京剧流行唱段集粹 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东文艺

作者:蔡宛柳 编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-10-1

价格:17.60元

装帧:

isbn号码:9787532916610

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• 京剧
• 戏曲
• 唱段
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• 音乐

《徽班进京：清代京剧的孕育与早期发展》 一部探究京剧艺术滥觞与定型关键时期的重量级著作 内容概要： 本书并非收录任何现存京剧唱段的选本或曲谱集，而是聚焦于一个至关重要却常被忽视的历史阶段——清代乾隆、嘉庆年间，特别是以“徽班进京”为标志的重大历史事件，如何催生了京剧艺术的雏形，并完成了其早期风格的奠定。全书以扎实的文献考据和严谨的史学方法，系统梳理了徽班群体在京城的发展轨迹、艺术构成、以及他们与当时北京文化生态的深度互动。 第一章：南腔北调的交汇——徽班入京前的艺术土壤 本章首先回溯了乾隆年间中国戏曲的版图。重点分析了以昆曲、弋阳腔、滩簧等为代表的南方声腔艺术在南巡、宫廷庆典中的流行状况，以及徽州商人群体作为文化赞助人在推动戏曲交流中所扮演的角色。我们深入剖析了徽州本地戏曲的特点，如“乱弹”的粗犷与灵活性，为后续徽班的整合与创新提供了艺术基因的分析基础。本章通过对地方志、奏折、士人笔记中零星记载的梳理，重建了乾隆朝中期戏曲舞台的多元化景观。 第二章：徽班的“京”变——“四大徽班”的集体塑造 这是全书的核心章节。我们详细考证了乾隆五十五年（1790年）为庆祝乾隆帝八旬大寿，四大徽班——以“四喜”、“和合”、“馨悦”、“庆升”为代表的班社——首次集体亮相京城宫廷的情形。我们不仅关注了演出的盛况，更着眼于其背后的组织结构、演员的招募体系以及剧目的改编过程。通过对比徽班在进京前后演出的剧目和腔调变化，揭示了徽班如何吸纳了昆曲的典雅身段、汉调的硬朗道白，并逐步将原本地方色彩浓厚的腔调提炼、规范化，使其更适应京城士庶的审美需求。 第三章：腔调的融合与“京腔”的生成 京剧艺术的根本特征之一在于其声腔的复合性。本章集中探讨了“徽汉合流”的微观过程。我们摒弃了过去将京剧视为单一“徽调”演变论的观点，转而关注徽剧（广义上的“乱弹”）如何有效地吸收了以西皮、二黄为核心的“汉调”元素。通过对早期剧本残卷（如散见于《燕京岁时记》等记载中的剧目片段）的腔调标记分析，我们重建了西皮慢板、二黄原板等奠基性板式在徽班系统中的初步确立和规范化过程。重点解析了“以唱为主”的表演理念如何开始取代早期“以做为主”的格局。 第四章：舞台美学的初步定型——行当的划分与脸谱的实验 本章将视角转向舞台呈现。京剧艺术的成型不仅仅是音乐的融合，更是舞台程式的建立。我们考察了徽班早期在角色行当划分上的尝试。例如，早期丑角的地位如何因其灵活的贯穿全剧的能力而迅速提升，以及在旦角的表演上，徽班如何吸收了昆班的细腻手势，但又在唱腔上更加强调明朗的叙事性。此外，本章还首次系统梳理了脸谱艺术的早期形态。通过对清代戏园壁画、戏单的图像学分析，探讨了与今天复杂脸谱系统相比，早期脸谱的写意性、简洁性以及色彩的象征意义的初步确立。 第五章：从宫廷到民间——京剧的早期传播网络 徽班进京初期，其主要服务对象是宫廷和王府，但要成为真正意义上的“京剧”，必须走向民间。本章描绘了徽班如何逐渐走出内廷，进入广和楼、德和园等重要戏园，并与旗人、八旗子弟以及日益壮大的市民阶层建立起互动关系。这种民间化进程对京剧的剧目内容、语言风格产生了深远影响，使得京剧开始吸收更多的民间故事和世俗情感，加速了其程式的通俗化与大众化。 第六章：早期剧目的主题与社会影响 京剧初期的剧目内容是研究其艺术生命力的重要窗口。本书详细分析了徽班早期演出的《借扇》、《昭君出塞》等代表性剧目在不同历史阶段的改编差异。我们认为，早期京剧在题材上，既有对历史演义的偏好，也展现出对社会现实的微妙投射。通过对这些早期文本的解读，揭示了京剧在草创阶段，如何通过艺术的“移形换影”，回应了清代中后期的社会思潮和审美趣味。 总结与展望： 本书的价值在于，它将“京剧”这一艺术门类，置于清代社会变迁和跨区域文化交流的宏大背景下进行考察。它不是一本供人欣赏唱段的工具书，而是一部严肃的文化史著作，旨在阐明一个至关重要的历史事实：京剧并非横空出世，而是中国传统戏曲长期积累、融合、并最终在北京这一政治与文化中心实现“化学反应”的必然结果。读者将从中获得对京剧艺术起源更深刻、更具历史纵深的理解。

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哎哟，说实话，我买这本书纯粹是因为封面设计得很复古，以为里头讲的都是些“老掉牙”的玩意儿，毕竟现在年轻人听戏的少了，能出新书都不容易。结果呢，拿到手沉甸甸的，翻开一看，嚯，这可真是“集粹”了！它里面的选目非常跳跃，不像那种按流派或者按剧目划分的传统选本那么死板。举个例子，它可能前一页还在讲谭富英先生《定军山》里“黄忠领兵”那段如何把气势推到顶点，后一页马上就转到了荀慧生先生在某个时期排练的闺门旦唱腔分析，讲的是如何用婉转的鼻音来表现少女的娇羞和犹豫。这种跨越了不同行当、不同时代艺术家的对比呈现方式，让我对京剧艺术的包容性和多样性有了新的认识。它没有给我那种“一本正经讲学问”的压力，反而是像一个经验丰富的老茶客在跟你絮叨这些“好听”的段子背后的门道。我特别喜欢它对“腔体变化”的描述，不是那种枯燥的乐理分析，而是用非常形象的比喻，比如形容某个颤音是“像风吹过竹林”，让我一下子就明白了那个音高和情感的连接点在哪里。总之，这本书非常适合那些想跳出传统框架，用更现代的眼光去品味京剧魅力的读者。

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老实说，我买这本书的时候，其实是抱着找一本“旧谱子”的心态，想对照着练习一下《贵妃醉酒》的“海岛冰轮”那段。但翻阅之下，我发现它根本就不是那种严肃的教科书，更像是一本精心策划的“怀旧相册”。它对很多老段子的描述，充满了浓厚的生活气息和舞台烟火气。比如，它描述某位艺术家在演唱某个段子时，如何通过调整水袖的幅度来配合台词的重音，这种细致入微的“动作指导”，在其他注重唱腔分析的书里是很少见的。更妙的是，它还穿插了一些关于这些唱段“首演”或“著名演出”的轶事，比如某位名家为了适应某个剧场的音响效果，临时调整了某个腔的尾音处理，这些小故事让原本静态的唱词立刻“活”了起来。读这本书的过程，就像是跟着一位博学的长者，走进了许多已经谢幕的黄金年代的后台，感受着每一声锣鼓背后艺术家的心血。它让我感受到的，不是一份曲谱的冰冷，而是一段段被时间打磨过的，充满生命力的艺术记忆。

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说实话，我对京剧的了解仅限于一些电视里的片段，所以一开始对《京剧流行唱段集粹》有点敬而远之，担心里面的术语太多，看不懂。没想到，这本书的编写思路非常“用户友好”。它没有直接把大量的板式、腔调名称堆在你面前，而是采用了大量的“情境代入”法。比如，它分析程派的《锁麟囊》选段时，不是直接讲“寒江雪水”的唱法，而是先描述了卢文仲（剧中角色）在那个特定场景下的绝望心境，然后才引出这段唱腔是如何巧妙地通过嗓音的“收”和“放”来烘托这种心境的。这种“先讲故事，再品唱腔”的模式，极大地降低了入门门槛。而且，这本书的配乐介绍部分做得特别棒，它点明了哪些唱段是早期老生常谈的“板式”，哪些是后来为了适应剧场效果而加入的“化板”，对于我这种初学者来说，这就像是拿到了一张京剧“流行音乐”的演变时间表。它让我明白，我们现在听到的经典，其实是历经了无数次舞台实践和改良才最终定型的，这种“活的艺术”的感觉，是通过这本书被完美传递出来的。

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这部《京剧流行唱段集粹》真是让人耳目一新，我原本以为这只是一本常见的戏曲选本，收录的无非是那些耳熟能详的“空城计”、“搜孤”里的大段，但翻开之后才发现，编者真是下了大功夫去挖掘那些在舞台上不常上演，却在老一辈戏迷心中有着特殊地位的“小段”和“流派代表作”。比如，里面收录了几段裘派的《审 সহিংস》，那种低沉苍凉的韵味，即便只是看着唱词，都能想象出那份悲怆与愤懑，这可比我以前买的那些只收录“必唱曲目”的谱子强太多了。而且，这本书的排版设计也特别讲究，它没有一味地堆砌文字，而是巧妙地穿插了一些老艺术家的舞台剧照和早期录音的介绍，让我这个“半路出家”的戏迷，对这些唱段的时代背景和演绎风格有了更深刻的理解。最让我惊喜的是，它竟然还收录了几段文武老生的“靠把”唱腔分析，详细讲解了气息的运用和手眼身法的配合，对于想自己学唱的爱好者来说，简直是本“武功秘籍”。这本书不仅仅是唱词的汇编，更像是一部浓缩的京剧“流行史”，它精准地抓住了那些真正能引起共鸣、经得起时间考验的旋律精髓，而不是简单地追求“知名度”。我强烈推荐给所有对京剧艺术有深度兴趣的朋友们，相信你们会和我一样，在字里行间找到久违的感动与惊喜。

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这本书的价值远超乎我预期，它简直就是一本京剧“情感数据库”。我一直觉得京剧的唱腔是程序化的，但《京剧流行唱段集粹》用非常细腻的笔触，解构了那些看似“标准”的唱段中，蕴含的复杂人性。比如，书中对老生“哭戏”的分类分析就让我大开眼界。它区分了“懊悔之哭”（如《失街亭》的悔不当初）和“悲愤之哭”（如《霸王别姬》的诀别之痛），指出两者在气息支撑点、吐字清晰度和腔体圆润度上的细微差别。我以前听起来都是“唉声叹气”，但读完这本书，我开始能分辨出那种“叹”背后的情绪质地。此外，它还收录了一些非常偏门的“引子”和“过门”的介绍，这些往往是戏曲中被忽略的部分，但恰恰是体现演员功力深厚和对剧目理解透彻的关键。这本书仿佛在告诉我：京剧的“流行”不是靠哗众取宠，而是靠对每一个细节的极致打磨。对于想要从“听热闹”升级到“听门道”的资深爱好者来说，这本书提供了非常精准的分析工具。

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