写意历史人物画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:李俊琪

出品人:

页数:20

译者:

出版时间:2004-1

价格:40.00元

装帧:

isbn号码:9787805038247

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 国画
• 人物画
• 写意画
• 历史人物
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• 艺术史

笔墨春秋：中国传统人物画技法精研 内容简介 本书是一部系统梳理和深入剖析中国传统人物画核心技法、美学思想与笔墨传承的专业画论与实践指南。全书以“笔墨精神”为核心，旨在帮助学习者建立扎实的造型基础、理解中国画独特的造型观念，并最终掌握将个人理解融入笔墨之中的高阶能力。 第一章：造型之基——“骨法用笔”的现代诠释 本章深入探讨中国画造型的根本——“骨法用笔”。不同于西方素描的结构分析，中国画的骨法更侧重于气韵生动和内在精神的体现。 线条的力度与筋骨： 详细解析“十八描”的演变及其在当代创作中的灵活运用。重点分析如铁线描、兰叶描、曹衣水穿等经典线条技法在表现不同材质、不同年龄人物时的效果差异。探讨线条的粗细、疾缓、顿挫如何模拟人体结构中的骨骼、肌肉和关节的张力。 结构与比例的意临： 阐述中国画对“S”形与“C”形结构的独特理解。通过对历代名家如顾恺之、吴道子、张萱、周昉等作品的临摹实践，讲解如何在不拘泥于精确解剖学的前提下，捕捉人物的动态平衡与神韵。重点分析古代画论中“以形写神”的实际操作方法，如通过眼神、手势和衣褶的走向来暗示人物的内心世界。 第二章：墨法之妙——墨分五色的层次构建 水墨，是中国人物画的灵魂所在。本章聚焦于墨法的变化及其在人物塑造中的功能性应用。 墨色的层次转换： 详细讲解“焦、浓、重、中、清”五色墨的调配技巧与在宣纸上的晕化规律。探讨如何运用淡墨勾勒人物的体积感和环境氛围，如何利用浓墨和焦墨刻画五官的焦点和关键结构。 晕染与罩染的运用： 重点讲解“破墨法”和“积墨法”在人物躯干和背景处理中的区别与结合。如何通过层层渲染，使人物的肌肤产生温润、透明的质感，尤其是在表现老年人物的皮肤褶皱和青年人物的光泽感时，墨色的叠加顺序和水分控制至关重要。 第三章：设色之道——从“随类赋彩”到“以色助墨” 本章探讨中国画设色的传统观念与当代实践，强调色彩在烘托人物情感和时代背景中的作用。 矿物颜料的特性与使用： 详细介绍朱砂、石青、石绿、藤黄等传统矿物颜料的性质、研磨方法及铺色的技巧。分析矿物色如何保持其历久弥新的光泽感，以及如何通过“垫色”的方式，避免色彩的“浮躁”。 植物色与墨色的交融： 深入探讨“以色助墨”的理念，即色彩不是简单地覆盖在线条和墨迹之上，而是要融入到墨的层次之中。通过对敦煌壁画及宋代院体画中色彩运用的剖析，指导读者如何利用赭石、花青等植物色来增强人物的立体感和环境的温度感。 第四章：细节的提炼——点睛与传神 人物画的精髓在于“传神”，而神韵往往凝聚于细微之处。 眉眼与口鼻的刻画技法： 专辟章节讲解五官的精微处理。分析“点睛”的艺术，如何通过瞳孔、高光和眼睑的墨色处理，使人物目光有神。探讨鼻梁的塑造是靠线条还是靠墨的晕染来完成，以及如何通过口唇的微妙线条变化来体现人物的喜怒哀乐。 衣纹与动态的关联： 探讨衣纹（褶纹）作为人物内在情绪的外化表达。分析“高古游丝描”处理飘逸感和“折芦描”处理厚重感的区别。强调衣纹的走向必须服务于人物的动势和身体的内在结构，避免出现“衣纹独立于人物之外”的弊病。 第五章：场景与意境——环境氛围的营造 人物画的完成，需要依托于特定的环境来构建完整的故事性和意境。 环境的虚实处理： 探讨如何运用“虚景”来烘托主体人物。分析中国画中对“空间”的处理，即如何通过远山、云雾、树木的淡墨或留白，引导观者的视线，营造人物所处的特定时间与心境。 道具与配饰的象征意义： 分析画中常见道具（如书卷、乐器、器皿）在人物画中的象征意义。讲解如何通过对这些道具的精细描绘，来丰富人物的身份背景和文化内涵。 结语：心手相应，写意传承 本书强调，掌握技法是基础，最终的目的是达到“心手相应”的境界，将深厚的文化学养和个人独特的情感体验融入到笔墨之中，创作出具有独立精神和时代风貌的中国人物画作品。全书配有大量古代名作的局部放大解析图和大量的现代实践范例，力求理论与实践紧密结合。

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坦白说，我购买这本书是带着一丝怀疑的，毕竟“写意”这个词在当代艺术教育中常常被滥用，很多书只是展示了一些漂亮的成品图，却对过程讳莫如深。然而，这本《写意历史人物画法》实实在在地做到了“授人以渔”。它非常实在地剖析了古代大师们是如何处理复杂群体场景，以及如何在极简的笔墨中表现出历史场景的宏大叙事感。比如，它并没有直接教你画一幅完整的“赤壁怀古”，而是拆解了“江风”、“礁石”、“远山”和“人物点景”这几个核心元素，每一步都标注了用笔的力度控制和水分的掌握。对于我这种希望将国画技法融入自己现代插画创作中的人来说，这种结构化的解构和重组的思路，提供了极大的自由度和想象空间。装帧设计也很考究，纸张的质感很好，即使用马克笔或淡彩进行局部实验，也不会洇墨，非常适合反复练习。

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我手里大概有十几本关于中国画的教材，说实话，大多都让人提不起兴趣。这本书，完全颠覆了我的固有印象！它的视角非常独特，着重于“历史人物”这一主题，这本身就给学习过程增加了很多文化厚度和趣味性。作者似乎对历史了如指掌，在讲解如何表现李白饮酒的豪放、苏轼的旷达时，不仅仅停留在教你怎么用笔，更重要的是引导你如何去“理解”这个人物的内心世界，从而将情感注入笔端。这已经超越了技法层面的指导，更像是一次深度的人物访谈和艺术再创作过程。我特别喜欢其中关于“衣纹处理”的章节，不同朝代、不同身份人物的衣袍，用墨的浓淡和线条的粗细变化，展示得淋漓尽致，极大地拓宽了我对传统白描和渲染结合的理解。这本书放在案头，不光是学画的工具书，更像是一本可以随时翻阅的艺术史小册子，值得细细品味。

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这本书的出版，对于那些想深入挖掘中国传统艺术精神的爱好者来说，无疑是一个宝藏。它的内容深度远超一本普通的绘画教程，更像是一部融合了艺术史、哲学思考和实践指导的综合性著作。我尤其欣赏它对“意境”营造的关注，这在当代绘画教学中是越来越缺失的一环。作者不仅展示了如何用笔墨来塑造外形，更深入探讨了如何通过笔墨的韵律来传达历史的厚重感和人物的时代精神。每一章的案例都选得极具代表性，无论是三国时期的英雄气概，还是唐宋文人的淡泊，都能找到对应的笔墨语言进行解析。这使得学习过程不再是机械的模仿，而是一种与历史对话、与古人精神共鸣的探索之旅。我已经推荐给几位正在迷茫期想突破瓶颈的朋友，相信他们也能从中获得启发，找到自己独特的笔墨表达方式。

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多年来我一直受困于人物画的“形神兼备”难题，尤其是在处理古代士大夫和侠客这类需要表现精神气质的题材时，总是抓不住那种内敛的张力。这本书的精彩之处，在于它没有试图建立一个僵硬的“标准范式”，而是提供了一套非常灵活的“心法口诀”。作者非常强调“取舍”的重要性，什么样的细节可以忽略，什么样的神态必须突出，这一点在表现历史人物的标志性瞬间时尤为关键。例如，在描绘一位哲人闭目沉思的瞬间，作者用极少的几笔勾勒出下颌的线条和微扬的衣角，成功营造出一种时间停滞的氛围，这种高级的“留白”艺术，通过这本书得到了非常清晰的技法支撑。读完后，我感觉自己看待传统画作的眼光都提升了一个层次，不再是单纯欣赏，而是开始揣摩作者的创作意图和笔墨策略了。

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这部画册简直是国画初学者的福音！我一直想尝试画写意人物，但市面上很多教程要么过于写实，要么就是寥寥数语带过，完全抓不住神韵。这本书的编排非常系统，从最基础的笔墨运用、线条的干湿浓淡讲起，不是那种干巴巴的理论堆砌，而是每一个技法点都配有清晰的步骤图和范例。特别是关于“气韵生动”的解读，作者用非常直白的语言，结合具体的古代名家作品进行剖析，让我这个门外汉一下子就明白了写意的精髓在于“写”而非“描”。我尝试着跟着画了几幅，虽然还很稚嫩，但已经能感觉到自己笔下的人物有了一点点精气神了，不再是僵硬的木头人。书中对人物动态和神态的捕捉技巧也极其到位，哪怕只用几笔，人物的喜怒哀乐也能跃然纸上，这一点对我启发很大。我已经迫不及待地想把书中学到的应用到自己的创作中了。

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