具体描述
圣－桑（1835-1921）法国作曲家、管风琴和钢琴演奏家、指挥家。他出生于法国巴 黎的农民家庭，幼年即表现出惊人的音乐才能，美国音乐历史学家吉尔伯特·蔡斯认为 “他的早熟堪与莫扎特媲美”。圣－桑五岁起开始作曲，十一岁即以钢琴家姿态登台演出， 十三岁进巴黎音乐学院学管风琴，曾多次在比赛中获奖。1853年起他开始在教堂任管风 琴手，其中有四年在尼德尔学校兼任钢琴教授，杜卡和福列都是他的学生。1877年他辞 去教堂的职务，埋头作曲。十九世纪下半叶，在法国艺术界出现了一个以振兴民族音乐文 化为宗旨的“民族音乐协会”，圣一桑是这个组织的创始人之一。他积极从事音乐活动， 又以钢琴家和指挥家的身份到各国演出。晚年则热衷于旅行，1921年12月16日客死于阿 尔及利亚的阿尔及尔城。
圣－桑的音乐创作具有浓厚的法国传统风格，形式严谨而不呆板，旋律流畅，和声 典雅，通俗易懂，配器绚丽多彩。其作品数量超过一百七十部，几乎涉及每个音乐体裁和 领域。但玉石混杂，质量不匀。较优秀的作品是歌剧《桑孙与达利拉》、《第三交响曲》、 《大提琴协奏曲》，交响诗《骸髅之舞》、第二，三、五《钢琴协奏曲》、《第三小提 琴协奏曲》以及小提琴与乐队的《引子与回旋随想曲》等。他与同时代的音乐家李斯 特、柏辽兹、瓦格纳等都有交往。1892年获英国剑桥大学的名誉音乐博士学位，1913年 获法国（“荣誉团”勋位的光荣称号（此勋位授予对法国作出卓越贡献的人士）。此外， 他还写诗作剧，另有《和声与旋律》，《唯物论与音乐》等论著。
圣桑是技巧最圆熟的作曲家。他有许多作品目前还活跃在乐坛上,但是在法国以外的地方, 其声誉却不见上扬。一般对圣桑音乐的批评是: 处处都是技巧, 却不见乐念, 徒具形式; 虽说高雅, 却流于肤浅。他在某方面真可说是法国的孟德尔颂。
圣桑也像当时稍具野心的法国作曲家一样, 著手撰写歌剧。他在经过两度尝试后, 终于在1877年目睹『参孙和达丽拉』的成功。圣桑的其馀十二出歌剧在受人欢迎的程度上都未能超越它。虽然有些学者专家仍坚持『阿士加尼奥』(1890)品质更佳, 但是至今仍然活跃于剧场的却是『参孙』。实际上尽管世人对他的音乐口碑不佳, 但是其至今仍为人所津津乐道的乐曲数量令人讶然。世人百听不厌的有 G小调钢琴协奏曲、 c小调钢琴协奏曲、第五号 F大调也时获青睐, 其他还有C小调第三号交响曲『管风琴』、B小调小提琴协奏曲。 A大调大提琴协奏曲, 以及『天鹅』原始出处『动物狂欢节』。供小提琴与管弦乐团演奏的『序奏与回旋奇想曲』也是世人耳熟能详的作品。交响诗中以『骷髅之舞』最为著名, 『温花儿的纺车』也偶尔东山再起。
成绩的确不恶, 显示圣桑的乐名未能充份反映其为最优秀作曲家的事实。他的音乐必定带有某种活力, 才能在乐坛上立于不败之地。其音乐中的逻辑, 井然的顺序, 精炼、明晰的梗概, 纯而不杂的专业风格, 都在美学上达到了自成一家的境界。他的音乐跟植于古典传统, 不论是否违异于正统形式, 总是能够万变不离其宗, 可称为有史以来第一位新古典主义者。他的音乐以「古典高雅」是尚。在当时所有法国作曲家中, 以圣桑的音乐最为纯净, 全然摒弃法朗克及其乐派甘美甜腻的弊端。或许 G小调钢琴协奏曲或是『管风琴交响曲』的内涵并不是十分深刻, 但是它们至少一扫当时陈腐俚俗与品味低落的通病。
他那些甚少为人演奏的钢琴曲虽然近似沙龙式的轻音乐, 但是却能以其特质与客观性而不至流为窠臼, 反而颇具效果, 尤以 C小调触技曲 (第五号钢琴协奏曲最后乐章的独奏版) 为最。此曲的光芒可视为衔接李斯特与拉威尔乐风的一座桥梁。或许圣桑在今日乐坛的地位值得我们重新评价。
如果有一天人们的口味也随著时代递嬗而有所改变, 突然惊觉圣桑出神入化的技巧, 轻盈又不失典雅端庄的乐念竟是那么迷人, 届时圣桑音乐的卷土重来就有望了。然而问题征结是, 圣桑始终以次级作品最为人知——如『参孙与达丽拉』、『天鹅』、『骷髅之舞』——而非出色的钢琴、喇叭、弦乐七重奏、 D小调小提琴奏鸣曲, 以及降B大调钢琴四重奏。
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说实话，初听这套录音的时候，我还有些许疑虑，毕竟要驾驭如此宏大的作品，对乐团的整体协调性和指挥的洞察力要求极高。然而，事实证明，他们交出了一份令人叹服的答卷。管弦乐队的层次感做得极其清晰，即便是最复杂的对位段落，木管组的色彩变化也如同油画般丰富，铜管的烘托恰到好处，既不会压倒独奏，又能提供坚实的音乐基础。指挥家对节奏的把握简直是教科书级别的精准，他懂得何时需要推动音乐向前奔涌，何时又该让它温柔地停驻，细细品味每一个和声的色彩。特别是协奏曲的终曲部分，那段狂热的快板，乐队与大提琴的对话充满了活力与张力，那种仿佛要冲破乐谱限制的生命力，让人听得热血沸腾。这不仅仅是一次成功的演奏，更像是一次对作品精神内核的深入挖掘和完美呈现，每一个声部都在为共同的目标服务，最终汇集成一股不可阻挡的艺术洪流。
评分购买和收藏这张录音纯粹是出于对特定时期音乐氛围的怀旧与追寻。那个年代的录音技术，虽然在某些极高频和极低频的细节处理上或许不如现代数字录音的极致清晰，但它却保留了一种独有的“空气感”和温暖的颗粒质地。当你戴上耳机沉浸其中时，你会感到一种仿佛置身于一个略带年代感的音乐厅中的错觉，音场的宽度和深度处理得非常自然，乐器的定位清晰却不僵硬。这不仅仅是技术层面的差异，更是一种审美倾向的体现——它更注重音乐的整体性与情感的连贯性，而不是对每一个微小细节的病态捕捉。对于热爱古典音乐“老派”韵味的听众而言，这种带有时代印记的声响质感，恰恰是无可替代的魅力所在，它让聆听本身成为了一种对往昔时光的温柔回顾。
评分这部作品的细腻之处，简直像是从雕刻家手中精心打磨出来的艺术品。每一个音符的起承转合都充满了克制而又磅礴的情感力量。演奏家对于弓弦的掌控达到了出神入化的地步，仿佛他们的手指与琴身融为了一体，每一次的揉弦、每一次的换把，都像是呼吸一样自然流畅，却又蕴含着无尽的戏剧张力。尤其是在那些高音区的咏叹调部分，那种穿透人心的纯净感，让人忍不住屏住呼吸，生怕稍微的声响都会打破这份神圣的宁静。它不是那种喧嚣浮夸的炫技之作，而是深沉的、内省的、与灵魂对话的音乐。我特别欣赏其中对速度变化的微妙处理，那种从极慢的沉思到突然爆发的激情，过渡得毫无斧凿痕迹，仿佛是自然界风暴来临前的宁静与随后的狂风骤雨的完美结合。听完之后，心灵仿佛经历了一次彻底的洗涤，所有的杂念都被那悠扬而又厚重的琴声冲刷殆尽，只留下一种深刻而持久的感动。这种音乐的深度，需要反复聆听才能真正体会其万分之一。
评分我得说，这本书（或者说这张专辑的演绎版本）提供了一种全新的、极其具有个人色彩的解读视角。它没有拘泥于传统的演绎规范，而是大胆地注入了演奏者自身的情感体验和时代烙印。有些乐句的处理，初听可能会觉得略显突兀，但细品之下，你会发现那份“突兀”其实是对原作中隐藏情绪的放大与强调。比如某些原本被处理得相对平稳的过渡句，在这里被赋予了一种近乎悲剧性的宿命感，仿佛预示着某种无可挽回的结局。这种主观性带来的冲击力是巨大的，它迫使听众跳出过去对作品的固有印象，重新审视作曲家想要表达的复杂人性。对于那些已经听过无数遍经典录音的资深乐迷来说，这无疑是一个极具启发性的版本，它提供了讨论和辩论的空间，让这部经典作品在当代语境下焕发出新的生命力。它敢于冒险，这种艺术上的勇气值得最高的赞誉。
评分这部作品的结构之精妙，简直令人叹为观止，特别是第二乐章，它更像是一首独立的大提琴叙事诗，而非传统意义上的慢板乐章。它拥有多个主题的引入、发展和回顾，每一个主题都带着鲜明的性格标识，仿佛是几个不同的人物在舞台上各自诉说着自己的心事，然后又在旋律的交织中互相理解、互相映衬。大提琴的主旋律线索贯穿始终，如同一条坚韧的丝线，将所有零散的情感碎片串联起来，使其具备了完整的故事感。我尤其着迷于它如何在大提琴的低吟浅唱中，悄无声息地调动听者的情绪，那种由内而外散发出的哀而不伤、沉静而深邃的美感，是极难拿捏的。它没有用强烈的对比来吸引注意力，而是用一种近乎催眠的方式，将听众温柔地引入其构建的内心世界，让人在不知不觉中被其深度所吸引。
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