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出版者:机械工业出版社

作者:红雨

出品人:

页数:245

译者:

出版时间:2004-7

价格:66.0

装帧:平装

isbn号码:9787111122524

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《动画之路》 一、 历史的洪流：早期探索与萌芽（19世纪末 - 20世纪初） 动画的种子，早在人类对动态影像的痴迷中便已悄然播下。19世纪末，随着光学玩具的兴盛，例如费拿奇镜（Phenakistoscope）、佐托普（Zoetrope）和闪光灯（Praxinoscope），人们开始通过快速连续播放手绘图像来捕捉运动的错觉。这些简陋但充满创意的装置，是今日复杂动画技术的先驱，它们唤醒了公众对“会动的画”的想象。 进入20世纪，电影的诞生为动画艺术提供了更广阔的舞台。早期电影制作人，如乔治·梅里爱（Georges Méliès），虽然主要以真人实景拍摄为主，但他在电影特效上的大胆尝试，包括将绘画和模型融入影像，为后来的动画制作积累了经验。真正意义上的动画创作，则要归功于一些不懈的先驱者。 埃米尔·科尔（Émile Cohl），这位法国艺术家，被誉为“动画之父”。他在1908年创作的《幻想曲（Fantasmagorie）》是世界上第一部完全由手绘动画构成的短片。影片中，他用简单的线条勾勒出各种奇妙的变形和场景，打破了现实的束缚，展现了纯粹的想象力。科尔的创作，标志着动画作为一种独立艺术形式的诞生。 与此同时，在美国，温瑟·麦凯（Winsor McCay）也以其卓越的绘画技巧和对动画的热情，开创了另一条重要的道路。麦凯以其精美的连环画闻名，并将这种叙事能力延伸到动画领域。他的作品《恐龙格特鲁德（Gertie the Dinosaur）》（1914）不仅展现了流畅的动作，更赋予了角色鲜明的个性和生命力，开启了以角色为中心的动画叙事模式。麦凯的工作量是惊人的，平均每秒画面需要数百张手绘图，他将动画制作的精细化推向了新的高度。 在俄国，亚历山大·什夫里扬（Alexander Shirvanzade）和谢尔盖·爱森斯坦（Sergei Eisenstein）等导演也尝试将动画与真人电影结合，探索蒙太奇的艺术，为动画的叙事语言增添了深度。 二、 好莱坞的崛起与黄金时代（20世纪20年代 - 50年代） 20世纪20年代，好莱坞成为全球电影产业的中心，也孕育了世界动画的第一个黄金时代。在这个时期，技术不断进步，制作流程日益完善，动画电影逐渐成为一种大众娱乐形式。 沃尔特·迪斯尼（Walt Disney）无疑是这个时代的标志性人物。从早期的《爱丽丝品尝罐头奇闻》（Alice Comedies）系列，到1928年标志性的《威利号汽船（Steamboat Willie）》，迪斯尼和他充满才华的团队，不断突破技术和艺术的界限。米老鼠（Mickey Mouse）的诞生，不仅创造了一个全球知名的文化符号，更将动画的叙事和表演能力提升到了新的水平。迪斯尼对动画的贡献是多方面的：他引入了三色印刷技术，实现了更丰富的色彩表现；他 pioneering 了多平面摄影机（Multiplane Camera），为画面带来了景深和空间感；他更是构建了一套高度专业化的动画制作体系，包括故事板、分镜、角色设计、背景绘制、中间画绘制、上色、摄影等环节，为现代动画工业奠定了基础。 1937年，迪斯尼推出了世界上第一部完整长度的彩色动画故事片——《白雪公主和七个小矮人》（Snow White and the Seven Dwarfs）。这部影片的巨大成功，证明了动画电影的商业潜力和艺术价值，也开启了动画长片的时代。随后的《匹诺曹》（Pinocchio）、《幻想曲》（Fantasia）、《小鹿斑比》（Bambi）等影片，更是以其精湛的动画技术、深刻的主题和动人的音乐，成为动画史上的不朽经典。 与此同时，其他动画工作室也贡献了精彩的作品。华纳兄弟（Warner Bros.）的《乐一通》（Looney Tunes）和《梅鲁·梅洛迪斯》（Merrie Melodies）系列，以其节奏明快、幽默讽刺、充满活力的卡通形象（如兔八哥 Bugs Bunny、达菲鸭 Daffy Duck）赢得了观众的喜爱，形成了与迪斯尼风格迥异的“卡通暴力”和“即兴喜剧”的特色。米高梅（MGM）的《猫和老鼠》（Tom and Jerry），则以其肢体喜剧和精心设计的追逐场面，成为无声喜剧的杰出代表。弗莱舍工作室（Fleischer Studios），以其独特的表现手法和对超现实主义的探索，创作了《贝蒂娃娃》（Betty Boop）和《大力水手》（Popeye the Sailor）等经典形象，其大胆的视觉风格和对成人主题的隐晦处理，在当时独树一帜。 三、 风格的多样化与全球拓展（20世纪60年代 - 90年代） 随着电视的普及，动画的传播渠道发生了巨大变化，也催生了动画风格的多样化和全球化的趋势。 60年代，以汉纳-巴伯拉（Hanna-Barbera）工作室为代表的电视动画公司，创造了《摩登原始人》（The Flintstones）、《瑜伽熊》（Yogi Bear）、《史酷比狗》（Scooby-Doo）等系列。为了适应电视每周播出的需求，他们的制作手法相对简化，更加注重故事的趣味性和角色辨识度，塑造了大量深入人心的电视动画形象。 在这个时期，日本动画（Anime）开始崭露头角，并逐渐形成其独特的风格。手冢治虫（Osamu Tezuka），被誉为“日本漫画之神”，他的作品如《铁臂阿童木》（Astro Boy），不仅在日本取得了巨大成功，也为日本动画走向世界奠定了基础。手冢治虫受到迪斯尼的影响，但同时也融入了日本本土的文化元素和叙事方式，创造了具有辨识度的角色设计和更富戏剧性的情节。 70年代和80年代，日本动画的制作技术不断提升，作品题材也日益丰富，从儿童向的科幻、冒险，到面向青少年的热血、奇幻，再到成人向的深刻探讨，逐渐形成了完整的产业链和多元化的风格。宫崎骏（Hayao Miyazaki）和高畑勋（Isao Takahata）创立的吉卜力工作室（Studio Ghibli），以其充满诗意的画面、深刻的环境主题和复杂的人物刻画，创作了《龙猫》（My Neighbor Totoro）、《千与千寻》（Spirited Away）等一系列享誉世界的杰作，将日本动画的艺术高度推向了新的巅峰。 西方动画在此时也涌现出一些突破性的作品。1988年，《谁陷害了兔子罗杰》（Who Framed Roger Rabbit）将真人表演与二维动画完美结合，创造了令人惊叹的视觉效果，并获得了评论界的广泛赞誉。90年代，皮克斯动画工作室（Pixar Animation Studios）的出现，标志着计算机三维动画（CGI）时代的来临。1995年，《玩具总动员》（Toy Story）的上映，以其逼真的CG技术、出色的故事叙述和感人的情感表达，彻底改变了动画电影的面貌。 四、 CGI革命与数字时代的来临（20世纪90年代末至今） 以皮克斯为代表的CG动画公司，迅速成为了动画电影市场的主导力量。《虫虫危机》（A Bug's Life）、《怪兽电力公司》（Monsters, Inc.）、《海底总动员》（Finding Nemo）等一系列CG动画的成功，不仅证明了CG技术的无限潜力，更将动画的故事性和观赏性提升到了新的维度。 CG动画的优势在于其对细节的极致追求、对光影的精准模拟以及对物理运动的逼真还原。这使得动画角色能够拥有更细腻的表情、更自然的动作，以及更具沉浸感的场景。同时，CG技术也为动画师提供了前所未有的创作自由，使得各种天马行空的想象得以变成现实。 如今，全球动画产业呈现出百花齐放的局面。美国好莱坞依然是CG动画的重镇，迪士尼、梦工厂（DreamWorks Animation）、照明娱乐（Illumination Entertainment）等公司不断推出高质量的动画电影。日本动画在保持其独特风格的同时，也积极吸收CG技术，并持续输出大量高质量的动画作品，包括《进击的巨人》（Attack on Titan）、《鬼灭之刃》（Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba）等现象级作品。 同时，中国动画产业也迎来了快速发展的时期，从早期的《大闹天宫》、《葫芦兄弟》等经典，到如今的《哪吒之魔童降世》、《姜子牙》等CG动画的崛起，中国动画在技术和艺术层面都取得了显著进步，并开始在国际舞台上展现其独特的文化魅力。 数字时代的到来，也使得动画创作的门槛有所降低，独立动画人、小型工作室的作品也得以通过互联网平台触达更广泛的观众。流媒体服务的兴起，更是为动画作品提供了更多元化的展示和消费渠道。 五、 结语：永不止步的想象力 从最初的闪光灯和简单的线条，到如今逼真的CG世界，动画艺术的“动画之路”是一部不断探索、创新和超越的史诗。它不仅仅是一种娱乐形式，更是一种强大的叙事工具，一种能够承载深刻情感、传递多元文化、激发无限想象的艺术语言。 在这个过程中，每一位动画师、导演、编剧、技术人员都扮演着至关重要的角色，他们的智慧、汗水和对艺术的热爱，共同塑造了动画世界的丰富多彩。未来，随着技术的不断发展和人类想象力的无限延伸，动画艺术必将继续在技术的革新和艺术的探索中，开辟出更加广阔和令人惊叹的“动画之路”。

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如果要用一个词来概括这本书带给我的感受，那就是“触动”。它没有提供任何速成的秘诀，却点燃了我心中那团对“动态美学”的原始渴望。书中对于“动态参考”的论述，尤为精彩，它并不是简单地建议多看录像带，而是教你如何“观看”——如何解构体育比赛中的爆发力，如何捕捉音乐节奏中的律动，如何将这些来自生活的三维动态，转化为二维平面的视觉律动。作者用非常诗意的语言描述了动画运动中的“惯性与反作用力”，仿佛在描述一场无声的舞蹈。这种将物理规律与艺术表达完美融合的叙事方式，让我对“动画”二字的理解，从“会动的画”提升到了“被精心编排的视觉运动的诗篇”。阅读过程中，我经常会停下来，闭上眼睛，试图在脑海中模拟出书中描述的那个“完美摆动”的弧线。这本书的价值在于，它将冰冷的技术概念，注入了艺术家的热情与对生命运动的敬畏，使人读完后，会带着一种全新的眼光去看待世界上所有的动态影像。

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这本书的叙事结构非常跳跃，充满了实验性的色彩，与其说是“动画之路”，不如说是一场关于“视觉叙事”的哲学思辨之旅。我特别欣赏作者在讨论“动态捕捉与手绘的张力”时的那种大胆的质疑精神。他没有盲目崇拜任何一种技术范式，而是不断追问：技术进步的终极目的是什么？是否是为了让动画更像真人，还是为了探索超越现实的视觉可能性？书中穿插了大量作者个人的创作手记和对不同时代动画大师作品的偏爱，这种高度个人化的叙事，使得整本书读起来像是一本私密的日记，而不是一本教科书。我印象最深的是关于“留白”艺术的讨论。在充斥着高精度渲染和海量细节的当下，作者却反复强调“看不见的部分往往比看得见的部分更重要”。他用蒙太奇理论中的镜头剪辑手法，类比到角色表情的瞬间抽离，告诉我们，情绪的爆发往往需要一个蓄势待平的“空档期”。这种对画面信息量的精妙控制，让我意识到，优秀的动画作品，其留白之处，是留给观众想象力的空间，是构建沉浸感的重要桥梁。这本书的价值在于它提供了一种批判性的视角，迫使读者跳出固有的审美框架，去审视我们正在创造和消费的动画内容。

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这本书的阅读体验如同置身于一个古老的图书馆，里面的知识点并非按照清晰的A到Z顺序排列，而是像星图一样，由无数个发光的点（灵感片段）构成了错综复杂的星座。我发现自己无法一口气读完它，而是习惯于随机翻开任何一页，去捕捉作者抛出的一两个“金句”。书中关于“角色动机的深层挖掘”的那几页，简直是心理学在动画中的应用范本。作者深入探讨了为何一个反派的动作会比主角更具吸引力，那源于其行为逻辑中那种难以捉摸的“不一致性”——一种看似矛盾却又无比真实的人性侧写。他通过分析一些经典动画电影中反派的肢体语言，展示了如何通过微小的肌肉颤动、眼神的游移，来构建角色的内心冲突，使得观众在憎恨之余，又对其命运产生一丝复杂的情感。这种对角色立体感的执着追求，让我对“叙事完整性”有了更深层次的理解。它不再是简单的故事线索，而是角色自身内在逻辑的完美自洽。

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读完这本《动画之路》，最大的感受是它提供了一种极度务实且充满人情味的行业观察。它很少谈及宏大的产业趋势，而是把焦点放在了“协作”与“沟通”的微观层面。作者似乎以一个资深动画制作人的身份，向我们揭示了动画制作流水线上那些不为人知的“灰色地带”。比如，关于分镜师与原画师之间如何有效进行“意图传达”的技巧，那些因为沟通不畅导致的返工和挫败感，在书中被描述得淋漓尽致。这种对幕后工作生态的细致描摹，对于任何想进入这个行业的人来说，都是无价的“避坑指南”。书中还用非常幽默的笔调，描述了不同部门之间的“文化冲突”——艺术家的浪漫主义如何与制作管理的效率追求发生碰撞，以及最终如何达成一种充满妥协但又彼此尊重的平衡。这种对行业复杂人际关系的坦诚剖析，远比那些教人如何使用软件的章节来得深刻。它让我明白，动画制作是一门“人与人的艺术”，技术只是工具，最终决定作品质量的，是团队的凝聚力和彼此的理解。

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翻开这本《动画之路》，我原本以为会是一本枯燥的技术手册，里面堆砌着各种复杂的软件操作流程和晦涩难懂的理论术语。然而，事实却给了我一个大大的惊喜。作者的笔触是如此的轻盈而富有洞察力，仿佛一位经验丰富的老前辈，耐心地牵引着我们这些初学者，一步步探索动画世界的奇妙。他没有急于展示那些光鲜亮丽的最终成品，而是将重点放在了“思考”和“感觉”上。比如，书中对于“时间感”的阐述，简直是醍醐灌顶。过去我总觉得动画就是把一帧帧画面快速播放，但这本书让我明白了，真正的动画魅力在于节奏的拿捏，在于如何通过微妙的停顿和加速来传达情感的起伏。书中通过大量的经典案例分析，比如某个角色走路的慢动作设计，如何通过细微的身体姿态变化，暗示了其内心的挣扎与最终的释然，这些细节的剖析，让我对“表演”在动画中的重要性有了全新的认识。它不仅仅是关于画得多好，更是关于如何让一个虚拟的形象，拥有真实的“灵魂”。阅读这本书，就像是进入了一个充满魔力的工作室，空气中弥漫着铅笔的木屑味和对梦想的无限憧h望，让人恨不得立刻拿起笔，去尝试实践书中的每一个建议，哪怕只是画一个简单的圆球滚动，也希望能从中找到那份属于动画的生命力。

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材质很好很强大~我看过最牛的一本了

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