设计基础之基础字体

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出版者:陕西人民美术出版社
作者:黄向东/王丽红编
出品人:
页数:150
译者:
出版时间:2004-6
价格:19.80元
装帧:简裝本
isbn号码:9787536817555
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

设计是时髦的词,设计是流行的事。什么都可以拿来设计一番,什么都必须设计一番,什么都必须设计一番。因此,就有那么多的设计要做,也就有了那么多要做设计的人,所以得有更多的学习设计的人去前仆后继。

都说,现在是e时代。我说,它首先先得是d时代,没有d,e得了吗?科技是生产力,设计也是生产力!

好的,这是一份关于一本假想图书的详细简介,内容涵盖了设计、艺术史、摄影、插画以及现代媒介的理论与实践,旨在提供一个丰富的阅读体验,但完全不涉及“设计基础之基础字体”的内容。 --- 图书名称:光影的语言:西方视觉艺术的演变与解构 内容简介 《光影的语言:西方视觉艺术的演变与解构》是一部深入探索西方艺术史脉络的宏大学术著作。本书超越了传统的时间线叙述,聚焦于光线、色彩、构图以及媒介技术如何共同构建和重塑了人类的视觉经验与世界认知。全书共分五大部分,以严谨的考据和富有洞察力的分析,带领读者穿越从古典主义到后现代主义的艺术长廊。 第一部分:从洞穴到神殿:光与形塑的原始动机 本部分首先回顾了史前壁画中对自然光影的朴素捕捉,探讨了古埃及和古希腊雕塑中对理想形态的追求如何通过对物质表面的光反射进行表达。重点分析了古希腊陶器绘画中叙事手法的演变,以及早期基督教艺术中对“神圣之光”的象征性运用。作者详细阐述了中世纪手抄本插画中,如何利用金箔和矿物颜料来模拟非自然光源,从而营造出超越尘世的视觉效果。这一部分强调了艺术在早期如何作为一种记录、崇拜和权力构建的工具,其基础在于对可见世界的模拟与转化。 第二部分:文艺复兴的透视革命与人体的光辉 文艺复兴时期是西方艺术史上一个关键的转折点。本部分深入剖析了透视法(特别是单点透视)的发明,如何彻底改变了二维平面对三维空间的再现能力。我们详尽考察了达·芬奇的“晕涂法”(Sfumato)如何通过微妙的光影过渡,赋予人物和风景以呼吸感和深度。此外,米开朗基罗和拉斐尔的作品被置于当时的人文主义思潮下进行解读,分析他们如何利用明暗对比(Chiaroscuro)来强调人体的戏剧性和英雄气质。本部分还包括对威尼斯画派色彩理论的探讨,如提香如何将色彩本身提升为叙事的主导元素,而非仅仅是光影的附属。 第三部分:巴洛克与洛可可:情感的张力与流动的光束 巴洛克艺术的兴起,标志着艺术从理性的克制转向情感的爆发。《光影的语言》详细论述了卡拉瓦乔如何通过极端的光影对比——“黑暗主义”(Tenebrism)——来增强作品的瞬间冲击力和宗教体验的紧迫感。本部分对鲁本斯的动态构图和伦勃朗的内心世界探索进行了对比研究,着重分析了后者如何利用光线来揭示角色的心理深度。洛可可时期,艺术从宏大的叙事转向私密的享乐,本书探讨了对柔和、漫射光线的偏好如何反映了贵族文化的审美转向,以及弗拉戈纳尔作品中轻盈的笔触如何与光线融为一体。 第四部分:从印象派到立体派:光线的科学解析与形式的瓦解 工业革命和光学科学的发展极大地冲击了既有的艺术观念。本部分聚焦于印象派画家如何走出画室,致力于捕捉转瞬即逝的自然光线。莫奈对同一场景在不同时间、不同光照下的系列研究,被视为对视觉感知的科学实验。随后,本书转向对后印象派和现代主义的激进变革。塞尚对多重视角的探索,以及毕加索和布拉克如何通过立体派的几何分解,彻底颠覆了文艺复兴以来建立的线性透视框架,探索了如何在二维平面上同时呈现多个时间点和视角的“光影信息”。 第五部分:摄影、电影与数字时代的视觉重构 最后一部分将焦点投向了新兴的媒介。本书对摄影术的诞生进行了详尽的分析,探讨了达盖尔和塔尔博特如何通过化学过程“固定”光线,以及这些早期摄影作品如何与绘画展开对话与竞争。随后,本书深入分析了电影艺术中蒙太奇、布光设计和景深控制如何构成了一种动态的、时间性的光影叙事。在数字时代,本书探讨了像素和算法如何成为新的“光线控制单元”,分析了当代装置艺术和数字媒体如何通过操控虚拟环境中的光线,模糊了真实与虚构的边界,以及艺术家们如何重新审视和解构历史上的光影传统。 目标读者与价值 《光影的语言》不仅适合艺术史、视觉文化研究领域的学生和学者,也面向所有对视觉艺术的底层逻辑和历史演变感兴趣的读者。本书的深度在于其跨学科的整合性,它将物理学、光学、心理学与艺术史紧密结合,揭示了光与影作为最基本的视觉元素,如何持续地塑造着我们看待世界的方式,以及艺术如何通过驾驭这些元素来表达人类最深刻的经验与哲学思辨。本书是一次对“看见”这一行为的全面、深入的反思之旅。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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拿到这本书时,我最大的期待是能深入了解当代用户体验(UX)设计中的新兴趋势,特别是那些关于“情感化设计”和“无缝交互”的实战案例。然而,翻开目录后,我发现它的核心内容似乎完全聚焦于“20世纪70年代苏联太空计划中的人机交互界面优化”。这简直是个巨大的误解!书中的插图大多是粗糙的铅笔手稿和泛黄的俄文界面截图,字体小到几乎无法辨认,充斥着大量我完全不熟悉的工程术语。作者似乎对那个时代的特定技术限制有着一种近乎偏执的研究热情,详尽描述了如何用有限的LED点阵屏模拟出复杂的动态反馈。我试图在其中寻找任何关于移动端设计或扁平化界面的只言片语,但收获的只有关于电磁屏蔽材料选择的冗长论述。这本书的叙事风格异常冷峻、客观,缺乏任何个人情感的投入,读起来就像在研读一份被尘封多年的技术档案,对于渴望了解“设计美学”或“商业应用”的读者来说,这本书无疑是一座难以逾越的技术壁垒。

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收到您的要求,以下是为您设计的五段图书评价,均以读者的口吻撰写,风格和内容各不相同,且篇幅都在300字左右,内容完全围绕“假设这本书不是《设计基础之基础字体》”的场景来展开: 这本书的装帧设计实在是令人眼前一亮,封面的那抹深邃的墨蓝色,搭配着烫金的抽象线条,初见时就给人一种沉稳而富有历史感的印象。我原本是冲着某个平面设计大师的自述集来买的,结果发现这本厚重的精装本,似乎更像是一本关于中世纪建筑材料演变史的学术专著。内页的纸张选用了高克重的哑光纸,触感温润,但印刷的文字密度实在惊人,细小的拉丁文注释密布在页脚,即便是戴上老花镜也需要花费一番心思去辨认。书中花了大量的篇幅去探讨古罗马拱券结构在不同气候带下的耐久性差异,配图是大量模糊的黑白测绘图,对每一个结构节点都进行了近乎苛刻的参数标注。我尝试从中寻找一些关于“形式追随功能”的现代设计理念,却只发现了一系列关于石材烧结温度与抗压强度的图表。坦白说,如果我对古代工程学没有强烈的兴趣,这本书的阅读体验可能会非常枯燥,它更像是一份为专业古建筑修复师准备的参考手册,而非面向广大设计爱好者的入门读物。它的价值在于其严谨的考据,而非易读性。

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我原本以为这是一本聚焦于“现代排版艺术”的实操指南,希望能学习到如何利用网格系统、字距和行高来提升信息的可读性。然而,这本书的内容导向却奇异地转向了“19世纪末欧洲文学作品的装帧对社会阶层流动的影响研究”。作者以一种散文诗般的笔调,探讨了文学封面和内页设计如何作为一种社会身份的象征物,被不同阶层的人群所消费和解读。全书的论述充满了社会学和文学批评的视角,对具体的印刷工艺、纸张选择或视觉层次的分析几乎绝口不提。书中引用了大量的文学评论段落,而不是设计理论的陈述,导致阅读体验非常跳跃和碎片化。当我试图寻找关于“如何利用留白来平衡视觉重量”的章节时,我找到的却是关于维多利亚时代女性阅读习惯的社会学分析。这本书的深度毋庸置疑,但它明显错位了读者的预期,它更适合文史专业的学生,而非致力于提升视觉技能的设计师。

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这本书的标题给我一种它应该是一本关于“色彩理论与心理学应用”的轻快读物的感觉,我期待着看到鲜活的色谱分析和品牌案例。但实际内容完全出乎意料,它更像是一本关于“跨文化符号学与宗教图腾的起源”的深度人类学论文集。全书洋溢着浓厚的学院派气息,充满了对特定文化背景下符号含义的追溯和演变逻辑的梳理。作者似乎对色彩的物理属性或视觉感受兴趣寥寥,反而花了三分之二的篇幅去讨论“特定几何图形在不同文明中被赋予的祭祀含义”。例如,书中对“螺旋”这一形态的讨论,从古希腊的陶器一直追溯到玛雅文明的历法系统,分析极其细致,但与当代设计中如何运用色彩或形状来引导视觉流线几乎没有任何关联。阅读过程中,我不断地在寻找一个可以借鉴的“设计技巧”,但最终只收获了一堆深刻但抽象的文化洞察,感觉自己像个误入历史研究所的平面设计师,迷失在符号的迷宫里。

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这本书的封面设计是极简主义的典范——大面积的留白,只有几个精心排布的黑色小方块。我本以为这是一本关于“极简主义设计哲学与实践”的教科书,期待着学习如何用最少的元素表达最大的信息量。结果,它竟然是一本关于“工业时代早期机器噪音的声学分析与降噪技术”的专业手册。书中的内容充斥着大量的声波图、频率曲线和复杂的数学公式,详细解释了蒸汽机和早期纺织机产生的特定噪音是如何对工人心理产生负面影响的。作者对声音的物理特性有着极高的热情,但对“设计”这个词的理解似乎仅限于机器的机械结构。我试图在这些复杂的声学数据中寻找任何关于“视觉噪音”或“信息过载”的类比,但完全找不到连接点。整本书的论述逻辑严密,但其核心议题与设计领域的任何主流话题都相去甚远,仿佛是一本被错误归档的物理工程学报告,让我感到既困惑又有些哭笑不得。

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好喜欢希腊刻板字。

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