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出版时间:1999-2

价格:42.50元

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isbn号码:9787020011476

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《大地回响：中国民间叙事文学的广阔图景》 内容简介 《大地回响：中国民间叙事文学的广阔图景》是一部致力于深度挖掘和系统梳理中国传统民间叙事文学精髓的学术专著。本书超越了对单一文体（如戏曲、说唱或鼓书）的局限性考察，将目光投向了中国广袤土地上流传着的、形形色色的口头与半口头叙事传统，旨在构建一个宏大而精微的民间叙事生态图景。 本书的立论基础在于对“叙事张力”的重新界定。作者认为，中国民间叙事文学的生命力并非仅仅源于其故事情节的跌宕起伏，更深层次在于其在特定社会结构、地域文化与仪式实践中产生的独特张力——包括对主流意识形态的“微叛逆”与“内化”、口头传承中的“即时性变异”与“集体记忆的固化”之间的张力，以及表演艺术与文本记录之间的“动态平衡”与“永恒矛盾”。 全书结构严谨，分为四个主要的递进部分： 第一部分：叙事土壤的勘探与定性 本部分首先对中国民间叙事文学的地理分布、历史源流进行了细致的考证。重点探讨了不同地域（如黄河流域的雄浑悲壮、江南水乡的婉约细腻、西南少数民族的神秘瑰丽）的文化特质如何塑造了其独特的叙事母题与表达方式。作者引入了“口头文化地理学”的概念，通过对上百个田野调查点的案例分析，揭示了环境、生计与信仰系统对故事“骨架”的决定性影响。 例如，书中详细分析了徽州地区的“劝善惩恶”故事中，对宗族规范与商业伦理的交织叙述；以及陕北高原上“信天游”式叙事中，对生存困境与生命哲学的粗犷表达。这部分内容强调，理解民间叙事，必须先理解其赖以生存的“大地”。 第二部分：母题的密码与叙事机制 本部分深入剖析了民间叙事中反复出现的“永恒母题”及其变异模式。这些母题涵盖了神话原型、历史传说、民间英雄、才子佳人、狐妖鬼怪等主要类型。 作者摒弃了传统的“主题分类法”，转而采用“叙事驱动力分析”。核心章节探讨了“替身与救赎”、“秩序的重建与流散”以及“非理性力量的驯化”这三大驱动力如何贯穿于不同的叙事实践中。书中对“历史的个人化”现象进行了深入论述，指出民间叙事往往通过聚焦于一个受压迫的个体（如被冤枉的良民、受侮的女性），来实现对宏大历史叙事的解构和重塑，从而满足民间对公正的朴素诉求。 此外，本部分还详尽考察了民间叙事在“口耳相传”过程中所依赖的特定“叙事工具”：如程式化的开场白与结束语、特定情境下的韵语嵌入、声音模仿的技术性运用，以及表演者与听众之间的即时反馈循环。 第三部分：仪式、展演与社会功能 民间叙事绝非孤立的故事，而是深深嵌入社会生活肌理中的一种“展演行为”。本部分着重探讨了叙事文学在特定社会仪式（如庙会、祭祀、婚丧嫁娶、节庆活动）中的实践功能。 书中描绘了民间艺人在不同场合下的“角色切换”：在说书场上，他们是权威的“说书人”；在家庭团聚时，他们是记忆的“守护者”；在宗教活动中，他们是连接人神领域的“中介”。作者特别关注了叙事在社会规范教化、群体身份认同构建、以及民间信仰传播中的隐秘作用。例如，某些禁忌故事的讲述，并非旨在娱乐，而是通过制造恐惧与不安，来巩固既有的社会道德边界。 第四部分：文本的转化与当代的镜像 最后一部分考察了民间叙事在现代媒介转型中的挑战与新生。本书细致对比了手抄本、刻本、印刷品以及现代录音、影像资料对传统口头叙事“流变性”的固化与重塑。 作者认为，当民间故事被“文本化”后，其生命力并未消亡，而是转入了一种新的存在形态。这种形态继承了母题的内核，但其表达的“语境”已被彻底改变。本书最后一部分通过对当代文学、影视作品中对民间叙事元素的引用与挪用现象的分析，探讨了传统民间智慧如何在新时代背景下，以新的面貌继续回响。 本书特色： 1. 跨学科视野： 融合了民俗学、人类学、叙事学和历史地理学的研究方法。 2. 田野扎根： 大量引述第一手田野调查资料，确保了叙事样本的真实性与多样性。 3. 动态研究： 拒绝将民间叙事视为“僵死的文物”，而是将其置于持续的社会变迁中进行考察。 《大地回响》为研究中国民间文学、文化人类学以及传播史的学者提供了一份既具理论深度又富田野实证的参考指南，旨在唤醒人们对那些在田埂间、茶馆里、炉火旁流传已久的故事所蕴含的巨大文化能量的重新认识。

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初读这本书时，我最大的疑惑是，如何在保证学术严谨性的同时，避免陷入枯燥的文献堆砌？看完前几章后，这种顾虑完全消散了。作者采用了非常高明的“案例对比法”来进行论述。例如，在讨论“女性角色塑造的演变”时，他没有空泛地概括，而是拿来同一主题下，不同流派的经典唱段进行细致的文本比对。他会深入到某一个字的发音归韵、某个腔调的起承转合中去，去考察那个时代女性的社会地位是如何通过这些唱腔的细微差异被投射到舞台上的。这种“微观分析”的手法极其有力，使得原本抽象的“流派差异”变得清晰可见。此外，书中穿插的那些关于老艺术家口述历史的访谈片段，更是点睛之笔。那些带着岁月痕迹的、带有地方口音的朴实言语，为冰冷的理论增添了人性化的温度，让我感觉自己仿佛坐在后台，听着前辈们传授“看家本领”。这种“文献学”与“口述史”的巧妙结合，让这本书的厚度与广度都得到了极大的提升。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，尤其是封面那幅水墨晕染的图景，乍一看还以为是哪位大家的手笔，深邃的墨色和留白的运用恰到好处，仿佛能从中嗅到一丝旧戏台子的樟木香和脂粉味。内页的纸张选择也十分考究，那种略带粗粝感的米黄色纸张，在灯下泛着柔和的光泽，让人忍不住想用指腹去摩挲。而且排版布局极其用心，每一出戏的引子和角色介绍部分，都用了不同字体的篆刻式边框来点缀，既保持了阅读的流畅性，又不失古典韵味。我特别欣赏它在细节处理上的匠心，比如每一章的页眉处都巧妙地印着一朵小小的戏曲脸谱剪影，虽然不起眼，但凑在一起，便形成了一种整体的仪式感。拿到手上的时候，沉甸甸的分量也透露出内容之厚实，绝非那种轻飘飘、走马观花的合集可比。看得出，出版方在“物”的层面下了大工夫，它不仅仅是一本书，更像是一件可以被珍藏的工艺品，让人在翻阅之前，就已经被这种对传统美学的敬畏之心所感染。它成功地构建了一个从触感到视觉的沉浸式体验，为接下来的阅读体验打下了坚实而美好的基础。

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最令我感到惊喜的是这本书在最后几章对“当代困境与未来出路”的思考部分，它没有落入窠臼地发出空洞的呼吁，而是提供了一套非常实用的、具有操作性的分析框架。作者聚焦于当前戏曲教育、数字化传播和观众培育这三个核心难题，并提出了多个富有启发性的观点。比如，关于数字化保存，他不再是简单地建议“录像”，而是深入探讨了三维动作捕捉技术如何能更精确地留存“身段记忆”；在谈及观众培育时，他甚至建议可以从“解构主义”的角度切入，先让年轻观众理解戏曲的程式化美感，再逐步引导他们欣赏复杂的叙事。这些观点充满了对未来的乐观，但绝非盲目自大，而是建立在对现状深刻洞察之上的理性构建。整本书读完，我不仅收获了知识，更感受到了一种对传统艺术传承的责任感和方法论的启发，它提供了一种看待和参与传统文化的全新视角，激励人去思考如何让这些古老的艺术在现代社会中继续焕发生机。

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这本书在对“戏曲与时代变迁”关系的探讨上，展现出了一种近乎洞察世事的清醒。它没有将戏曲描绘成一个孤立的、静止的审美对象，而是将其放置在宏大的社会背景下去审视其每一次的兴衰与革新。我尤其欣赏它对“雅俗共赏”这一概念的辩证分析。作者并没有简单地将昆曲归为“雅”，将地方戏归为“俗”，而是详细阐述了在不同历史节点上，这些看似对立的元素是如何相互渗透、彼此成就的。比如，它对某个民间花部剧目如何吸收了宫廷音乐的某些技法，并最终反哺主流剧种的论述，逻辑严密，论据充分。读完这些章节，我才真正明白，传统艺术的生命力恰恰在于它强大的“适应性”和“包容性”。它不是一潭死水，而是随着时代的水流不断调整自己的形态，这本书准确地捕捉到了这种动态的、活泼的生命力，让人对“活着的遗产”有了全新的理解和敬意。

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这本书的内容编排逻辑简直像是一部结构精密的昆曲骨架，层层递进，丝丝入扣。我原本以为会是那种杂糅了各种剧种、显得有些混乱的通史梳理，结果它完全打破了时间线的刻板印象，而是以“主题”和“情感母题”作为核心脉络进行划分。比如，它将描写“忠义”的剧目集中在一起进行剖析，然后转向“儿女情长”的经典桥段，这种处理方式极大地增强了可读性，让读者不必被晦涩的历史年代所困扰，而是可以直接进入到戏曲艺术最打动人心的内核。更值得称赞的是，作者的笔法非常克制，他没有过度渲染戏剧冲突，而是专注于挖掘台面下演员的身段、水袖的运用以及板眼之间的微妙变化。很多段落读起来，仿佛能听到二胡的拉腔和鼓板的击节，尤其是对“虚拟空间”的阐述，寥寥数语就勾勒出了舞台上“一马平川”或“三千越甲可吞吴”的意境转换，这种精准的艺术语言把握，显示出作者深厚的文学功底和对舞台实践的深刻理解。这绝不是简单地罗列剧目和作者，而是一次对中国古典戏剧“气韵生动”的精妙解读。

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