复调音乐写作基础教程

复调音乐写作基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:人民音乐出版社
作者:陈铭志
出品人:
页数:293
译者:
出版时间:1986-9
价格:15.30元
装帧:简裝本
isbn号码:9787103002032
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
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具体描述

《复调音乐写作基础教程》:探索音乐织体的奥秘 本书旨在为对复调音乐创作感兴趣的读者提供一个系统、深入的学习路径,帮助您掌握复调音乐写作的基本原则、技巧与艺术。我们相信,理解并实践复调是通往更丰富、更有深度音乐表达的关键。 第一部分:复调音乐的基石 第一章:什么是复调? 我们将从最根本的层面出发,解析“复调”的定义,区分单音音乐、主调音乐与复调音乐的本质区别。 深入探讨复调音乐的核心特征:独立声部的相互作用、旋律线的交织以及整体音响的和谐与对比。 通过对历史重要复调作品的简要分析,初步感受复调音乐的魅力。 第二章:音程与和弦的复调视角 虽然本书聚焦复调,但理解音程与和弦是构建多声部织体的前提。本章将以复调写作的特殊需求为导向,重新审视音程的性质(协和与不协和)及其在多声部语境下的功能。 探讨不同音程组合如何影响声部间的连接与独立性。 介绍基本的和弦构成及其在复调织体中的应用,重点关注和弦进行对声部进行的支持作用。 第三章:旋律的独立与协作 复调音乐的灵魂在于其独立的旋律线条。本章将聚焦旋律写作的技巧,包括旋律的起伏、节奏的运用、乐句的构建等。 我们将深入研究如何使每条旋律线都具有音乐生命力,同时又能与其它声部和谐共存。 学习模仿(Imitation)、卡农(Canon)、对位(Counterpoint)等基本复调技法,理解它们在构建音乐织体中的作用。 第二部分:基本复调技法的实践 第四章:模仿技法的运用 本章将详细讲解模仿的原理与实践。从最简单的“自由模仿”到结构更严谨的“卡农”,我们将通过丰富的实例,教授您如何有效地运用模仿来创造音乐的连续性与趣味性。 分析不同声部、不同音程的模仿方式,以及模仿在乐曲发展中的作用。 第五章:二声部对位:步步为营 二声部对位是复调音乐的基础。本章将系统地介绍各种对位规则,从平行对位(第一对位)到反向对位(第三对位),再到混合对位(第四、第五对位)。 我们将详细讲解如何处理音程关系、声部交叉、跳进与级进的限制等,指导您写出清晰、流畅的二声部音乐。 通过大量的练习题和范例分析,帮助您熟练掌握二声部对位的写作技巧。 第六章:三声部及以上复调的挑战与机遇 在掌握了二声部对位的基础上,本章将引导您进入三声部乃至更多声部的复调写作。 我们将探讨如何在增加声部数量的同时,保持旋律的清晰度和织体的平衡性。 分析不同声部组合的可能性,以及如何运用对位技法来构建更为复杂的音乐结构。 第三部分:进阶技巧与创作应用 第七章:卡农与赋格的奥秘 卡农是模仿技法的高度发展,而赋格则是复调音乐的集大成者。本章将深入剖析这两种重要的复调曲式。 我们将详细解析卡农的结构、主题与答句的关系,以及不同类型的卡农(如对位卡农、逆行卡农等)。 对赋格的构成要素(呈示部、对题、自由段、再现部)进行深入讲解,并分析巴赫等大师的赋格作品,帮助您理解其精妙的写作手法。 第八章:不同风格的复调实践 复调音乐并非一成不变。本章将带领您回顾不同历史时期复调音乐的风格演变。 我们将分析中世纪的奥尔加农(Organum)、文艺复兴时期的人声复调、巴洛克时期对位技法的巅峰以及古典主义时期对复调的融合与创新。 通过对不同风格作品的赏析和模仿练习,拓宽您的复调创作视野。 第九章:复调在现代音乐中的应用 复调技法并非只属于过去。本章将探讨复调思想在现代音乐创作中的体现。 我们将分析二十世纪及当今作曲家如何运用传统的复调技法,或是将其进行创新与改造,以适应现代音乐的审美需求。 鼓励读者在理解复调基础之上,大胆探索属于自己的复调语言。 本书特色: 理论与实践并重: 我们不仅提供详尽的理论解释,更注重通过大量的练习和范例分析,引导读者动手实践。 循序渐进的学习路径: 从最基础的概念到复杂的曲式,层层递进,确保学习的系统性和有效性。 丰富的音乐实例: 大量引用古典及近现代复调音乐的经典作品,帮助读者直观理解复调的魅力。 强调独立思考与创作: 鼓励读者在掌握基本技法后,发挥创造力,发展个人化的复调写作风格。 无论您是音乐专业的学生,还是对复调音乐充满好奇的音乐爱好者,本书都将是您开启复调音乐创作之旅的理想指南。让我们一同在音乐的织体中,发现无限的可能!

作者简介

目录信息

绪论
一、复调音乐的定义与类型
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我一直对巴赫的音乐情有独钟,总觉得他的音乐有着一种难以言喻的深度和力量。但之前我只是停留在欣赏的层面,无法理解其中奥妙。自从我开始研读《复调音乐写作基础教程》后,我才真正开始理解巴赫音乐的伟大之处。这本书就像一把钥匙,为我打开了通往巴赫音乐世界的另一扇门。 书中对赋格的讲解尤为精彩。它不仅详细介绍了赋格的各个组成部分,比如呈示部、展开部、再现部,还深入分析了赋格主题的特点、对位手法在赋格中的运用,以及赋格的整体结构是如何构建的。我常常会一边阅读书中的讲解,一边去听巴赫的赋格作品,每听一遍,都能发现新的东西,都能对作品的理解更上一层楼。 更重要的是,这本书不仅仅是理论的介绍,它还提供了大量非常实用的写作练习。这些练习由浅入深,循序渐进,让我能够亲手去实践所学的知识。在写作的过程中,我不仅巩固了理论,也培养了对音乐声部处理的敏感度。这本书真的是我作为一名业余音乐爱好者,想要深入探索复调音乐的必备读物。

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我之前对复调音乐的理解,很大程度上还停留在“很多旋律同时进行”的表面。但《复调音乐写作基础教程》让我看到了复调音乐背后更深刻的逻辑和美学。它不是简单地叠加旋律,而是通过精巧的构思,让每一条旋律线都具有独立的生命力,同时又能与其他旋律线和谐共鸣,共同构建出丰富而立体的音乐画面。 书中对“对位”的解释非常到位。它不仅仅是音高上的关系,更包含节奏、和声、以及各个声部之间的“对话”。我特别喜欢书中关于“声部平衡”的讨论,如何让不同的声部既保持独立,又不至于互相干扰,这是一个非常微妙的艺术。作者通过大量的实例,展示了如何在实际写作中处理好这种平衡。 这本书的另一个亮点是它对音乐史的巧妙融合。在讲解各种复调技法时,作者都会适时地介绍其在不同历史时期的发展和演变,以及这些技法如何影响了作曲家的创作风格。这让我在学习理论知识的同时,也对西方音乐史有了更直观的了解。这本书真的让我感受到了复调音乐的魅力,以及它在音乐发展史上的重要地位。

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拿到这本书的时候,我本来只是抱着试试看的心态,因为我对复调音乐一直感到有些畏惧,觉得它过于理论化,不容易上手。然而,《复调音乐写作基础教程》完全颠覆了我的这种看法。它用一种非常引人入胜的方式,将原本枯燥的理论知识变得鲜活起来。作者并没有直接丢给读者一堆规则,而是通过一步步的引导,让我理解复调音乐的“为什么”,而不是仅仅记住“怎么做”。 我特别欣赏书中关于“模仿”和“对位”的讲解。它详细地分析了不同声部之间如何进行模仿,以及这些模仿如何构建出音乐的张力和层次。不仅仅是简单的平行模仿,还有各种精妙的反行、增值、减值模仿,以及它们在实际写作中的运用。我尝试着按照书中的练习来创作,虽然一开始有些磕磕绊绊,但随着练习的深入,我逐渐体会到了不同声部独立又和谐共存的魅力。 这本书就像一位循循善诱的老师,它不会让你感到压力,反而会激发你对音乐创作的更大热情。它让我意识到,真正的音乐创作,是建立在深厚的理论基础和精巧的技法之上的,而这本书恰恰提供了最坚实的基石。

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这本书对我来说,不仅仅是一本音乐教程,更像是一本“音乐思考指南”。它让我从一个单纯的旋律创作者,变成了一个更全面的音乐结构思考者。我之前总觉得复调音乐很“死板”,有很多限制,但这本书让我看到了在这些限制中蕴含的无限可能性。 我印象最深刻的是关于“卡农”的讲解。作者不仅解释了卡农的各种形式,例如严格卡农、不严格卡农,还深入分析了卡农在不同作曲家作品中的变化和发展。通过对不同卡农作品的剖析,我才真正理解到,看似重复的旋律线,在不同的处理下,可以产生如此丰富多样的音乐效果。 这本书提供的练习也十分有针对性。它不是简单地让你去写一段旋律,而是让你去解决一个具体的“声部关系”问题。在解决这些问题的过程中,我不仅巩固了所学的理论,也培养了自己解决音乐创作中实际问题的能力。这本书真的是一本帮助我“实操”复调写作的好书。

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在我看来,《复调音乐写作基础教程》是一本真正能够“教”你写复调音乐的书。市面上有很多音乐理论书籍,但很多都过于学院派,或者过于晦涩难懂,让初学者望而却步。这本书却打破了这种困境,它用一种非常平易近人的语言,将复杂的复调概念一一剖析,并且提供了一套完整的学习路径。 我特别喜欢书中关于“模仿”的系统性讲解。它不仅仅是简单地告诉你要模仿,而是深入地分析了模仿的各种类型,例如同度模仿、高八度模仿、移调模仿等等,以及它们在不同音乐风格中的运用。书中还提供了很多练习,让你能够亲手去尝试这些模仿,从而体会它们带来的音乐效果。 这本书的排版也十分用心,大量的乐谱示例清晰易读,并且都经过了精心注释,能够帮助我们更好地理解其中的技术。我常常会在学习完一个概念后,立刻去翻阅相应的乐谱示例,那种“豁然开朗”的感觉是学习音乐过程中最令人欣喜的体验之一。总而言之,这是一本我强烈推荐给任何对复调音乐感兴趣的读者的书。

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这本书的阅读体验非常棒,它让我体验到了学习音乐理论的乐趣,而不仅仅是枯燥的知识堆砌。《复调音乐写作基础教程》以一种非常“音乐性”的方式来讲解复调写作,它不仅仅是在告诉你“是什么”,更是在告诉你“为什么”和“怎么做”。 我尤其欣赏书中对于“和声对位”的讲解。它让我理解了如何在保持声部独立性的同时,利用和声的变化来丰富音乐的色彩。书中提供的很多例子,都展示了 composer 如何通过巧妙的声部进行,来制造出引人入胜的和声效果。我常常会一边听着书中的示例,一边跟着书中的乐谱去分析,那种感觉仿佛置身于一个音乐的宝藏之中。 这本书真的让我看到了复调音乐的“生命力”。它不是死板的规则,而是一种富有创造性的表达方式。通过学习这本书,我不仅掌握了复调写作的技巧,更重要的是,我学会了如何从更宏观的角度去思考音乐的结构和发展,以及如何让不同的音乐元素和谐地交织在一起。这本书对我音乐创作的帮助是巨大的。

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这本书的优点在于它的“实用性”和“启发性”并存。它不仅仅是一本枯燥的理论书,更是一本能够激发你创作灵感的“工具箱”。我之前学习音乐,总觉得在旋律创作上可以随心所欲,但当涉及到多声部写作时,就显得束手无策。这本书让我看到了如何在一个更广阔的音乐维度上进行思考和创作。 我尤其喜欢书中关于“节奏对位”的讲解。它让我意识到,即使旋律线在音高上是独立的,但它们在节奏上的配合同样能够创造出有趣的音乐效果。书中提供了一些非常巧妙的节奏组合示例,让我看到了如何在保证声部独立性的同时,创造出流畅而富有动感的音乐。 而且,这本书的作者显然对复调音乐有着深厚的理解和热爱,这种情感也体现在字里行间。它不是冷冰冰的知识灌输,而是带着温度的分享。阅读这本书的过程,就像是与一位经验丰富的音乐大师在进行一次深入的交流,我从中获益良多。这本书真的让我对音乐的理解从“听”到了“写”,有了更深层次的升华。

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这本书真的让我对音乐的理解层面有了质的飞跃。我之前学习音乐,总是停留在旋律的创作上,觉得能写出动听的旋律就已经很不错了。但这本书却像打开了一扇新世界的大门,让我看到了音乐更宏伟、更复杂的结构。它不是简单地罗列各种和弦进行或者旋律写作技巧,而是深入浅出地讲解了复调音乐的核心理念,以及如何在多条独立旋律线之间建立起和谐而富有逻辑的关系。我尤其喜欢书中对不同复调技法的历史渊源和发展演变的介绍,这让我能更深刻地理解为什么某些技法会这样发展,以及它们在不同历史时期所扮演的角色。 而且,这本书的讲解方式非常清晰,即使是像卡农、赋格这样相对复杂的概念,在作者的笔下也变得易于理解。书中大量的示例乐谱,每一个都经过精心挑选,能够准确地阐释所讲的技法。我常常反复研究这些乐谱,尝试着去模仿,去感受不同旋律线之间的互动。有时候,我会感觉自己像一个侦探,试图解开这些旋律交织在一起的奥秘。它不仅仅是一本教程,更是一本引导我探索音乐内在逻辑的指南。

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当我翻开《复调音乐写作基础教程》时,我带着一种既好奇又有些忐忑的心情。复调音乐在我看来,一直是一个高深莫测的领域,我担心自己无法理解。然而,这本书用它清晰的逻辑和生动的讲解,彻底打消了我的顾虑。它就像一位经验丰富的向导,带领我一步步探索复调音乐的奇妙世界。 我特别喜欢书中对“主调音乐”与“复调音乐”的对比分析。它让我清晰地认识到这两种音乐风格的本质区别,以及复调音乐是如何通过多声部协同作用来构建音乐的。书中对于“模仿”和“对位”的详细阐述,更是让我对声部之间的关系有了全新的认识。 这本书的另一个优点是它的“循序渐进”。它不是一下子把你丢进复杂的赋格里,而是从最基础的二声部对位开始,一步步引导你学习更复杂的技法。每一章节的学习都像是为下一章节打下了坚实的基础,让我能够稳步前进,而不会感到 overwhelming。这本书真的是一本非常适合想要系统学习复调音乐的读者的入门读物。

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这本书的价值不仅仅在于它传授了多少复调写作的技巧,更在于它培养了我对音乐结构和逻辑的全新认识。我一直以为音乐写作就是把好听的旋律写出来,然后配上和弦,但这本书让我明白,音乐更像是一场精密的建筑工程,每个声部都是一块砖,都需要有自己的位置和作用,并且与周围的砖块紧密结合,才能构成宏伟的整体。 我印象最深刻的是关于“自由对位”的章节。它不像早期对位那样有着严格的规则限制,而是允许作者在保持对位原则的前提下,拥有更大的创作自由。书中详细讲解了如何在这种自由度下保持声部之间的平衡和独立性,以及如何利用和声的色彩来丰富对位关系。这让我意识到,复调音乐的魅力不仅仅在于严谨的结构,更在于在规则中寻找自由,在自由中遵守规则的艺术。 这本书的案例分析非常透彻,作者会把一些经典的复调作品进行拆解,让我们看到 composer 是如何在实践中运用这些技巧的。每一次阅读,我都能学到一些新的思考方式,以及如何将这些思考运用到自己的创作中。它不仅教会了我“怎么做”,更重要的是教会了我“为什么这么做”。

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