写意国画速成课本·鱼虾画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

作者:宁佳录

出品人:

页数:67

译者:

出版时间:2004-4

价格:15.0

装帧:平装

isbn号码:9787530520543

丛书系列:

图书标签:

• 国画
• 鱼虾
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• 绘画
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• 水墨画

艺术启蒙与创意探索：中国传统绘画技法精讲 本书聚焦于中国传统绘画的精髓，深入浅出地讲解了山水、花卉、人物等主要画科的创作理念、笔墨技巧与章法布局。旨在为初学者提供一个系统、扎实的入门途径，同时也为有一定基础的爱好者提供进一步提升的阶梯。全书结构严谨，内容丰富，力求在传承古人笔墨精神的同时，鼓励学习者发掘个人独特的艺术语言。 --- 第一部分：笔墨精神与基础功力——绘画的“内功心法” 本部分是学习中国画的基石，强调“外师造化，中得心源”的哲学思想与实际操作的紧密结合。我们不急于描绘复杂对象，而是专注于训练观者对线条、墨色的控制力与表现力。 第一章：案头准备与工具的对话 工欲善其事，必先利其器。本章将详细介绍中国画所需工具的特性与保养，帮助学习者建立起与工具之间的默契。 文房四宝的特性解析： 宣纸的吸水性、毛笔的弹性与锋度、墨锭的用料差异（松烟、油烟）以及砚台的温润度。不同季节、不同湿度环境下，材料的细微变化对作画效果的影响。 案头布局与心境的培养： 讲解如何布置一个有利于专注作画的环境。如何通过简单的调墨、润笔来平复心绪，达到“静心”状态，这是成功落笔的前提。 握笔姿势的科学性： 区分执笔的三种基本姿势——平涂、中锋、侧锋，并分析每种姿势对线条质感和墨色浓淡的决定性作用。不只是模仿，更要理解不同姿势下手臂、手腕的运动轨迹。 第二章：线条——中国画的骨骼与脉络 线条是中国画的灵魂，它不仅是物体的轮廓，更是情感的载体。本章将通过大量的习题，使学习者能够驾驭各种“十八描”的基本功法。 “骨法用笔”的精微训练： 从最基础的点、皴、擦、染入手。重点练习“钉头鼠尾描”、“游丝描”和“高古游丝描”。如何使线条粗细均匀、刚柔相济，避免“火气”（即线条僵硬、缺乏生命力）。 干湿浓淡的墨法转换： 探讨如何通过笔头的水分控制，在一次用墨中呈现出从焦黑到枯白的变化。实例分析，例如如何在山石的皴法中体现出“润而不湿，干而不枯”的境界。 “气韵生动”的线条表现力： 讲解如何通过线条的提按顿挫，表现物体的内在结构和生命张力，而非仅仅是外形描摹。通过临摹古代名家的线描稿，体会线条的韵律感。 第三章：皴法入门——山石的肌理塑造 皴法是中国山水画中表现山体、岩石、土坡的主要手法。本章将拆解几种最常见的皴法，并探讨其与地理地貌的对应关系。 披麻皴与斧劈皴的差异化运用： 披麻皴的松散、灵动如何表现江南丘陵的温润，而斧劈皴的刚劲、锐利如何刻画北方山脉的雄伟。 荷叶皴与折带皴的结构理解： 分析荷叶皴的层叠感如何表现岩石的厚度和年代感；折带皴的横向排布在表现悬崖峭壁时的稳定感。 局部肌理的组合与变化： 强调皴法并非孤立使用，而是需要根据山体结构进行合理组合，避免“千岩一面”。如何通过改变皴笔的疏密和方向，制造空间纵深感。 --- 第二部分：意境营造与画科精选——从具象到写意 在掌握了基础笔墨后，本部分将引导学习者进入具体画科的创作，重点培养观察能力和主观表达能力。 第四章：山水之境——气势与留白 山水画是写意精神的最佳载体。本章着重于如何通过“计白当黑”的布局，营造出高远、深远、平远的视觉效果。 高远、深远、平远的布局法则： 详细解析三远法在实际构图中的应用，如何利用前景、中景、远景的层级关系，引导观者的视线移动。 点景之法与烘托： 讲解如何巧妙地运用水墨或淡彩点缀茅屋、人物、桥梁等元素，以“小”衬“大”，增强山体的磅礴气势，同时赋予画面人文气息。 墨分五色的层次处理： 学习渲染、罩染等技法，表现山石、云雾、水面的不同质感。探讨如何在水墨画中通过墨色的浓淡变化，暗示时间、天气和季节。 第五章：花卉写生与精神寄托——梅兰竹菊的传统内涵 花卉，特别是“四君子”，是中国文人画的核心题材。本章侧重于捕捉植物的“神韵”而非精确的形态。 墨分五色的花卉表现： 练习用纯墨表现花卉的形态和精神。例如，表现梅花的遒劲老枝，需要使用枯笔和飞白；表现竹子的清雅，则需要饱满湿润的中锋。 兰草的“空灵”与“飘逸”： 兰叶的画法是考察画家功力的关键。重点讲解如何通过线条的连续性与中断，表现兰草随风摇曳的动态感，以及根部和底部的墨团处理。 兼工带写的设色技巧： 引入简单的矿物颜料使用方法（石青、石绿、赭石）。讲解如何“以色助墨”，使花卉在保持水墨韵味的同时，增添视觉的层次感和装饰性。 第六章：写意人物的动态捕捉——传神写照 人物画强调“传神”，要求画家在极简的笔墨中捕捉人物的内在性格和瞬间动态。 骨架与动态的速写训练： 强调先以淡墨勾勒人物的骨架和关键动势，笔触要简练果断，切忌犹豫。 五官与神态的提炼： 人物画中最难的是眼神。本章分析如何通过眼睛、眉毛的极简勾勒，表现喜、怒、哀、乐等复杂情绪。 衣纹的简练处理： 学习曹衣带水、吴带当风等不同风格的衣纹画法。重点在于用几根关键的线条概括出服装的褶皱和人物的身体结构，避免将衣物画成僵硬的平面。 --- 第三部分：实践、创新与自我风格的形成 最后一部分，本书将从理论的藩篱中解放出来，引导学习者进行自主创作，并将所学技法融会贯通。 第七章：传统与创新的平衡 艺术的进步在于继承与发展。本章探讨如何在学习古人技法的基础上，融入当代审美和个人观察。 题材的拓展与融合： 鼓励学习者将山水、花鸟的元素融入人物或静物描绘中，进行跨画科的尝试。例如，用画山石的皴法来表现老者的皮肤纹理。 “意”的强化与“形”的舍弃： 深入探讨写意画中，哪些“形”是可以被夸张或简化以达到表达“意”的目的。认识到不完美、不对称才是生命力的体现。 印章与题跋的画龙点睛： 讲解钤印的方位、色彩选择（朱红与闲章的对比），以及题跋的书法风格与画面意境的统一性。好的题跋能提升整幅作品的文化品味。 第八章：独立创作的系统化流程 本书的最终目标是使学习者能够独立完成一幅有思想、有技巧的作品。 从题材选择到草稿构思： 引导学员记录日常观察所得，将零散的灵感转化为可行的创作主题。 多稿练习与取舍： 强调完成一幅画之前，至少要完成两到三张不同布局的草稿，明确主要矛盾和次要矛盾。 作品的自我审视与完善： 提供一套自查清单，从笔墨的熟练度、意境的完整性、画面的气韵平衡等角度对作品进行客观评估，明确下一步的精进方向。 通过本书的学习，读者将不仅掌握中国画的描绘技巧，更能领悟到传统艺术中蕴含的东方哲学思考，最终形成属于自己的独特笔墨语言。

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这本厚厚的画册，拿到手里沉甸甸的，光是封面那几尾栩栩如生的墨鱼，就让人忍不住想一探究竟。我平日里对水墨画是有些向往的，总觉得那种“计白当黑”、“浓淡相宜”的意境，是其他画种难以比拟的。然而，自己动手时，那墨块在宣纸上晕染开来的样子，往往失控得一塌糊涂，要么是墨色太干，线条僵硬，要么就是水太多，洇成一滩“水墨汤”，别说鱼虾了，连个像样的轮廓都画不出。我之前也买过几本号称“零基础入门”的教材，但大多是西画背景的老师写的，讲的透视、光影一套一套的，搬到国画里就显得格格不入。这本书的排版和用纸感觉就非常讲究，开篇的笔法讲解似乎更注重“气韵”而非死板的技法，光是那几页讲如何调墨、如何握笔的图示，我就看了好久，确实体会到了一些传统国画对工具和心境的要求。不过，我还在摸索中，希望接下来的内容能真正帮我抓住那种“写意”的精髓，而不是停留于临摹的表象。整体来看，初印象非常专业和厚重，让人感觉它不是一本应付了事的速成教材，而是真正沉淀了作者多年功力的结晶。

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在学习过程中，我发现这本书在难度递进上的处理非常微妙且人性化。它没有一开始就丢给我那些复杂的水墨晕染技巧，而是循序渐进地从最简单的“墨分五色”的练习开始。第一个单元可能只是让你用焦墨画出虾的躯干轮廓，要求力度和速度的统一；第二个单元才开始引入淡墨和清水来表现虾腹的透明感。这种“打地基”的方式，让我的焦虑感大大降低。我感觉自己每完成一个练习，都能实实在在地看到进步，而不是原地踏步。尤其是关于“活水”的表现手法，作者用了一个非常形象的比喻——把笔想象成在水中划动的船，墨色就是船带起的涟漪。这个比喻立刻让我明白了为什么以前画水总是干巴巴的原因。这本书的语言风格兼具了传统文人的含蓄和现代教育的直白，既有深厚的文化底蕴，又不失清晰的指导性。阅读下来，感觉像是一位耐心且高明的老师，在耳边细细指导，而非冷冰冰的教科书。

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我是一个对手写体有特殊情感的人，所以这本书的“字”的部分给我留下了深刻印象。在国画学习中，题跋和印章往往是点睛之笔，但很多人，包括我自己在内，都会忽略这一环，觉得只要画得好就行了。这本书却用专门的章节，详尽地讲解了如何根据画面的内容、意境，选择合适的诗句、字体风格，以及盖章的位置和角度。它不像其他的画册那样只是简单地在角落里盖个章了事。作者在这里引用了大量的古画范例，对比了不同朝代书法大家在题画上的妙处，这让我意识到，绘画的完整性，是从构图到落款的每一个细节的和谐统一。这部分内容对我来说是全新的知识维度，它不再是关于“如何画鱼虾”，而是关于“如何完成一幅画作的艺术表达”。虽然我还在练习基础笔法，但提前了解这些，让我对未来的学习方向有了更宏观的规划，避免了走弯路。这种对艺术整体性的强调，是这本书最让我感到惊喜的地方。

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这本书的装帧设计，透露出一种低调的雅致，这一点非常符合我个人对传统艺术品的审美偏好。它没有采用那种花花绿绿的、试图吸引眼球的封面设计，而是用的是比较沉稳的哑光纸张，字体也选择了偏古朴的宋体和行楷，让人在拿起它的时候，心态就能自然地沉静下来。内页的纸张选择了略带米黄色的特种纸，墨色的展现效果非常柔和，不会有那种刺眼的白。我特别喜欢其中关于“写意虾”的章节，作者没有直接给出成品，而是列出了一整套“观察日记”式的记录：比如不同光照下虾壳的透明度变化，不同季节虾的姿态差异。这种鼓励读者“读活物”的教学方式，极大地拓展了我的视野。它不再是孤立地教你画一个“符号”，而是教你如何观察自然，再将自然的气息提炼到笔端。虽然我还没有达到书里展示的那种炉火纯青的境界，但光是阅读这些见解，就让我对绘画这件事有了更深层次的敬畏感。这本书与其说是本“速成课本”，不如说是一本引导你进入国画心法的“指南”。

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说实话，这本书的定价让我有些犹豫，拿到手翻了几页后，发现它确实值这个价，但绝不是因为它印得有多精美，而是内容编排的逻辑性极其清晰。我最欣赏它对“结构简化”的理念阐述。很多国画书都在强调“形似”，结果教出来的都是工笔画的简化版，缺乏了“神似”的灵动。这本书却从最基础的鱼骨骼结构和虾的关节动态入手，用非常简洁的线条勾勒出它们最核心的动态特征。它不是让你去描摹每一片鳞、每一根须，而是教你如何抓住“一笔定乾坤”的关键。我尝试着跟着书里那个关于“草鱼群游”的步骤练习，发现以前画鱼总觉得呆板，像贴在纸上的剪影，但这里强调的“提按顿挫”和“墨色的变化”，让鱼群一下子就有了在水中游动的速度感和透明感。这种由内而外的理解，远比单纯地模仿成品来得有效得多。唯一的遗憾是，对于初学者来说，配套的光盘或者视频教程（如果有的，我还没仔细找）可能更直观一些，因为有些笔法的微妙之处，文字和静态图片真的很难完全捕捉到位。

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