马金凤名剧名段 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河南文艺出版社

作者:郭光宇

出品人:

页数:145

译者:

出版时间:2004-5

价格:8.00

装帧:平装

isbn号码:9787806234990

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 京剧
• 马金凤
• 名段
• 唱腔
• 表演
• 艺术
• 戏曲教学
• 传统戏曲
• 戏曲经典

梨园旧梦：徽班兴衰与声腔流变史 作者：[此处留空，或写一虚构的资深戏曲研究者] 出版年份：[此处留空，或写一早期出版年份] 页数：[此处留空，或写一厚实的页数] 装帧：精装 --- 内容提要： 《梨园旧梦：徽班兴衰与声腔流变史》是一部深度剖析中国戏曲史上一个关键转折期的重量级学术著作。本书聚焦于清代中叶至民国初年，以徽班为核心，系统梳理了其在全国范围内的迁徙、融合、创新与最终定型为“京剧”的复杂过程。它摒弃了传统戏曲史中常见的“英雄叙事”或仅关注剧目文本的单一视角，而是从社会经济结构、地域文化碰撞、艺人阶层流动以及审美趣味变迁等多维坐标下，重建了徽班艺术生态的完整图景。 本书结构严谨，考据扎实，分为上、中、下三大部分，辅以详尽的附录和图表索引。 第一部分：徽州商贾与戏曲的“离乡” 本部分首先探讨了徽州商帮的兴盛及其商业网络对戏曲传播的隐性推动作用。作者认为，徽商“逐利天下”的商业模式，为徽班的流动提供了必要的经济基础和市场需求。 第一章：徽州文化土壤与“戏曲基因”的孕育 本章追溯了徽州地区（特别是祁门、黟县一带）在明代中后期民间娱乐形式的特点，分析了当地流行的道教音乐、山歌小调如何潜移默化地影响了早期徽调的腔体基础。重点梳理了徽州文人阶层对民间戏曲的初步介入，及其对曲词雅化的尝试。 第二章：商路上的“戏箱子”：徽班的初次扩张 详细考察了徽班如何在长江中下游地区（如南京、扬州、苏州）站稳脚跟的过程。作者通过对早期戏班演出契约、伙计名册的细微比对，揭示了徽班初期的人员构成、管理模式以及他们如何迅速适应不同地域观众的口味。特别关注了徽班初入江南时，与昆山腔、弋阳腔等本地剧种的早期摩擦与借鉴。 第三章：盐商的赞助与“定制化”的剧目生产 盐业经济的繁荣为戏班提供了稳定的财源。本章分析了徽班如何成为地方性精英阶层（盐商、士绅）的“文化附庸”，剧目内容和演绎风格如何受到赞助人的直接影响，从而在一定程度上保持了艺术上的精致化，但也限制了其向底层民众的深入渗透。 第二部分：声腔的磨合与“混血儿”的诞生 这是全书的核心部分，着重分析了徽调与汉调（主要指湖北、湖南地区的声腔体系）在乾隆末年及嘉庆年间，于北京的戏剧性汇合。 第四章：京城：艺术的熔炉与竞争场 清廷对梨园盛事的直接关注，使得北京成为戏曲艺术的“高地”。作者详尽描述了徽班进京后的生存环境，与其他已在北京立足的剧种（如秦腔、昆腔的残余力量）的激烈竞争。重点论述了徽班如何通过提升舞台调度和武功技巧来吸引眼球。 第五章：汉调的冲击与徽调的危机 汉调（尤其是老花腔）以其高亢激昂、富于情感宣泄的特点，对相对内敛的徽调构成了巨大挑战。本章通过对比同期留存的剧目唱谱和民间口述史料，勾勒出徽班在危机中寻求变革的迫切性。 第六章：声腔的深度融合：“二黄”与“西皮”的结构性重塑 本书提出一个重要论点：京剧的诞生并非某次“演出事故”的偶然，而是徽调主动吸收汉调“西皮”的曲式结构和情感张力，结合自身“二黄”的板式基础，进行的一场主动的“技术升级”。本章用音乐学分析的方法，详细对比了融合前后的腔体变化，解释了“皮黄”体系如何实现艺术上的“通吃”。 第七章：行当的初分与角色程式的定型 在声腔融合的同时，表演体系也开始固化。本章关注了“生、旦、净、丑”四大行当的早期形态，以及如何通过吸收地方锣鼓点和武术元素，完成了向更具规范性的舞台形象的转变。 第三部分：定型、流变与时代的回响 本书的第三部分将目光投向了京剧基本定型后，在清末民初的社会转型期所经历的挑战与发展。 第八章：舞台形象的“文学化”：剧本的创作与改编 考察了同光年间一批重要戏班及其文人班社的活动。探讨了如何将民间传说、历史演义（如三国、水浒）转化为适合皮黄体系的规范剧本，以及对传统戏曲“说唱”部分的减弱和“表演”部分的强化。 第九章：女性观众的崛起与旦角的艺术解放 随着社会风气的松动，女性观众群体对戏曲的关注度增加。本章探讨了光绪朝后期，旦角艺术（特别是青衣和花旦）如何发展出更细腻、更富心理深度的表演技巧，以及对传统男旦艺术的冲击。 第十章：外省声腔的回流与“京剧”的最终确立 分析了京剧成熟后，如何反向影响了如川剧、滇剧等地方剧种的声腔，形成了“京剧影响周边”的单向格局。同时，探讨了在民国初年，面对新兴的舞台艺术（如话剧）的挑战，京剧在内容和形式上所做的最后一次努力，以巩固其“国剧”的地位。 附录： 徽班进京时间点考证与主要班社成员名录（存疑部分特别标注） 清代戏班演出场所地理分布图（以北京城为中心） 早期“皮黄”乐谱残片比对研究 本书特色： 本书最大的贡献在于，它成功地将戏曲史从单纯的“剧目鉴赏”提升到了“社会文化史”的高度。作者以扎实的史料功底和冷静的分析笔触，为我们描绘了一幅波澜壮阔的、由徽州商人推动、在京城熔炉中淬炼而成的中国舞台艺术的宏大历史画卷。它并非仅仅记录了某个剧目的辉煌，而是解构了“辉煌”背后的经济、地域与人文合力。对于任何希望深入理解京剧艺术起源、声腔结构和表演体系的学者、爱好者而言，本书都是不可或缺的奠基之作。

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我必须称赞编辑团队的匠心独运，他们在这部**《马金凤名剧名段》**的收录标准上，展现了极高的专业素养和对艺术传承的责任感。书中选取的段落，不仅是技艺上的巅峰展示，更是角色塑造上的里程碑。更重要的是，书中还附带了一部分当年名家的手稿或批注影印件，尽管模糊不清，但那种历史的厚重感和亲历者的温度，是任何清晰的电子版都无法替代的。阅读过程中，我仿佛在与这些艺术大师进行一场跨越时空的对话，感受到他们对于艺术纯粹性的坚守与执着。这本书让我对“名段”有了更深层次的理解——它不是流行的口水歌，而是经过时间淘洗，沉淀下来的艺术精华。它不仅是给资深戏迷的“复习资料”，更是给所有对中华传统美学有追求的读者，一份值得被反复研读的“艺术辞典”。

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这部**《马金凤名剧名段》**的戏曲选本，我刚翻了几页，就被那种扑面而来的老腔老调给镇住了。它不像现在那些装帧花哨、内容浅薄的速食读物，这本书拿到手里，沉甸甸的，纸张带着一股子老旧的墨香，仿佛能穿透时空，让你直接嗅到旧时剧场的味道。我尤其欣赏它在剧本注释上的细致入微，那些繁复的舞台调度、角色的眼神身段要求，甚至是伴奏的鼓点和板眼，都标注得清清楚楚。这可不是随便哪个剧本集子能做到的，它更像是一份手把手的“戏曲武功秘籍”，让一个初学者也能大致窥见老艺术家们在舞台上是如何将情感熔铸于一颦一笑之间的。尤其对那些经典桥段的唱词解析，那种对韵脚、对发声技巧的深入挖掘，简直是教科书级别的。读着读着，我几乎能想象出老一辈艺术家在台上声嘶力竭、字字珠玑的场景，那种纯粹的、不加修饰的艺术力量，是现在舞台上很难再觅的了。这本书，绝对是戏曲爱好者案头必备的珍宝，它保存的不仅仅是文字，更是活生生的“戏魂”。

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说实话，我之前对传统戏曲的理解一直停留在“听个热闹”的层面，但自从捧起这本**《马金凤名剧名段》**（我是听朋友大力推荐的），我的看法彻底被颠覆了。这本书的厉害之处，在于它用一种近乎学术研究的严谨态度，去解构那些看似信手拈来的表演艺术。它不是简单地罗列剧本，而是将每一个名段置于特定的历史背景和流派传承中去考察。比如，书中对于某段“哭腔”的运用，就详细对比了不同时期、不同流派的差异，甚至引述了当时著名评论家对此的看法。这种多维度的审视，让枯燥的文字瞬间鲜活了起来，仿佛你不是在阅读剧本，而是在参与一场跨越百年的艺术研讨会。我特别喜欢那种作者不吝笔墨去描绘演员在后台准备时的心境，那种紧张、专注和对艺术近乎虔诚的敬畏，让人肃然起敬。这本书对戏曲文化的“溯源”工作做得太到位了，它让你明白，每一声叹息、每一个手势背后，都凝聚了无数代艺术家的心血与智慧，绝非偶然。

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这本书的编排逻辑非常贴合“欣赏者”的需求，它不是按时间线索来划分，而是根据“情绪共振点”来组织的。你翻开任何一页，都可能遇到一段高潮迭起的悲剧咏叹调，紧接着可能就是一段诙谐幽默的武戏对白。这种跳跃性阅读，反而极大地激发了我的好奇心，让我不断地去探索“下一段”会带来怎样的情感冲击。尤其是书中对“念白”的处理，简直是神来之笔。它细致分析了演员如何通过语速的快慢、气音的运用，来区分人物内心的挣扎与外表的平静。我发现，很多我过去听着只觉得“很厉害”的念白，在这本书的解读下，立马变得层次分明，充满了逻辑性和表演张力。它教会了我如何“用耳朵去观看”，去捕捉那些细微的气声变化中蕴含的巨大信息量。这是一部需要你静下心来，逐字逐句品味的“精神食粮”，绝不是能用来打发时间的快餐读物。

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拿到这本选本时，我本以为它会是那种晦涩难懂的“行家读物”，但出乎意料的是，它的可读性非常强，即便你没有深厚的戏曲功底，也能从中感受到强大的艺术感染力。作者在语言运用上非常讲究，既有对传统腔调的尊重，又用非常现代且富有文学性的笔触来描绘舞台场景。最让我惊喜的是，书中穿插了大量关于舞台美术和服装设计的图文资料。虽然是黑白印刷，但那些对水袖的翻转、盔头的造型、乃至舞台灯光（虽然是早期的油灯或煤气灯时代）的描述，都极其生动形象。这简直是为舞台设计或戏曲美术专业的学生量身定做的一份绝佳参考资料！它让我意识到，一个成功的戏曲段落，是听觉、视觉、表演三者完美结合的产物。读完其中关于“灯光调度”的那一章，我回去再看任何一场传统戏的录像，都会下意识地去分析光影如何烘托人物情绪，这种“赋能”效果，是其他单纯的剧本集无法比拟的。

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