具体描述
本书作者打破了以往此类教科书以章节编排的形式，积几十年的教学经验，将基础乐理教学中应知应会的全部内容，按由浅入深、循序渐进的教学原遇归纳为15单元、110个问题，采用问答的形式，将260余个知识点传授给读者。特别是本书关于五声音阶作品的调式分析（这是令众多初学音乐者感到为难的问题）部分，对广大音乐工作者、音乐爱好者都具有较大的启发意义。
本书是为艺术中专音乐专业和成人高校音乐院、系编写的基础乐理教材。中等师范、职业高中音乐班3及高等师范院校音乐系中需要补修基础乐理课程的学生，都可以此书作为这门课的教材。对需要自学基础乐理的音乐爱好者和报考音乐院校的考生，本书也不失为一本很好的自学教材。
作者简介
吕仲起，男，1940年生，河北沧县人。山西艺术职业学院音乐学教授。中国音乐家协会会员。1963年于北京艺术学院音乐系作曲专业毕业并留校。1964~1876年先后在音乐学院、中央音乐学院音乐学系任教。1976年调山西省工作。曾任山西人民广播电台文艺部编辑、音响导演、副主任、主任编辑；山西省歌舞剧院副院长；山西职工文学院副院长、教授。
目录信息
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读后感
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用户评价
这本书最让我感到惊讶的地方，在于它对“节奏”的阐述完全颠覆了我以往的认知。我一直以为节奏就是拍子和节拍，但这本书却把它提升到了哲学层面。它探讨了“时间感”在音乐中是如何被构建和操纵的，而不是简单地去数“一、二、三、四”。书中有一段关于“慢速音乐的内在张力”的分析，非常精妙地解释了为什么一段看似平缓的慢板，实际上可能蕴含着比快速乐段更巨大的能量，这完全依赖于对呼吸、停顿和延长这些“空白”的精确控制。我发现作者在描述这些概念时，大量引用了文学和建筑学的比喻，使得那些抽象的音乐元素变得可以触摸、可以想象。它没有提供任何让你用来应付考试的公式，相反，它是在教你如何像建筑师一样去“设计”声音的流动路径。读完之后，我再听任何复杂的复调音乐，都能立刻捕捉到那种看不见的骨架和支撑结构，这是一种质的飞跃。
评分我得说，这本书在选材上非常大胆和前卫，它几乎完全避开了欧洲古典音乐中那些最经典、最被反复提及的例子。相反，它大量引用了二十世纪中后期的实验音乐、电子音乐的某些片段，甚至是某些非西方音乐体系中的节奏处理方式，来佐证它的观点。这种跨领域的对比，极大地拓宽了我对“乐理”这个词的定义。它似乎在暗示，乐理并非一套封闭的规则，而是一套可以不断被解构和重塑的思维工具。书中对“噪音”和“非音高声音”的分析尤其引人入胜，它挑战了我们对“旋律”和“和声”的传统定义，让人开始思考，在没有明确音高的情况下，音乐性又该如何体现。阅读过程充满了惊喜和挑战，因为它要求你不断地放下已有的知识框架，去迎接全新的听觉体验。这本书与其说是一本乐理书，不如说是一本关于“如何聆听未来音乐”的引导手册，对那些希望站在音乐前沿探索的人来说，价值无可估量。
评分这本书的语言风格极其自由、甚至可以说是有些散漫，但这反而成就了它的独特魅力。它没有采用那种严肃的学术腔调，而是用一种非常亲切、近乎于和老朋友交谈的语气来探讨音乐理论的深层奥秘。很多重要的概念是通过讲故事的方式引入的，比如某个作曲家在特定历史环境下如何突破当时的理论限制，这种叙事手法极大地降低了学习的门槛。我尤其欣赏它对“模糊地带”的坦诚描述。很多乐理书会努力将所有音乐现象归类到清晰的范畴内，但这本书却大方承认，音乐的魅力恰恰在于它那些无法被完全量化的部分，比如“味道”、“神韵”或者“灵光乍现”。它鼓励读者去相信自己的直觉判断，而不是盲目服从既定的范式。对于很多感觉自己被传统乐理束缚住，不知如何创新的人来说，这本书提供了一种全新的视角，告诉你如何用更开放的心态去拥抱音乐世界的不确定性。
评分这本书真是让人耳目一新，它完全没有预设的那些老生常谈的乐理知识点，反而是深入到音乐创作的“底层逻辑”去探讨。我特别喜欢它对和声进行中“色彩”的描述，那种感觉就像是画家在调色盘上精心挑选颜料，而不是简单地遵循某个固定的规则手册。它没有一上来就抛出那些复杂的十二平均律或者调式分析，而是通过大量生动的音乐片段示例，引导读者去“听”出不同音响组合带来的情感冲击。举个例子，书中对于某个特定转调后，情绪如何从压抑瞬间释放的分析，简直可以用“诗意”来形容。这不再是枯燥的理论堆砌，而是一场关于声音与情感的深度对话。我感觉自己像是被带入了一个音乐家的工作室，看到了他们思考音乐是如何构建的幕后过程。那些关于旋律线如何在不同声部间游走，以及如何利用节奏的错位来制造张力的方法，都展示了一种超越教科书的实践智慧。对于那些已经掌握基础但渴望更深层次理解音乐结构的人来说，这本书简直是一盏明灯，它教会的不是“怎么做”，而是“为什么这样做会有效”。
评分说实话，刚翻开这本书的时候，我有点怀疑它是不是走得太偏了。它似乎完全避开了所有标准乐理考试会考的知识点，比如各种记号的精确定义，或者特定的音程关系表格。取而代之的是，它探讨了很多关于“听觉心理学”和“音乐感知”的话题，这对我来说是一个全新的维度。这本书更像是一本关于如何训练耳朵和大脑去理解音乐的“心法秘籍”。它没有直接告诉你“C大调的属七和弦解决到主和弦是必然的”，而是让你去感受在特定的文化背景下，为什么听众会对这种解决产生“满足感”或“期待落空感”。我印象最深的是其中一章关于“不和谐音的审美价值”的论述，作者没有用过于学术的语言去定义什么是“冲突”，而是通过历史案例——从巴赫到德彪西——来展示音乐是如何不断地挑战听众的习惯性预期，从而实现艺术上的突破。这本书的结构非常松散，更像是随笔和思考的集合，但这反而给了读者极大的自由度，可以根据自己的兴趣点随时跳跃阅读，每一次阅读都能获得不一样的启发。
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