原来我辛辛苦苦在屏幕上调好的颜色，放到不同纸张上可能会大相径庭。这本书的后期部分，真正做到了将技术服务于艺术表达，而不是让技术本身成为束缚。

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