当代好莱坞

当代好莱坞 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:四川人民出版社
作者:鲍玉珩
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:2003-3-1
价格:15.0
装帧:精装(无盘)
isbn号码:9787220060618
丛书系列:近观美国丛书
图书标签:
  • 电影
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具体描述

《当代好莱坞:艺术、金钱与梦》一书是“近观美国丛书”的一个组成部分。作者从他所用的名字—— “当代好莱坞:艺术、金钱与梦”——上就已经表明 了他的基本观点。 艺术、金钱和梦,可以说是历来美国电影赖以生存和发展的基础。各个不同时期出现的一些优秀的表导演艺术家及其所创作的电影艺术精品,是使好莱坞经久不衰并终霸占全世界电影市场的根本之点。

本书中围绕着制片问题所提供的种种动作的情况,对于一般读者说来,也可以提供一个了解好莱坞这架庞大机器如何运转及其美国经济千丝万缕的联系的机会,因而也是“近观美国”的一个不可或缺的角度。

本书还提到人们应该警惕好莱坞影片在意识形态上的“入侵”,并对我国在加入WTO后如何应对美国电影的“大举进攻”以保护我们的民族电影提出了一些好 的建议。

书名:光影流转:欧洲电影的百年风云 作者:[此处填写一位虚构的资深电影史学家姓名,例如:维克多·科瓦奇] 出版社:[此处填写一家信誉良好的专业艺术类出版社名称,例如:蓝珀艺术文献出版社] 定价:[此处填写一个合理的定价,例如:188.00元] --- 导言:光影的故乡与欧洲精神的载体 欧洲,这片孕育了无数艺术流派与思想变革的土地,其电影史无疑是世界电影叙事、美学与哲学探索的基石。本书《光影流转:欧洲电影的百年风云》旨在以深厚的历史脉络和精微的文本分析,勾勒出十九世纪末电影技术诞生以来,直至二十一世纪初,欧洲大陆在不同历史阶段所展现出的独特电影景观。我们不将欧洲电影视为一个统一的整体,而是将其视为一连串相互影响、激烈碰撞,又各自独立的创作脉络的集合体,探究其如何对工业化、两次世界大战、冷战对峙以及全球化浪潮做出深刻而多维度的回应。 本书的写作视角,迥异于侧重好莱坞制片工业模式的论述,而是将焦点置于欧洲电影的“作者论”(Auteur Theory)传统、对社会现实的批判性介入,以及对电影语言本体的持续实验。我们相信,欧洲电影的价值,恰恰在于其拒绝被商业逻辑完全主导,而始终致力于挖掘人性深处的复杂性、社会结构的矛盾性,以及艺术表达的无限可能性。 --- 第一部分:黎明与试验(1895-1929):从魔术到表现主义 本部分详述欧洲电影的起源及其在默片时代早期所达成的艺术高峰。我们首先回顾路易·卢米埃尔兄弟的纪实先声,以及乔治·梅里爱对幻觉与叙事潜能的早期发掘。 法国的先锋探索: 重点分析了法国如何迅速成为艺术电影的温床。这一章节深入剖析了超现实主义运动对电影的渗透,特别是路易·布努埃尔的《一条安达鲁狗》如何通过非理性、梦境化的意象,彻底颠覆了传统的因果叙事结构。我们考察了让·爱普斯坦(Jean Epstein)对“照相写实主义”和“深焦”的理论建构,揭示了早期欧洲知识分子对电影媒介本体的哲学思考。 德国的表现主义的崛起: 这一核心章节聚焦于魏玛共和国时期德国电影的心理张力。我们不仅详细解析了罗伯特·维内(Robert Wiene)的《卡里加里博士的小屋》中舞台化的、扭曲的布景如何外化角色内心世界的焦虑与疯狂,还深入探讨了弗里茨·朗(Fritz Lang)的史诗叙事(如《尼伯龙根之歌》)如何融合民间神话与对现代社会秩序的隐忧。我们强调,表现主义并非仅是视觉风格,它是在战后集体创伤背景下,对理性主义幻灭的一种强烈视觉表达。 --- 第二部分:危机与复苏(1930-1950):战争、意识形态与诗意现实主义 有声电影的出现为欧洲带来了新的表达工具,但紧随其后的经济大萧条和法西斯主义的抬头,使得电影迅速沦为意识形态宣传的工具。 意大利的“白色电话”与诗意现实主义的萌芽: 在墨索里尼政权下,意大利电影表面上充斥着逃避现实的娱乐片,但与此同时,一批年轻的电影人已在私下探索更贴近普通民众生活的题材。我们追踪了法国的“诗意现实主义”(Poetic Realism),分析了让·雷诺阿(Jean Renoir)在《大众浴场》和《北方旅馆》中对社会阶级关系微妙而充满人性光辉的描绘,尽管这些作品最终常以悲剧收场,却预示了战后欧洲电影对人道主义的回归。 战争时期的电影: 简要分析了各国在战争期间的宣传电影,但更重要的是,探讨了在严格审查下,欧洲电影人如何使用隐喻、讽刺和象征手法来表达对暴政的抵抗和对自由的渴望。 --- 第三部分:新浪潮的震撼(1950-1970):作者论的胜利与对电影传统的颠覆 二战后的欧洲电影界,弥漫着一种推翻既有艺术规范的强烈渴望。这一时期是欧洲电影史上最具爆炸性的阶段。 意大利新现实主义的后续影响: 深入研究了罗伯托·罗西里尼、维托里奥·德·西卡等大师如何将镜头从战后废墟转向对战后重建中普通人道德困境的关注。接着,我们剖析了费德里科·费里尼(Federico Fellini)和米开朗基罗·安东尼奥尼(Michelangelo Antonioni)如何将现实主义推向心理的、哲学的层面,前者以巴洛克式的想象力探索记忆与欲望,后者则以极简的镜头语言描绘现代人的“疏离感”。 法国新浪潮(Nouvelle Vague): 这一章节是全书的重点之一。我们详细梳理了《电影手册》时期的理论批判,以及特吕弗(Truffaut)、戈达尔(Godard)、夏布洛(Chabrol)等人如何实践他们的理论。本书特别强调了戈达尔对剪辑节奏、跳切(Jump Cut)以及直接对观众说话(Breaking the Fourth Wall)的革命性运用,这不仅是技术上的革新,更是对传统电影“透明性”的一种哲学挑战。 欧洲其他地区的勃兴: 拓展视野至欧洲其他角落。对瑞典的英格玛·伯格曼(Ingmar Bergman)进行了深入的文本分析,考察其如何通过极简的布景和强烈的对白,探讨信仰、死亡与人际关系的终极命题。同时,我们也会提及波兰学派,如安杰伊·瓦伊达(Andrzej Wajda)对历史责任的追问。 --- 第四部分:艺术的多元化与政治的回归(1970-1990):新浪潮后的探索 进入七十年代,电影制作日益成熟,欧洲电影在保持其艺术独立性的同时,开始尝试更具野心的题材和更广阔的叙事视野。 德国的新浪潮与社会关切: 考察了以法斯宾德(Rainer Werner Fassbinder)为代表的“新德国电影”,他们以尖锐的笔触,重新审视了战后德国的经济奇迹背后被掩盖的社会创伤、性别压迫和阶级固化问题。 欧洲的史诗构建与个人视角: 本部分将分析安德烈·塔可夫斯基(Andrei Tarkovsky)如何在有限的制作条件下,运用极长的镜头、对“时间”和“记忆”的独特处理,构建出具有强烈宗教和哲学色彩的影像诗篇,这标志着欧洲艺术电影的纯粹性达到了新的顶峰。同时,我们也探讨了意大利导演贝纳尔多·贝托鲁奇(Bernardo Bertolucci)如何将个人的欲望与宏大的历史背景相结合。 --- 第五部分:全球化与身份的重塑(1990-2010):身份政治与艺术的跨界 随着柏林墙的倒塌和欧洲一体化的深入,欧洲电影开始面对新的全球化挑战,以及内部多元文化身份的复杂性。 后殖民语境与身份探索: 分析了诸如基耶斯洛夫斯基(Krzysztof Kieślowski)的《红、白、蓝三部曲》在后冷战时期对道德、爱与命运的重新界定,以及其他欧洲国家(如西班牙、英国)如何通过电影探索地域性、移民议题和被边缘化的群体声音。 欧洲电影的艺术与市场平衡: 探讨了欧洲电影人如何在新媒体和全球资本的冲击下,努力维持其在艺术上的先锋性,同时也在寻找与国际观众沟通的有效方式。本书最后总结了欧洲电影对美学形式的执着,以及其在探索人类精神困境上的不懈努力,这构成了其区别于其他电影文化的核心特征。 --- 结语:永恒的求索 欧洲电影史是一部关于“为什么拍电影”而非“如何拍出卖座电影”的历史。本书旨在为读者提供一幅全景图,展现欧洲电影人如何在技术与商业的双重压力下,持续地、勇敢地对人类存在意义进行拷问与描摹。其光影流转之间,折射出的是整个欧洲文明在现代性中的挣扎、反思与不朽的艺术精神。

作者简介

目录信息

序言
第一章 美国电影简史
第二章 高科技时代中的当代美国电影
第三章 导演的魅力:当代美国著名导演简介
第四章 星光灿烂的好莱坞
第五章 好莱坞:工业、商业和金融一体的经济实体
第六章 肮脏的好莱坞
第七章 美国学者对好莱坞的研究和批判
附录一 信息和资料
附录二 部分专业用语和俚语(英汉对照)
附录三 主要参考书目
后记
· · · · · · (收起)

读后感

评分

15年前的书了,买了有十年了,近期整理书柜归为抛弃类,1小时快看,基本了解了好莱坞的发展历史,也就是美国电影的发展历史。该书平铺直叙,内容简单,像是材料编辑合成而来,简单了解行业常识而已,读完就可以扔了。最大的解惑是了解了独立艺术电影的意思和“大片”的由来,还...

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15年前的书了,买了有十年了,近期整理书柜归为抛弃类,1小时快看,基本了解了好莱坞的发展历史,也就是美国电影的发展历史。该书平铺直叙,内容简单,像是材料编辑合成而来,简单了解行业常识而已,读完就可以扔了。最大的解惑是了解了独立艺术电影的意思和“大片”的由来,还...

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用户评价

评分

说实话,我刚开始看这部作品时,对其美术指导的功力深感震撼。它的视觉语言太过丰富,简直像是一本立体的、流动的艺术画册。我尤其钟爱影片中对布景和服装的考究。那些细节,简直到了吹毛求疵的地步,但正是这些微小的,几不可察的用心,构建出了一个无比真实且有说服力的世界观。比如,他们对特定年代的室内装饰还原度极高,从地毯的纹理到墙纸的花色,都带着一种历史的沉淀感,而不是廉价的模仿。而且,色彩的运用充满了隐喻。主角团在故事初期,服装多采用饱和度较高的明亮色彩,象征着他们尚未被现实磨平的锐气;而随着剧情的深入,这些颜色逐渐变得灰暗、沉郁,直至结尾,几乎回归到一种近乎黑白的色调,这种视觉上的变化无声地讲述了人物的命运转折。更不用提那些宏大的场景调度,如何在有限的空间内,利用光影制造出无限的层次感。站在一个纯粹审美体验的角度来看,这部作品绝对是近年来影史上的一个里程碑,它证明了“视觉奇观”并非只关乎爆炸和特效,更在于对光线、构图以及氛围的极致拿捏。

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这部电影作品的叙事结构之精妙,简直令人叹为观止。导演仿佛是一位技艺高超的织工,将错综复杂的情节线索,如同丝线般缓缓编织进宏大的时代背景之中。开场几分钟,镜头便带着观众迅速沉浸于那个光怪陆离的时代氛围里,那种既繁华又带着一丝颓败感的视觉冲击力,着实抓人眼球。特别是对几位核心人物内心挣扎的刻画,细腻得让人心疼。你可以清晰地感受到他们在追逐“美国梦”过程中的迷茫、妥协与偶尔的爆发。影片没有采用传统的线性叙事,而是频繁地在不同时间点和人物视角之间跳跃,这种手法非但没有造成混乱,反而增强了悬疑感和对历史复杂性的探讨。举个例子,有一场戏,通过一个老旧的家庭录像带片段,瞬间揭示了主角当年那个看似光鲜亮丽的选择背后隐藏的巨大代价,这种“倒叙的闪回”处理得极其自然流畅,丝毫没有刻意为之的痕迹。配乐的运用也是教科书级别的,它不是简单地烘托气氛,而是成为了叙事的一部分,每当情绪到达临界点,音乐的起伏总能精准地牵动观众的情绪,让人不禁屏住呼吸。这种对镜头语言、剪辑节奏以及声音设计的整体把握,无疑展现了创作者对电影艺术的深刻理解和不懈追求。

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这部电影的对白,简直是一场语言的盛宴,我发现自己不止一次地停下来,细细回味那些台词的精妙之处。它摒弃了许多好莱坞商业片中那种直白、功能性的交流,转而采用了一种充满潜台词和双关语的对话方式。很多时候,角色的真实想法并非从他们“说了什么”中流露出来,而是藏在停顿、语气和没有说出口的沉默里。我特别欣赏编剧对角色“声音”的区分。不同的社会阶层、受教育程度不同的人物,他们的用词习惯、语速快慢都有着显著的区别,这让每一个角色都显得立体可信,而不是千篇一律的“模板人”。有一个场景,两位久未谋面的老友在一家昏暗的酒吧里对饮,他们聊着天气、谈着股票,表面上风平浪静,但每一个眼神的交汇、每一个碰杯的力度,都暗示着他们之间积压了多年的恩怨与情谊,那种“欲言又止”的张力,才是真正动人的地方。看完后,我感觉自己好像偷听了一场真实的人生对话,而不是在观看一个被精心设计过的剧本。

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从社会学和文化批判的角度审视这部作品,我发现它远不止于讲述一个引人入胜的故事那么简单。它像一面高倍放大镜,聚焦于我们这个时代最核心的矛盾与焦虑。影片大胆地触及了权力结构、阶级固化以及个体在巨大社会机器面前的无力感。它没有给出简单的答案或明确的道德评判,而是将这些复杂的议题像切片一样摊开在你面前,让你自己去品味和消化。例如,它对媒体伦理的探讨就非常尖锐,揭示了信息是如何被建构、被扭曲,最终反噬制造者本身的讽刺过程。这种批判的锋芒是毫不留情的,它毫不避讳地撕开了光鲜外表下的腐朽和虚伪。看完之后,我走出影院,对街道上那些闪烁的霓虹灯,对身边行色匆匆的路人,都有了一种前所未有的、审视的目光。它成功地将娱乐性与深刻的社会洞察力结合起来,达到了那种既叫座又叫好的罕见高度。

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表演层面,这部影片的选角简直是神来之笔,每一位演员都仿佛是为这个角色而生的。我必须强调主角的内敛式表演,那是一种极度克制的、几乎是雕塑般的演绎。他很少通过夸张的肢体语言来表达情绪,更多的是依靠眼球的微小运动、嘴角不易察觉的抽动,来传递内心的翻江倒海。这要求观众必须全神贯注地去“阅读”他的表情,而一旦你捕捉到了那些细微的变化,所获得的共鸣感会比任何歇斯底里的哭喊都要强烈得多。至于配角群像,更是精彩纷呈,他们没有抢戏,但每一个角色都贡献了令人难忘的“高光时刻”。尤其是那位饰演反派角色的老戏骨,他的魅力不在于他有多么邪恶,而在于他将邪恶表现得如此的日常化、合理化,让你甚至能理解他做出那些极端行为的逻辑起点。整部剧组的化学反应极佳,他们之间的互动是如此真实自然,仿佛他们真的是在同一个时空下真实生活过的一群人。

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浅出但确实不很深入

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我第一次听说艾德伍德是剪刀手爱德华的续集......

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15年前的书了,买了有十年了,近期整理书柜归为抛弃类,1小时快看,基本了解了好莱坞的发展历史,也就是美国电影的发展历史。该书平铺直叙,内容简单,像是材料编辑合成而来,简单了解行业常识而已,读完就可以扔了。最大的解惑是了解了独立艺术电影的意思和由来,还有“造”星的过程和意义。

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后面讲工业制度什么的就不想看了

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后面讲工业制度什么的就不想看了

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