具体描述
本书是在总结多年来教学实践经验，参考近几年来国内各种信息检索教材，并查阅了大量有关文献资料的基础上编写而成。本书在内容编排上，既有手工检索，又有光盘检索、联机检索和网络检索；既包含信息检索的基础理论，也包括灰色文献及国内外著名检索工具和数据库的检索方法。由于数据库的检索具有简单、直观、现象等特点，比较容易为读者接受，而手工检索刊物的体列结构则比较复杂，所以本书手工检索的内容占了一定篇幅，数据库检索占的篇幅比较大，考虑到两者的检索原理完全一致，将两部分的许多内容有机结合在一起。
本书的适用对象为工科专业学生，尤其适用于机械、电子、化工类专业的学生。
《艺术的觉醒：从古典到先锋的百年流变》 第一章：古典的黄昏与浪漫的黎明 (约 300 字) 本书并非探讨信息获取的技术细节，而是聚焦于人类精神世界中对“美”与“意义”的永恒追寻。我们将从十八世纪末的古典主义（Neoclassicism）的严谨秩序中启程，解析其对理性、和谐与古典范式的回归。这种对平衡的强调，在雅典娜神庙的废墟与拉斐尔的完美构图中找到其最高表达。然而，时代的洪流终将冲垮这座理性的堡垒。 随着启蒙运动的火花在社会结构中引发震颤，一种更深沉、更个人化的情感力量开始涌现——浪漫主义（Romanticism）。我们深入剖析拜伦的忧郁、特纳（J.M.W. Turner）笔下令人窒息的自然伟力，以及贝多芬交响乐中那挣脱束缚的激情。浪漫主义艺术家不再满足于模仿外部世界，他们将目光投向内心深处未知的疆域，探索崇高（the Sublime）、异国情调以及被压抑的民族精神。这一时期的艺术，是从对“应然”的恪守转向对“所感”的颂扬，为后续的剧变埋下了伏笔。我们考察了歌德的《浮士德》如何象征着人类永不满足的求知欲和对超越的渴望，这与对具体知识库的检索方法论截然不同，它关乎存在的本质叩问。 第二章：现实的刻度与现代的焦虑 (约 350 字) 十九世纪中叶，工业革命的蒸汽和钢铁气息浓烈地渗透到艺术家的视野中。人们厌倦了浪漫主义的虚幻缥缈，要求艺术直面工厂的烟尘、底层劳工的辛酸以及新兴资产阶级的浮华。由此催生了写实主义（Realism）。库尔贝（Gustave Courbet）的《采石者》以其粗粝、未经修饰的质感，宣告了“我只画我能看见的”宣言。这是一种对“真实”的偏执追求，但“真实”本身的概念也开始松动。 紧随其后的是印象派（Impressionism）对时间瞬间的捕捉。莫奈（Claude Monet）和雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）不再关心物体的固有颜色，而是着迷于光线与空气如何瞬间改变我们对现实的感知。这种对感官体验的瞬间记录，极大地挑战了传统学院派对永恒主题的刻画。他们将画架从封闭的画室搬到户外，实践了一种全新的观察方法论。 然而，仅仅记录瞬间的表象仍显不足。后印象派（Post-Impressionism）的艺术家们，如塞尚（Paul Cézanne）、梵高（Vincent van Gogh）和高更（Paul Gauguin），开始在印象派的基础上，试图重建艺术的内在结构与精神深度。塞尚通过几何形体解构自然，预示了立体主义的降临；梵高用扭曲的线条和燃烧的色彩宣泄内心的痛苦与狂热；高更则逃往塔希提岛，寻求原始的象征意义。他们的探索，标志着艺术开始转向主体内在的构建与表达，脱离了对客观世界的直接描摹。 第三章：形式的革命与主体的崩塌 (约 400 字) 二十世纪初，科学的突破——相对论、潜意识理论——使得人们对绝对真理和稳定结构产生了深刻怀疑。艺术领域爆发了前所未有的形式革命。立体主义（Cubism）彻底粉碎了文艺复兴以来的单重视角，毕加索（Pablo Picasso）和布拉克（Georges Braque）将物体拆解、重组，从多个时间点和空间维度进行并置呈现。这并非是关于如何快速找到特定信息，而是关于如何理解和呈现事物本质的多维复杂性。 紧接着，一场反抗逻辑与理性的运动——达达主义（Dadaism）横空出世。第一次世界大战的残酷使得艺术家们对一切既有价值体系产生彻底的幻灭，他们以荒谬、偶然和非理性作为武器，嘲弄了资产阶级的品味和文化精英的自负。杜尚（Marcel Duchamp）的现成品（Readymades）挑战了“艺术品”的定义边界，迫使观众思考“何为艺术”这一哲学命题。 随后，潜意识的幽灵在超现实主义（Surrealism）中获得了具象的形态。受到弗洛伊德精神分析学说的深刻影响，达利（Salvador Dalí）和马格利特（René Magritte）将梦境、幻觉和随机联想并置于清晰的画面中，创造出令人不安却又极度迷人的视觉悖论。这些探索，本质上是对人类心智深层机制的深入挖掘，与信息检索的清晰、结构化流程形成了鲜明的对比。 第四章：抽象的胜利与大众的镜像 (约 350 字) 二战后，艺术的中心转向纽约。抽象表现主义（Abstract Expressionism）成为了美国精神的象征。以波洛克（Jackson Pollock）的滴画和罗斯科（Mark Rothko）的色域绘画为代表，这种艺术彻底放弃了具象内容，专注于动作本身（Action Painting）或纯粹的情感共鸣（Color Field）。罗斯科的巨大色块，如无声的祭坛，引导观众进入一种近乎宗教体验的沉思状态，这是一种对“非语言、非文本”体验的极致追求。 然而，艺术的反思并未止步于抽象的内在世界。面对战后消费主义的崛起和大众媒体的饱和，波普艺术（Pop Art）——以安迪·沃霍尔（Andy Warhol）为首——以一种戏谑、直接的方式，将商业标志、名人肖像和日常物品提升到艺术殿堂，模糊了高雅文化与低俗文化的界限。波普艺术是对“复制性”和“符号化”的直接回应，它本身就是对符号爆炸时代的一种评论，而非解决信息的工具。 在同一时期，极简主义（Minimalism）则试图消除艺术家的个人情感和主观叙事，回归到材料、空间和观看体验本身。唐纳德·贾德（Donald Judd）的几何体装置，强调其“特定对象”的物质存在，拒绝任何隐喻。它们是明确的、可测量的物理实体，与依赖搜索引擎的模糊查询形成鲜明反差。 第五章：后现代的解构与当代的多元并置 (约 150 字) 进入后现代（Postmodernism）阶段，艺术开始系统性地质疑“原创性”、“宏大叙事”以及所有“主义”的有效性。艺术家们热衷于挪用（Appropriation）、拼贴（Pastiche）和对历史风格的戏仿。他们不再追求发现新的真理，而是审视既有的符号系统如何被建构和权力所利用。当代艺术的多样性——从观念艺术、装置艺术到行为艺术——表明，艺术的本质已不再是知识的存储或获取，而是批判、体验与无休止的对话。本书的终点，停留在对艺术如何承载文化记忆和抵抗单一化解释的探讨，它关注的是意义的生成过程，而非信息的精确传递。
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