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出版者:人民美术出版社

作者:张延风

出品人:

页数:394

译者:

出版时间:2003-12

价格:42.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787102028569

丛书系列:

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汉风唐韵：大国艺术的千年回响 作者： [此处可填写真实或虚构的权威学者姓名] 出版社： [此处可填写真实或虚构的知名出版社] 装帧规格： 精装，全彩印刷，16开本 字数/页数： 约55万字 / 820页 定价： 398.00元 内容概要： 《汉风唐韵：大国艺术的千年回响》是一部深入剖析中国古代艺术精神、发展脉络及其社会文化意蕴的宏大著作。本书以时间为轴线，以地域和门类为经纬，力求勾勒出一幅完整而细腻的中国艺术全景图。它不仅仅停留在对艺术作品的表象描述，更致力于探究艺术现象背后的哲学思想、审美范式以及与时代精神的互动关系。本书旨在为读者提供一个理解中国艺术为何如此独特、为何能延续数千年生命力的认知框架。 全书共分为七大部分，从史前文明的曙光追溯至明清鼎盛时期的变革，展现了中国艺术在不同历史阶段所展现出的强大生命力和适应性。 --- 第一编：文明之初——远古图腾与礼乐之源 (约120页) 本篇聚焦于中华文明的奠基时期，探讨艺术的萌芽状态及其与原始社会形态、部落信仰的紧密关联。 一、史前艺术的神秘性： 重点分析仰韶、马家窑等新石器时代文化中的彩陶纹饰，阐释几何图案、动物符号与早期宇宙观的联系。探讨红山文化玉器的宗教意义及其所蕴含的“天圆地方”的初步观念。 二、青铜时代的权力象征： 深入研究夏商周三代的青铜器铭文、纹饰与礼制的关系。阐释“饕餮纹”、“夔龙纹”等神兽纹样在国家权力构建中的核心作用。讨论礼器（如鼎、簋）如何超越实用功能，成为政治伦理的物质载体。特别关注西周礼乐制度对后世艺术审美的深远影响。 三、春秋战国的思想激荡与艺术觉醒： 考察“百家争鸣”背景下，艺术观念的世俗化与个体化倾向。分析楚文化（如云梦睡虎地竹简、人物御龙帛画）所展现出的浪漫主义色彩与诡谲的想象力，与中原传统的理性精神形成鲜明对比。 --- 第二编：气韵生动——秦汉的统一与恢弘气象 (约100页) 秦汉时期，一个统一的帝国形成了强大的国家意志和文化自信，这直接塑造了其艺术风格的雄健与博大。 一、秦代的“一统”气魄： 核心聚焦于秦始皇陵兵马俑群。通过对陶俑的服饰、发髻、表情的细致分析，探讨其写实主义的成就，以及对“军阵艺术”的极致追求。分析秦代书法（如小篆的规范化）如何服务于国家行政管理。 二、汉代的“气”与“势”： 探讨汉画像石、画像砖中对世俗生活、神仙信仰、历史演义的描绘。重点剖析其线条的遒劲有力，构图的饱满充实，体现出汉代人对生命力和开拓精神的颂扬。论述汉代建筑（如阙楼）所展现出的高大宏伟的审美取向。 三、丝绸之路的艺术交融： 考察佛教艺术和中亚、西亚文化元素在汉代艺术中的初步渗透，为后来的文化融合埋下伏笔。 --- 第三编：魏晋风度——个体自觉与审美转型 (约110页) 面对分裂与动荡，知识分子转向内心世界，艺术风格开始摆脱僵硬的礼制束缚，追求精神的自由与个性的张扬。 一、玄学思潮下的艺术重塑： 深入分析“竹林七贤”与“魏晋风度”对士人审美趣味的影响。探讨“自然”、“率真”、“萧散”如何成为新的艺术标准。 二、书法艺术的独立宣言： 将王羲之、钟繇等人的书法视为一场美学革命。剖析行书、草书的勃兴，强调笔墨运行中的“意在笔先”与“飞白”的艺术表现力。讨论书法从实用工具向纯粹艺术门类的蜕变过程。 三、早期佛教造像的本土化进程： 重点研究云冈、龙门石窟早期造像，分析犍陀罗风格与中原审美在“褒衣博带”造像中的结合与消化，展现文化转译的艰难与辉煌。 --- 第四编：盛世华章——隋唐的开放与集大成 (约130页) 唐代是中国古代艺术的巅峰期，其特点是包容性极强、气象万千、技法成熟，达到了前所未有的高度。 一、盛唐气象的视觉体现： 分析长安城规划的恢弘，以及这种秩序美如何渗透到绘画、雕塑之中。探讨唐代人物画（如吴道子）如何摆脱早期固有的线条束缚，追求立体感和生命力。 二、佛教艺术的黄金时代： 详述敦煌莫高窟中盛唐壁画的巅峰成就，特别是对色彩的运用、空间的处理（如“交错手法”）及其对世俗生活场景的吸收。研究唐代金银器和陶瓷（如唐三彩）所展现出的富丽堂皇的宫廷审美趣味。 三、唐代诗性景观与山水画的萌芽： 初步梳理山水画的独立趋势，讨论“诗中有画，画中有诗”的审美理想在文人阶层中开始酝酿。 --- 第五编：内敛与精微——宋代的文人化与格物致知 (约100页) 宋代艺术呈现出与唐代“外放”截然不同的“内敛”和“精致”。其核心驱动力是理学思想的兴盛和士大夫阶层的艺术主导权的确立。 一、院体艺术的规范与极致： 考察北宋院体画对自然界进行精微观察和描摹的“格物精神”。重点解析花鸟画（如赵佶的瘦金体及其画作）如何将科学的精确性与文人的情趣相结合。 二、宋瓷的审美高度： 细致阐释汝、官、哥、定、钧五大名窑的釉色、造型和烧制工艺。探讨宋瓷的“素雅”、“含蓄”、“天成”之美如何成为时代审美的最高典范，体现出对材质本性的尊重。 三、士人艺术的崛起： 详细分析以苏轼、米芾为代表的文人画理论的形成，讨论“不着色相，但求意趣”的美学主张对后世的决定性影响。 --- 第六编：意象重构——元明两代的文人主导与学院派的恪守 (约100页) 元代艺术是对宋代文人传统的继承与发展，明代则在成熟的技法基础上走向了多元的风格探索。 一、元四家的精神坐标： 探讨赵孟頫、黄公望、倪瓒等人在元代特定历史背景下，如何通过“复古”和“写胸中丘壑”来确立艺术的独立地位。分析“笔墨”作为独立语言体系的完善过程。 二、明代的学院与民间： 分析院体画的程式化倾向，以及“浙派”的写实与“吴门画派”（文征明、唐寅等）的精致文人趣味之间的张力。 三、工艺的世俗化与繁盛： 重点研究明代青花瓷的成熟与外销，以及家具（如黄花梨）设计中体现出的结构美和对简约线条的偏爱，这标志着艺术更深入地介入日常生活。 --- 第七编：转型与收束——清代艺术的集大成与新变 (约60页) 清代艺术在康乾盛世达到了古典艺术的最后一次辉煌，同时也面临着中西方文化碰撞带来的内部张力。 一、宫廷艺术的复古与精工： 考察清宫造办处的集大成能力，分析如珐琅彩瓷器等集汇各方技术之长的“集大成之作”。讨论乾隆时期对前代经典的全面整理与模仿。 二、金石学与碑学复兴： 阐述清代中期学者对汉魏碑刻的研究热潮，这在书法领域引发了“碑学”对“帖学”的反思和挑战，为晚清的艺术变革蓄积了力量。 三、末世的艺术家的心声： 简要触及清末，艺术界在保守与创新之间的挣扎，为近现代艺术的开端留下伏笔。 本书特色与价值： 1. 跨门类整合叙事： 本书不将绘画、书法、雕塑、工艺美术割裂论述，而是将它们置于同一文化母体下，探讨它们在同一时代背景下的审美取向和技法互通。 2. 哲学深度挖掘： 书中大量引用先秦经典、魏晋玄学、宋代理学等哲学文本，以阐释特定时期的艺术风格（如“气韵”、“意境”、“理”与“气”）的理论基础。 3. 精选图像佐证： 配备数百幅高分辨率的精品图片，力求在视觉上提供直观而丰富的体验。图片选取注重经典性与代表性，并附有详尽的图注，辅助理解其时代特征。 4. 研究视角权威： 结合考古学新发现和最新的艺术史研究成果，对传统艺术史中的某些定论进行了审慎的再讨论，保持了学术的前沿性。 《汉风唐韵》是献给所有渴望真正理解中国艺术精神的读者的一部诚意之作，它将引领您穿越历史长河，聆听那穿越千年的艺术回响。

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这本书给我的感觉，是那种在图书馆里翻找了很久，终于找到一本真正能“对话”的书的惊喜感。它的文字处理极其精妙，充满了老派学者的那种扎实的考据功底，但又绝不枯燥沉闷。作者似乎非常擅长捕捉那些微妙的、稍纵即逝的文化瞬间，并将其固定在纸面上，使其具有永恒的解读价值。我特别欣赏它在探讨不同艺术门类之间的内在联系时所展现出的那种游刃有余。比如，它会毫不费力地从唐代诗歌的格律变化中，推导出同时期青瓷釉色演变的审美倾向，这种跨领域的融会贯通，展现了作者极高的学术素养和敏锐的触觉。阅读过程中，我常常需要停下来，反复咀嚼某些句子，它们像一把把精准的钥匙，打开了我脑海中关于传统文化的一些模糊认知。这不仅仅是一次知识的输入，更像是一次精神上的洗礼，它要求读者全身心投入，去感受那种历史的厚重感和艺术的生命力。

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这部作品以其宏大的叙事视角和深邃的文化洞察力，为我们打开了一扇通往中华文明核心精神的窗户。作者似乎并未执着于罗列堆砌那些耳熟能详的艺术史实，而是巧妙地将笔触聚焦于艺术现象背后的“语境”——那种渗透在社会结构、哲学思辨乃至日常审美趣味中的无形力量。读来，我仿佛置身于一个巨大的文化熔炉前，看着那些具象的雕塑、绘画、建筑如何被反复煅烧、提炼，最终形成我们今天所理解的“中国风”。它不满足于表层的“美”，而是深入探讨了“为什么美成这样”的根本原因。比如，书中对宋代文人画中“意境”的探讨，绝非简单的技法分析，而是关联到了禅宗思想对个体精神自由的追求，以及士大夫阶层在政治变动中寻求内心栖居的集体心理。这种由外而内的解析路径，极大地拓宽了我们对艺术的认知边界，它不是一本工具书式的介绍，而更像是一部高屋建瓴的文化哲学导论，引领读者从更宏观的维度去理解艺术是如何成为民族精神的载体和表达的。

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坦率地说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但最让我感到震撼的是它对“观看”行为的颠覆性重构。我们习惯于用西方的线性、聚焦的眼光去审视艺术，但这本书却引导我们学会用一种更具“流变性”和“整体感”的视角去接纳中国艺术的特质。它似乎在告诉我们，理解一件器物或一幅画，不能只看它被固定下来的瞬间，而要理解它在时间长河中如何被人们不断地“完成”。作者对空间处理的讨论尤其精彩，那种不强调焦点、追求“无限延伸”的布局，与其说是绘画技巧，不如说是古人对宇宙观的一种实践。对于那些习惯于快餐式阅读的读者来说，这本书的节奏可能会显得有些缓慢，因为它需要你沉下心来，像慢饮一杯陈年的佳酿那样，细细品味其中层次丰富的口感。它提供的不是答案，而是更高级的提问方式。

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这部著作的精髓在于它对“匠人精神”的深层次挖掘与当代意义的重新阐释。它没有停留在对古代手工艺人高超技艺的赞美，而是将这些技艺视为一种系统性的文化传承方式，一种代代相传的“身体知识”。作者通过对不同材料——从玉石到丝绸，从泥土到金属——的细致剖析，揭示了中国人如何通过与物质世界的深度互动来确立自己的文化主体性。其中关于“残缺之美”和“未完成性”的论述尤其令人深思，它挑战了传统上对“完美”的单一追求，转而赞颂了生命本身的脆弱性与循环性。这本书读完之后，我对生活中那些被我们视为理所当然的器物，都多了一层敬畏之心，仿佛它们不再是简单的物件，而是凝固了时间与意志的历史片段。它引发了我对自己日常审美习惯和文化根基的深刻反思。

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这本书的叙述方式简直是一股清流，它完全避开了那种教科书式的陈述模式，而是采用了一种近乎散文诗般的笔调来勾勒历史的轮廓。我尤其喜欢作者在描述某些特定历史时期艺术风格转变时的那种细腻入微的笔触，它充满了人文关怀，让人感受到艺术家们在特定历史境遇下的挣扎与升华。阅读时，我常常产生一种错觉，仿佛自己不是在读一本学术专著，而是在听一位饱经风霜的老者，用充满智慧和幽默的口吻，讲述他亲身经历过的那些辉煌与沉寂。它成功地将“研究”与“体验”结合起来，让复杂的文化现象变得可感、可亲近。这种叙事上的松弛与内在的张力并存的风格，极大地降低了理解门槛，使得那些原本看似高冷的艺术理论，变得生动而富有温度，真正做到了雅俗共赏的境界。

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