新诗格律与语言的诗化 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:经济日报出版社

作者:林庚

出品人:

页数:181

译者:

出版时间:2000-1

价格:16.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787801276810

丛书系列:东方文化集成

图书标签:

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《古诗词韵律探微：从格律到意境的演变》 内容简介 本书聚焦于中国古典诗词中最为核心且复杂的两大要素——韵律与格律，同时深入探讨了这些形式特征如何与诗歌的语言风格及最终的审美意境相互作用，形成中国古典文学独有的艺术魅力。全书以严谨的学术态度，结合丰富的历史文献和经典诗篇实例，力求展现中国古典诗学在对声音、结构和意义进行精妙平衡方面的卓越成就。 第一部分：声律之源——古代音韵学的脉络与诗歌的对应 本部分溯源而上，考察了中国古代音韵学的发展历程，特别是中古音系（如《切韵》系统）如何成为唐宋格律诗韵脚确立的理论基础。 一、上古、中古音韵与近体诗的用韵标准 详细辨析了平仄、四声与韵部的概念，分析了不同历史时期韵书对诗歌韵脚选择的规范性影响。重点剖析了“一韵到底”的原则在近体诗中的严格体现，以及“出律”现象在特定语境下的艺术功能。讨论了词调中“上、去、入”声在转韵和拗救中的处理手法，揭示了格律并非僵硬的束缚，而是声音美学的精微操作。 二、平仄的结构作用与音乐性 深入剖析了近体诗中对仗与平仄的严格要求，不仅仅是音调的高低起伏，更是句子内部节奏的构建。通过对比五言和七言诗中平仄组合的固定模式（如“粘”、“对”），阐释了格律如何为诗句预设了一种听觉框架，使读者在朗诵时能够自然地感受到音乐的韵律感和句子的结构张力。探讨了在特定句式中，如“三仄尾”、“一三五不论”等灵活处理方式背后所蕴含的语言学和修辞学考量。 第二部分：格律的构建与范式的确立 本部分将焦点从声音转向结构，系统梳理了近体诗（律诗、绝句）的格律体系，并将其置于更广阔的文学史背景下考察。 一、唐代格律的定型与流变 详细考察了初唐、盛唐、中唐至晚唐时期，格律从探索走向成熟，再到被文人集团固化为一种“标准”的过程。分析了以沈佺期、宋之问为代表的格律定型者，以及杜甫、韩愈等大家在成熟格律基础上的创新与突破。探讨了格律与篇幅（五绝、七绝、五律、七律）之间的结构适应性。 二、对仗的审美价值与修辞手法 对仗是格律诗的骨架，本章将其作为独立的审美对象进行分析。不仅探讨了词性、结构上的工对，更深入研究了意象对仗、情态对仗等更高层次的“意对”。通过大量范例，展示了对仗如何加强诗歌的逻辑性、增强画面感和表达的张力，是限制中最富创造力的体现。 三、格律在词曲中的延伸与解构 简要介绍了格律诗的结构思想如何影响了宋词的体制。虽然词牌的格律更为复杂多变，但其对平仄、韵脚的敏感度，以及句式的长短不一，都体现了对唐代诗歌格律精神的继承与发展。对比分析了格律在诗与词这两种文学体裁中的不同体现方式。 第三部分：语言的诗化——格律与意境的交融 形式的精妙最终必须服务于内容的表达。本部分探讨了严格的格律约束下，诗歌语言如何被提炼、锤炼，从而实现“言有尽而意无穷”的诗化效果。 一、语词的锤炼与意象的凝练 分析了如何在有限的字数和严格的音韵要求内，诗人如何选择最精当的动词和名词，将抽象的情感转化为可感的具象意象。研究了“炼字”的艺术，如“推敲”的典故，展示了语言密度如何因格律的要求而达到极致。 二、句法结构与情感的张力 探讨了格律对诗歌句法结构的影响。例如，如何通过倒装、省略、跳跃等手法，在保持格律完整性的前提下，创造出出人意料的语序和节奏变化，从而引导读者的情感流向。分析了“以景寓情”和“以事入理”的语言策略，它们如何与格律的平稳或跳跃相互配合，增强主题的表现力。 三、从格律到“天成”——审美体验的达成 总结了格律与语言的诗化是如何共同作用，最终突破了形式的限制，达到自然天成的审美境界。探讨了优秀格律诗的“神韵”所在——即形式的完美服务于精神的自由，使读者在感受到其结构美感的同时，获得深邃的艺术感染力。 结语 本书旨在为读者提供一套深入理解中国古典诗歌艺术核心机制的分析工具，认识到严格的格律并非僵化的枷锁，而是激发语言创造力的重要催化剂，是成就中国古典诗词永恒魅力的基石。

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这本书的装帧设计真是没话说，拿在手里沉甸甸的，封面那种略带肌理感的纸张，配上烫金的标题，一股子古典韵味扑面而来。我本来还担心内容会过于学术化，结果翻开第一页就被吸引住了。作者的文字功底极其扎实，行文如行云流水，但又处处体现着对细节的精准把控。尤其是在论述古代诗歌的音韵之美时，他不像一些传统学者那样堆砌典故，而是用现代的视角去剖析那些看似遥远的格律，让冰冷的规则重新焕发出生命力。我记得有一章专门讲了“平仄”在现代诗歌创作中的潜在影响，那个角度非常新颖，让人忍不住停下来，合上书本，对着窗外默想许久，思考自己过去那些随性的创作是否遗漏了什么深层的韵律美感。这本书对于想要提升自身文学素养，又不希望陷入纯粹理论泥潭的读者来说，无疑是一剂良药。它巧妙地搭建了一座桥梁，连接着古典的严谨与现代的自由表达。

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这本书的结构设计有一种精妙的螺旋上升感。它不是线性的介绍，而是将一些核心概念反复地在不同层面进行深化和拓宽。例如，关于“意象的提炼与升华”这一主题，在初期它被作为一个基础元素介绍，而在后期的章节中，它又与整首诗歌的情感结构、乃至作者的世界观哲学联系起来。这种不断回溯、不断深入的处理方式，使得读者的大脑始终处于一种积极构建知识网络的状态。我尤其赞赏作者在引用例证时的克制与精准，他引用的作品往往是那些耳熟能详却又常被我们忽略其深层结构的作品，通过他的拆解，那些旧作焕发出了新的光彩。读完之后，我有一种强烈的冲动，想重新拿起笔，去审视和打磨自己那些未完成的文字碎片，仿佛这本书为我重塑了一把更精密的“雕刻刀”。

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我必须得说，这本书的阅读体验是层层递进的，初读时，你可能只是被作者那流畅的叙述技巧所折服，但随着深入，你会发现他埋藏在字里行间的深刻洞察力。其中关于“语言的诗化”这一核心概念的阐释，真是让人醍醐灌顶。作者并未给出一个僵硬的定义，而是通过大量鲜活的文学案例，展示了如何将日常语言通过选择、排列、重构，提升到具有审美价值的层面。我尤其欣赏他对具体词汇色彩和情感张力的分析，比如如何通过一个动词的精确选择，就能瞬间改变整句诗的基调。这对我进行散文写作的启发非常大，我开始有意识地去审视自己使用的每一个词语，不再满足于“差不多”的表达。读完这部分，我感觉自己的“词汇雷达”都升级了，看世界的方式也变得更加细腻和敏感。这本书不是教你如何写诗的工具书，它更像是一位高明的导师，在你潜移默化中，重塑你对语言的感知力。

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这本书的价值，我认为在于它提供了一个极佳的“反思场域”。它不是强行灌输某种创作方法，而是鼓励读者去质疑、去探索自己内心深处对“美”的原始渴望。在阅读过程中，我发现自己时常会停下来，回想自己过去创作的一些片段，然后用书中的理论框架去重新审视它们——哪些地方是失焦的？哪些潜在的韵律被我无意识地捕捉到了？这种自我校准的过程，远比单纯模仿范文来得有效得多。作者在论证过程中所展现出的那种严谨的逻辑推演能力，令人叹服，但这种严谨又被他巧妙地包裹在一种富有画面感的文学语言之中，使得即便是复杂的理论概念，也能被清晰地描摹出来。它让人体会到，真正的学问，是可以同时具备学术的深度和文学的温度的。

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坦白讲，我一开始对这类书籍是抱持着一种“敬而远之”的态度，总觉得要啃下厚厚的学术著作才能获得真知。但这本书的排版和章节划分完全颠覆了我的刻板印象。每一章的篇幅控制得宜，而且章节之间的过渡非常自然，几乎没有那种生硬的逻辑跳跃感。作者似乎非常懂得读者的耐心极限，他总能在关键时刻穿插一些极富启发性的脚注或小节标题，让你在感到疲惫之前就能找到新的兴奋点。特别是那部分关于现代诗歌在继承古典精粹时所面临的“张力与妥协”的讨论，观点犀利却又不失包容。他没有将传统视为必须逾越的桎梏，而是视为可以汲取养分的根基。这种平衡的视角，让这本书的论述显得既有深度，又充满了人文关怀，读起来非常舒服，完全没有阅读障碍。

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林庚、卞之琳、孫大雨和聞一多，都是汲汲於”頓“、”音步“的“節奏格律派”，但是只有馮至的《十四行集》最好地展現了這種音樂性，不凝滯反而靈動可感。至於在翻譯中，整齊的豆腐塊則更為人詬病了。

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格律失败了，语言的诗化更是没有

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格律失败了，语言的诗化更是没有

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没有想象的好。

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林庚先生建立新诗节奏的努力未必完全成功，但其毕生的探索与实践值得肯定。跟今天的诗歌研究相比，他的文字无疑能唤醒沉寂的“诗心”