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出版者:人民出版社

作者:韩盼山

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:2001-12

价格:19.0

装帧:精装

isbn号码:9787010034454

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 书法
• 书法教育
• 艺术教育
• 书法艺术
• 技法
• 理论
• 临摹
• 字帖
• 书法入门
• 艺术

探寻古今辉煌：中国传统工艺美术的博览 图书名称： 中国传统工艺美术通鉴 图书简介： 本书以宏大而细腻的笔触，系统梳理了中华民族数千年来沉淀下来的精湛工艺与独特美学体系。它并非简单地罗列技艺，而是力求深入挖掘每一种工艺背后的文化内涵、历史演变及其社会功能，展现中国传统工艺美术波澜壮阔的画卷。 第一编：绪论与美学基础 本编首先界定了“中国传统工艺美术”的范畴、历史分期与发展脉络。它着重阐述了儒释道思想、古代哲学观念（如阴阳五行、天人合一）如何渗透并塑造了中国工艺的审美取向，如对“中和之美”、“气韵生动”的追求。我们将探讨古代匠人“术道合一”的职业精神，分析从实用器物到纯粹艺术转化的关键节点，并引入对传统工艺“文质相兼”特性的深度剖析。本章尤其侧重于对材料的理解——玉石的温润、金属的刚毅、陶瓷的内敛、纤维的柔韧，如何被赋予超越其物质属性的文化意义。 第二编：泥与火的颂歌——陶瓷与琉璃艺术 本编聚焦于陶与瓷这两个对人类文明影响至深的领域。从新石器时代的彩陶，跨越至商周的原始青瓷，详述了汉代低温铅釉的发展与成熟。重点深入解析了唐三彩的富丽堂皇、宋代五大名窑（汝、官、哥、定、钧）的釉色之秘与审美巅峰，探讨其如何体现了文人阶层对含蓄、内敛之美的极致追求。 元代青花的横空出世及其与外贸的紧密关系被独立成章。明清两代的彩瓷技术，如斗彩、五彩、粉彩、珐琅彩的技法差异、色彩哲学及纹饰语言（龙凤、花鸟、山水、吉祥图案）的演变，将进行详尽的图文对照分析。此外，对于民间粗瓷、砖雕以及琉璃瓦、琉璃装饰艺术的地域特色与建筑应用，本书亦给予了充分的关注。 第三编：金木水火土的交响——金属、家具与漆器 金属工艺： 本章涵盖了青铜器的铸造技术（如范铸法、失蜡法）及其礼制意义，从商代狞厉的饕餮纹到西周的伦理规范。随后，转向铁器、金银器的冶炼与装饰，如錾刻、镂空、鎏金等工艺。重点阐述了明清金银细工在宫廷与民间的生活渗透，尤其是鼻烟壶、首饰的精微造诣。 家具艺术： 中国古典家具被视为木作工艺的集大成者。本书将家具的演变划分为明式与清式两大风格，深入剖析了黄花梨、紫檀等名贵木材的选择标准。技术上，详细图解了榫卯结构的精妙绝伦，如何实现“不用一钉一铆，而能牢固结合”的结构美学。纹饰的处理，如透雕、圆雕在屏风、宝座上的运用，体现了空间艺术与结构艺术的完美结合。 漆器艺术： 漆器是中国独有的高贵工艺。本编追溯了从战国丝织品上的漆绘到汉代髹漆木器。重点讲解了雕漆（如剔红、剔黄）、镶嵌（螺钿、嵌玉）以及描金、戗金等复杂工艺的流程与审美价值。漆器色彩的深邃与光泽，被视为对时间与自然的敬畏之物。 第四编：丝与线的境界——纺织、印染与刺绣 本编聚焦于软性材料的艺术表现。从先秦的丝织技术，到汉代提花织机的进步，展现了中国在丝绸领域的领先地位。重点分析了宋锦、蜀锦等不同地域织锦的图案组织与色彩搭配规律。 印染技术 部分，详细介绍了蓝印花布的防染原理，以及扎染、蜡染的地域差异。 刺绣艺术 则是本编的高潮。本书将南北两大刺绣体系进行对比，深入分析了苏绣的精细逼真、湘绣的色彩浓烈、蜀绣的工整细腻以及粤绣的繁复华丽。对苏绣中“平绣”、“套针”、“滚针”等核心针法的结构与美学效果，配以高清图解。 第五编：书画衍生的工艺——文房与雕刻 文房用品： 砚台（端砚、歙砚的石料与雕刻）、笔（湖笔的精选与造型）、墨（徽墨的制墨工艺）以及纸张（宣纸的抄制过程）的制作，被视为文人士大夫精神生活的物质载体。本书探讨了这些器物如何从实用走向了鉴赏与收藏的范畴。 雕刻艺术： 涵盖了石雕、木雕、竹雕和牙雕。石雕部分侧重于佛像雕塑与园林建筑的装饰性应用。木雕与竹雕的精细度与题材选择，反映了民间生活的风俗与信仰。牙雕部分则着重展现了清代“鬼工球”等微观雕刻的难度与匠人技艺的登峰造极。 第六编：地域特色与当代传承 本书的最后一部分，将视角转向中国广阔地域的工艺集群，如云南的少数民族银饰、西南的皮影戏工艺、福建的脱胎漆器以及山西的剪纸艺术。强调了“活态传承”的重要性，探讨了在工业化浪潮下，传统工艺如何通过创新设计、现代材料的引入以及文化创意产业的驱动，实现“创造性转化与创新性发展”，确保这些历经千年的技艺能够在二十一世纪继续焕发生机。 本书配有大量的历史图片、工艺流程图和当代优秀作品案例，旨在为艺术史研究者、工艺美术从业者及所有热爱中国传统文化的读者，提供一本全面、深入且富有启发性的工艺美术通鉴。它不仅仅是一部技艺的汇编，更是一部中华民族审美精神的百科全书。

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如果用一个词来形容这本书给我的感受，那便是“沉浸式体验”。我一直对那些狂放不羁的草书心生向往，却苦于不得要领。这本书的第三编，专门用了大篇幅来剖析狂草的结构逻辑和精神内核。作者没有直接给出模仿的模板，而是带领读者去追溯张旭、怀素等人的心路历程，解释了在特定历史情境下，他们是如何打破常规，将个人情感推向极致的。这种从“心”入“手”的讲解方式，极大地激发了我的创作欲望。书中对“墨分五色”的论述也极其精彩，它详细描述了干、湿、浓、淡、枯、润在纸面上产生的丰富层次感，并配有高质量的局部放大图，使我们能清晰地看到墨色的微妙变化是如何服务于整体气势的。对我来说，这本书不仅仅是教我如何写，更重要的是教会我如何去“看”和“感受”书法作品，它提供了一种进入艺术世界的独特视角，让我在阅读的过程中仿佛能听到笔尖与宣纸摩擦的沙沙声。

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这本书的装帧和排版设计也值得称赞。作为一本涉及艺术理论和实践的书籍，内容的清晰度和视觉呈现至关重要。印刷质量非常高，纸张的选择也恰到好处，既能保证墨迹的还原度，又便于翻阅。尤其是书中对于不同朝代、不同地域的流派风格对比分析部分，采用了并列式的版面布局，这种设计极大地减轻了读者在脑海中构建知识体系的负担。例如，它将颜体楷书的端庄雄浑与柳体楷书的遒劲内敛并置对比讲解，配图精准，使得读者能迅速捕捉到两者间的差异精髓。此外，书后的“常用碑帖索引”和“术语解释”部分，显得非常贴心和实用，体现了作者对读者学习路径的周全考虑。这种兼顾学术严谨性与阅读友好性的出版质量，使得《书法艺术教育》在众多同类书籍中脱颖而出，绝对是值得收藏的工具书。

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我发现这本书最独特的地方在于它对“书法与中国传统文化精神”的融会贯通。它不仅仅是一本关于笔墨技巧的书，更像是一部关于中国人“气度”和“审美哲学”的入门指南。作者将书法的“气”提升到与道家“虚实相生”思想相结合的高度，探讨了空间留白在东方艺术中的独特意义，这让阅读体验超越了单纯的技艺学习。比如，书中通过对魏碑那种古朴雄强之美的解读，阐述了汉魏时期那种质朴刚健的时代精神是如何凝固于刀刻和笔触之中的。这种深层次的文化解读，极大地丰富了我对传统艺术的理解广度。读完后，我不再只是关注自己的笔画是否到位，而是开始思考，我所书写的文字，是否能传达出一种与时代相符的、积极向上的精神力量。这本书成功地搭建了一座从具体技法到抽象哲思之间的桥梁，让人在提笔之前，先得在心中构建起一片属于自己的精神疆域。

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这本《书法艺术教育》确实让我对中国传统艺术有了全新的认识。我原以为书法不过是写得好看的字，但阅读后才发现，它背后蕴含着深厚的文化底蕴和哲学思想。书中对不同书体，如篆、隶、楷、行、草的演变脉络梳理得非常清晰，每一个阶段的风格特点、代表人物及其作品的精妙之处都被详尽地剖析。特别是关于“用笔”和“结字”的讲解，深入浅出，即便是初学者也能从中领悟到运笔的力度变化和结构平衡的奥秘。作者不仅仅停留在技法层面，更着重阐述了书法作为一种修身养性的方式，如何通过书写来陶冶情操、培养专注力。书中引用的历代名家墨迹高清图片，细节丰富，对比鲜明，让人能够直观地感受到古代大师们笔下的气韵生动。这种将理论讲解、历史溯源与实践指导完美结合的编排方式，极大地提升了阅读体验，感觉不像是在看一本枯燥的教材，更像是在与一位经验丰富的老师面对面交流。对于希望系统了解和学习中国书法的爱好者来说，这本书无疑是一座宝库，它拓宽了我的视野，让我对“写”这件事有了更深的敬畏之心。

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坦白说，我最初翻开这本书时，是抱着一种“查漏补缺”的心态，想看看它在当代书法教育中能提供什么新视角。结果发现，它对于“书法教育的现代困境与出路”这一部分探讨得尤为犀利和到位。作者没有回避当前教育体系中存在的过度强调临摹、忽视创造性的问题，而是旗帜鲜明地提出了“以文化人，以德塑形”的教育理念。书中列举了大量成功的案例，展示了如何将书法教学与美学、历史乃至心理学相结合，真正做到“寓教于乐，潜移默化”。阅读过程中，我特别留意了它对“审美判断力”培养的论述，这通常是传统教材中被弱化的环节。这本书则通过对作品意境、气韵的分析，引导读者超越字形本身，去捕捉隐藏在笔墨之中的情感流动和时代精神。文字风格上，它保持了一种严谨又不失活泼的学术气质，大量的引用和论证使得观点极具说服力，读完之后，我甚至开始重新审视自己过去学习书法时的一些僵化观念，认为它对推动未来书法教育改革具有重要的参考价值。

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