学画仙鹤/写意花鸟画丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:科学普及出版社

作者:张云翔

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2004-1

价格:10.0

装帧:平装

isbn号码:9787110056752

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 国画
• 写意画
• 花鸟画
• 仙鹤
• 技法
• 教程
• 艺术
• 绘画入门
• 临摹

好的，这是一份针对“写意花鸟画丛书”中其他图书的详细简介，不涉及《学画仙鹤》的内容： --- 写意花鸟画丛书：探寻国画精髓，描摹自然万象 “写意花鸟画丛书”是一套旨在深入浅出地介绍中国传统写意花鸟画技法、审美意趣与文化内涵的专业丛书。本丛书汇集了多位深耕国画多年的资深画家与理论家的智慧结晶，力求为初学者提供坚实的入门基础，为进阶者提供丰富的创作灵感。本丛书聚焦于写意花鸟画的独特魅力，涵盖了从基础笔墨到经典题材的全面指导，旨在引导读者领略“笔墨当随时代，创作贵在传神”的艺术真谛。 本丛书的每一册都侧重于一个或一组特定的题材，力求在特定领域内做到详尽与深入。以下是丛书中其他部分作品的详细介绍： 一、《写意牡丹画技法详解》 牡丹，在中国传统文化中素有“花中之王”的美誉，象征着富贵、吉祥与繁荣。本书是本丛书中的重点篇目之一，专注于写意牡丹的绘画技法。 内容概述： 本书首先从牡丹的植物学特征入手，讲解如何在写意语境下提炼其形态结构，而非拘泥于写实。重点剖析了“花头”的画法，区分了盛开、半开与含苞待放等不同状态的处理方式。 核心技法解析： 墨法运用： 深入探讨了淡墨、浓墨、破墨在表现牡丹不同部位（如花瓣的层次、花蕊的虚实）时的效果。尤其详细介绍了“晕染法”和“积墨法”在制造花头饱满感方面的应用。 色彩运用： 重点讲解了朱砂、胭脂、藤黄等传统矿物和植物颜料的调和与上色技巧。例如，如何运用“罩染法”使花瓣在保持写意性的同时，呈现出丰富的光影变化和透明感。 叶与枝干： 牡丹的叶片造型丰富，本书详细区分了老叶与嫩叶的笔法区别。老叶多用阔笔侧锋，表现其苍劲厚重；嫩叶则以中锋为主，辅以水分控制，表现其鲜嫩欲滴。枝干的画法侧重于用笔的力度变化，表现其盘旋、遒劲的生命力。 章法布局： 结合历代名家作品范例，指导读者如何安排花团锦簇的构图，如何利用空白（计白当黑）来突出主体的气势和意境。 二、《写意梅竹图鉴赏与创作》 梅与竹，并称“四君子”之二，代表着高洁、坚韧与气节。本书系统地梳理了梅竹入画的文化渊源，并提供了精到的技法指导。 内容概述： 本书将梅、竹的画法拆分为独立章节进行讲解，强调两者在笔墨气质上的差异性处理。 梅花篇： 点花法： 详尽介绍了“五点攒心”、“一笔梅”等经典点花技法。重点讲解了如何控制笔尖含墨量和落笔角度，以表现梅花在寒风中傲立的姿态。 枝干的骨法： 强调梅枝的“虬曲多姿”和“苍劲有力”。通过对枯笔、飞白、焦墨的应用，表现老干的沧桑感，以及嫩枝的生命力。 环境烘托： 讲解如何使用淡墨或冷色调烘托出冰雪初融的意境。 竹子篇： 竹叶的画法： 分为单笔、双笔、三笔等多种组合，教授如何通过调整腕力、控制墨色的干湿，表现竹叶的迎风、背光、疏密等状态。 竹竿的立体感： 侧重于对竹竿的侧锋扫法和墨色的层层叠加，形成竹节的明暗和粗细变化，避免画出“排骨式”的僵硬竹竿。 章法布局： 探讨了“疏竹”、“茂竹”的不同构图思路，以及如何利用竹子的线条感营造画面的韵律。 三、《工笔草虫与写意花卉的结合之道》 此册是丛书中探索技法融合的尝试，针对希望在写意画中增加细节趣味的画家。 内容概述： 传统的写意花鸟画中，昆虫的点缀常被简化。本书致力于将工笔草虫的精细描摹与写意花卉的洒脱气韵相结合，达到“写意为主，工笔为辅，以小见大”的效果。 核心内容： 草虫的精微描绘： 选取了如螳螂、蝴蝶、蜻蜓等常见题材，详细讲解了如何运用界笔细线勾勒，以及如何用极淡的颜色进行分染，以保证昆虫的形态准确性和写实感。 花卉的写意处理： 针对搭配的草虫，花卉部分多采用大写意手法，如用泼墨画荷叶、用大笔写芙蓉，形成强烈的对比。 虚实相生： 重点指导读者如何在虚化的背景和写意的花卉中，巧妙地嵌入精细的草虫，使其既不突兀，又能起到画龙点睛的作用，增强画面的视觉张力和故事性。 四、《写意禽鸟（非鹤类）技法专论》 本册将视角投向了其他富有生活气息和文化象征意义的禽鸟，如麻雀、喜鹊、鹦鹉等。 内容概述： 本书强调禽鸟的“神态”捕捉，而非单纯的形态复刻。每一个鸟类的选择都对应着不同的笔墨练习要点。 主要鸟类及技法侧重： 喜鹊（双喜临门）： 重点练习“墨分五色”在黑羽上的表现，以及红嘴、眼部的提神处理。章法上多采用高飞或栖枝结构，表现欢快的气氛。 麻雀（烟火气）： 学习如何用短促、有力的笔触画出麻雀的灵动和机敏，强调其群体动态的描绘。 鹦鹉与雉鸡（色彩运用）： 针对这些色彩丰富的鸟类，本书详细讲解了如何将矿物颜料（如石青、石绿）融入写意笔墨，在保持写意潇洒的同时，表现出羽毛的华丽质感。 丛书共同特点： 本丛书的每一册均包含： 1. 名家墨迹赏析： 选取历代名家（如齐白石、吴昌硕、徐悲鸿等）的经典作品进行局部放大解析，讲解其用笔的妙处。 2. 由简入繁的步骤图： 提供清晰的示范步骤图，从墨稿到完成，层层递进，便于读者模仿与实践。 3. 用印与落款探讨： 专门章节介绍写意画中钤印（印章）的选择与布局，以及如何根据画作内容和风格撰写合适的题跋，以提升作品的完整性与文化品位。 通过系统学习本丛书，读者将不仅掌握写意花鸟画的各种实用技法，更能逐步建立起属于自己的笔墨语言和审美体系。

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这本关于古代服饰色彩学的著作，简直是色彩爱好者的“圣经”。我一直困惑于为什么古代的官服和祭服能给人带来如此强烈的庄重感，这本书给出了科学而又充满人文关怀的解释。它没有停留在简单的“红配黄”的表面，而是深入探讨了不同朝代基于五行学说和礼制要求的色彩运用逻辑。比如，书中对汉代“玄黑”的解析，不仅介绍了染色的技术难度，更阐释了其背后“敬畏天地”的宇宙观。作者还列举了大量的考古发现和壁画残片作为色彩光谱的依据，并配有现代科学的色谱分析图，使得古代的色彩得以精准复原。我跟着书中的指导，尝试用矿物颜料调配书中所描述的“绛紫色”，那种厚重而又不失华丽的质感，是现代化学染料难以比拟的。这本书的价值在于，它将艺术、历史、哲学和化学完美地结合在了一起，让我们理解了色彩在古代不仅仅是装饰，更是权力与信仰的载体。读完之后，再看任何古装剧或文物，都会有一种全新的、更深刻的理解。

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这本关于书法技法的书，简直是为我量身定做的“解药”。我练字多年，总觉得自己的字虽然结构匀称，但总少了一股“筋骨”。这本书的切入点非常独特，它没有从基础的笔画结构讲起，而是直接深入到“提按顿挫”中的内在力量传导。作者用极其细腻的文字，结合大量的局部放大图，解析了行书运笔时腕力的变化如何影响线条的粗细和弹性。我印象最深的是关于“牵丝”的处理，书中强调了“意到笔不到”的境界，那段描述让我对线条的“生命力”有了全新的认识。阅读过程中，我感觉自己不是在看一本技术手册，而是在跟随一位内功深厚的前辈进行私密的武学交流。每一章的练习都有明确的阶段目标，从初期的“稳住中锋”到后期的“气贯毫端”，循序渐进，逻辑严密。我已经按照书中的指导调整了握笔姿势和行笔速度，效果立竿见影，感觉自己的字开始有了“精气神”。对于希望突破瓶颈、追求书法境界提升的书法爱好者来说，这本书提供了极其宝贵的视角和实践指导。

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拿到这本画册的时候，我简直爱不释手。里面的内容完全是关于山水画的精髓所在，从皴法的运用到墨色的浓淡干湿，无不体现着作者深厚的功底。我尤其喜欢它对“气韵生动”的解读，不是空泛的理论，而是通过大量的范例，细致地讲解了如何将自然之景融入笔端，使画面产生呼吸感。比如，书中有一章专门讲了如何表现云雾缭绕的山峦，那几笔淡墨的晕染，配上几处留白，真有身临其境的超脱感。对于一个苦于画不出“意境”的初学者来说，这本书简直是醍醐灌顶。它没有过多纠缠于具体的物象描摹，而是把重心放在了如何捕捉和传达画家内心的情感与对自然的理解上。装帧设计也十分考究，纸张厚实，印刷色彩还原度极高，即便是细微的墨色变化也能清晰呈现。我已经开始尝试临摹里面的几幅作品，希望能在自己的创作中，也能达到那种挥洒自如、不拘一格的境界。这本书无疑是艺术爱好者案头必备的珍品，值得反复研读和收藏。

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我最近翻阅了一本非常有趣的关于民俗音乐与地域文化的书籍，它着重探讨了徽州地区傩戏面具的雕刻工艺及其背后的祭祀文化。这本书的视角非常独特，它没有将傩戏仅仅视为一种表演艺术，而是深入到山村的宗族结构和农耕生活中去探寻其起源。书中对不同面具的造型——如判官、钟馗、以及各种神祇——的木材选择、刀法运用和彩绘流程进行了极其详尽的图文记录。作者花费了数年时间走访了皖南地区最后几位老艺人，记录下了许多濒临失传的口述技艺。尤其让我震撼的是，书中对雕刻过程中所念诵的“咒语”也进行了考证和收录，这些咒语被认为是赋予面具“灵性”的关键。这种将物质文化遗产与非物质文化遗产紧密结合的研究方式，使得整本书的厚重感和真实性大大增强。通过这本书，我感受到了传统民间艺术中那种粗粝而强大的生命力，它远比我们想象的要复杂、深刻和神秘。对于民俗学研究者或是对地方文化感兴趣的普通读者来说，这都是一本极具启发性的读物。

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我最近沉迷于研究宋代的瓷器美学，偶然间发现了这本关于宋代文人园林造景的书籍，它完全颠覆了我对传统园林设计的认知。这本书的重点并不在于介绍那些宏伟壮丽的皇家园林，而是聚焦于宋代士大夫阶层追求的“清幽淡雅”的私家园林。作者引用了大量的宋词、笔记和当时的绘画作品作为佐证，详尽地阐述了“一池三山”、“漏窗”等元素在营造哲学意境中的作用。特别是对“借景”和“框景”的分析，简直是教科书级别的。书中通过对比不同朝代的园林图，清晰地展示了从唐代的繁复到宋代的极简的审美变迁。我尤其欣赏它对于材料的选择与处理的关注，比如如何通过太湖石的嶙峋来象征人生的起伏，如何通过水体的静谧来映衬内心的澄明。这本书的配图精美绝伦，很多都是高清的文物照片，配合严谨的文字考据，让读者仿佛穿越回了那个文人雅士煮茶赏石的年代。对于研究中国古典美学和园林史的人来说，这是一部不可多得的深度研究力作。

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