第二届全国少数民族文艺会演

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页数:197
译者:
出版时间:2003-6
价格:200.00元
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isbn号码:9787105055425
丛书系列:
图书标签:
  • 少数民族
  • 文艺会演
  • 文化艺术
  • 民族歌舞
  • 民族音乐
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具体描述

书名: 《山河锦绣:中国传统戏曲艺术的传承与创新》 内容简介 引言:戏曲之魂,薪火相传 本书深入剖析了中国传统戏曲艺术自古以来的演变脉络、核心美学以及当代所面临的传承与创新挑战。戏曲,作为中华民族的瑰宝,是集文学、音乐、舞蹈、武术、美术等多门类艺术于一体的综合表演艺术。它不仅仅是历史的记录者,更是民族精神与审美情趣的生动载体。本书旨在提供一个宏大而精微的视角,审视这一古老艺术形式如何在历史长河中保持其生命力,并在快速变化的现代社会中寻求新的突破口。 第一部分:源远流长——戏曲艺术的形制与根基 本部分追溯中国戏曲的起源,从上古的歌舞祭祀,经唐代的参军戏、宋代的杂剧、元代的散曲与元杂剧的鼎盛,直至明清传奇的成熟,勾勒出戏曲艺术形态的渐进式发展。 一、 早期萌芽与雏形(先秦至唐代): 探讨《霓裳羽衣曲》等宫廷燕乐的乐舞元素,以及地方性的说唱艺术(如参军戏、百戏)如何为后世戏曲的舞台表演和角色塑造提供了最早的模板。重点分析了唐代教坊制度对民间乐舞的规范化影响。 二、 元杂剧的黄金时代: 详细阐述了元杂剧的结构——“一折一曲”的体制,以及其对白、唱腔(多以北曲为主)和表演程式的初步建立。通过分析关汉卿、王实甫等大家的作品,揭示了元杂剧在社会批判、人物性格刻画方面的深刻成就。讨论了“四行三折”的规范化对后世戏曲剧本结构的影响。 三、 明清传奇的繁荣与转型: 聚焦明代南戏和清代昆山的成熟,特别是昆曲的“水磨腔”如何将戏曲的音乐性推向极致。分析了传奇体“一出多折”的复杂结构,以及其在唱、念、做、打诸方面的精细化要求。探讨了地方戏曲(如徽班的兴起)如何开始冲击文人主导的雅部艺术,预示着民间力量的崛起。 第二部分:精微之处——戏曲美学的核心要素 本部分将聚焦于戏曲艺术的独特美学体系,即“程式化”与“虚拟性”,这是区别于西方写实戏剧的关键所在。 一、 虚拟空间与写意舞台: 阐述戏曲舞台“一桌二椅”的象征主义哲学。分析如何通过演员的走位、手势(如“圆场”代表行路),以及服饰道具的象征意义,来构建一个无需实景的广阔世界。探讨这种虚拟性如何要求观众调动想象力,实现“心物合一”的审美体验。 二、 唱、念、做、打的统一性: 细致解析“四功”——唱(声腔的韵味与流派)、念(韵白与平仄的运用)、做(身段、手势的规范化)、打(武术与技巧的结合)之间的内在联系。强调戏曲表演的“综合性”和“综合训练”体系,指出任何一项技艺的脱节都将导致表演的失真。例如,分析京剧中“水袖”在表达情感时的复杂语汇。 三、 脸谱与行当的符号系统: 深入探讨以京剧为代表的“脸谱”艺术,它如何超越简单的面具,成为角色身份、性格、命运的视觉代码。分类解析红、黑、白、蓝等主要色调所代表的伦理道德含义。同时,梳理生、旦、净、丑四大行当的表演特征和角色定位,揭示其背后的社会阶层与性别投射。 第三部分:百花齐放——地方戏曲的地域风情 中国戏曲的生命力在于其地域适应性。本部分将考察不同地域的戏曲声腔和表演风格,展现其鲜明的文化印记。 一、 南北声腔的流变: 对比以昆曲为代表的“雅部”声腔的婉约细腻与以梆子、花调为代表的“乱弹”声腔的粗犷热烈。重点分析川剧的“变脸”“吐火”绝技,以及越剧的“尺调腔”在女性化表达上的独特魅力。 二、 徽班进京与京剧的形成: 详细梳理乾隆年间“徽汉合流”的历史事件,分析徽班如何吸纳汉调的优势,最终在清朝中后期整合形成了京剧这一“国剧”。探讨京剧在继承传统的基础上,如何通过对板式、武功的革新,实现了艺术上的巨大飞跃,确立了其在现代戏曲中的主导地位。 三、 少数民族戏曲的文化交融: 尽管本书不涉及具体会演成果,但必须承认少数民族戏曲(如藏戏、彝剧)在表演形式、宗教色彩和音乐体系上保持了独特的原生态特征。它们是研究中国多民族文化交融史的活化石,为戏曲艺术的多元性提供了重要的实证。 第四部分:面向未来——现代戏曲的传承与创新之路 进入现当代,传统戏曲面临着如何适应大众媒介传播和满足现代审美需求的严峻课题。 一、 现代化改编与“新编历史剧”: 探讨20世纪以来,戏曲如何介入社会现实题材的创作,如“现代京剧”的探索。分析在继承传统唱念做打的基础上,如何引入现代舞台调度、灯光技术,以及如何处理传统美学与现代叙事节奏之间的张力。 二、 传播媒介的变革: 关注录音技术、电影、电视以及互联网对戏曲传播格局的颠覆性影响。讨论高清数字化保存的意义,以及如何利用新媒体平台(如短视频、直播)吸引年轻观众,使传统艺术“活”起来。 三、 审美教育与人才培养: 强调戏曲教育体系在保护和发展中的核心作用。讨论如何平衡严格的“科班式”基本功训练与鼓励艺术家的个人创造力之间的关系。提出加强戏曲美学普及教育,提升观众的鉴赏能力,是确保戏曲艺术长久生命力的根本所在。 结论:永恒的舞台 戏曲艺术是一部流动的、活态的文化史。它的价值不在于复原古代的辉煌,而在于它所蕴含的东方哲学、对人性的深刻洞察,以及对精湛技艺的极致追求。唯有理解其“根”与“魂”,方能确保这中华山河间的锦绣艺术,在未来的舞台上继续绽放光彩。

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