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出版者:上海人民美术出版社

作者:夏立敏

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2002-1-1

价格:30.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787532229284

丛书系列:

图书标签:

• 装饰
• 图案
• 设计
• 艺术
• 纹样
• 花纹
• 装饰艺术
• 民俗
• 传统
• 文化

编织时光的纹理：现代家居布艺的灵感殿堂 图书名称： 现代家居布艺设计与工艺 图书简介： 本书并非聚焦于平面或印刷上的“装饰图案”，而是深入探讨了家居空间中占据核心地位的“布艺”——从窗帘的垂坠美感到沙发套的触感革命，从抱枕的色彩交响到地毯的脚下故事。我们旨在为室内设计师、布艺工作室的专业人士，以及追求高品质生活美学的家居爱好者，提供一本兼具理论深度与实践指导的权威指南。 第一部分： 布料的语言——材质的内在叙事 本卷开篇即跳脱出单纯的视觉审美，回归到布料的物质本源。我们详细剖析了天然纤维（如精梳棉、亚麻、羊毛、真丝）与高科技合成纤维（如涤纶、腈纶、微纤维）的分子结构特性。 纤维的生命周期与可持续性： 探讨有机棉的种植、再生聚酯的提炼过程，以及不同材质在光照、湿度和日常磨损下的老化曲线。如何根据空间功能（如高人流量的公共区域、需要遮光的卧室）选择具有最佳耐久性和功能性的面料。 纱线的织法与肌理表现： 深入解析平纹、斜纹、缎纹、提花等基本织法如何影响面料的挺括度、悬垂性和透光性。特别辟出章节介绍复杂组织结构，如泡泡纱、植绒和雪尼尔的制作工艺，这些工艺直接决定了布艺的触感和视觉层次。 染色与后整理技术的革新： 介绍环保型活性染料的使用，以及功能性后整理技术，例如防水、防污、阻燃和抗紫外线处理。我们考察了最新的纳米技术在纺织品表面的应用，如何赋予传统面料超越其自身属性的现代功能。 第二部分： 空间中的动力学——布艺的功能美学 本部分将布艺从静态的材料提升到动态的空间元素，探讨其在界定空间、调节光线和优化声学环境中的作用。 光影的雕塑家：窗帘系统深度解析： 详细对比了罗马帘、百叶帘、蜂巢帘和双层卷帘的遮光率、热能阻隔效率和操作便捷性。我们不仅展示了不同褶皱处理（如法式褶、韩式褶）对光线漫射效果的影响，还提供了根据建筑朝向精确计算面料用量和悬挂高度的专业图表。 软装的温度计：沙发与坐卧类布艺的舒适工程： 探讨填充物的选择——从羽绒、高密度海绵到记忆棉——如何影响坐感的持久性与回弹性。重点分析了装饰性抱枕和靠垫的设计逻辑，包括其尺寸比例与人体工学的关系，以及如何通过不同材质的拼接（如皮革与粗纺羊毛的对比）来丰富视觉体验。 声学与地毯设计： 阐述地毯纤维高度、密度和背衬材料对室内混响时间和噪音吸收的影响。书中配有专业声学实验室的测试数据，指导读者如何在开放式空间中，利用地毯有效划分功能区并改善听觉环境。 第三部分： 工艺的温度——制作与维护的精细化 本部分是连接设计理念与最终成品之间的桥梁，强调精湛工艺对成品价值的决定性影响。 缝纫的艺术与精度： 详细图解高难度边角处理，如滚边、包边、双层衬里缝合的技巧。针对不同重量和厚度的面料，提供了调整缝纫机张力和针号的精确指南。特别收录了定制家具套的拆装图解，确保客户能够长期维护其高价值软装。 图案的布局与对花技术： 针对带有复杂几何图案或风景图案的壁纸和布料，我们展示了如何进行精准的“对花”计算，以最大限度地减少材料浪费，并确保图案在拼接处的视觉连续性。这部分内容包含了传统手工对花与现代数码印花工艺的对比分析。 维护与修复的实践指南： 提供针对蛋白质纤维（如丝绸、羊毛）和纤维素纤维（如棉、麻）的专业清洁剂选择和洗涤程序建议。深入讲解了微小破损的修复技术，如织补、染色补丁的应用，延长布艺家具的使用寿命。 总结： 《现代家居布艺设计与工艺》不是一本关于“花样”的图册，而是一本关于“结构、功能与触感”的实用手册。它引导读者超越表面的纹饰，去理解布料在空间中如何呼吸、如何承载光线，以及如何通过精湛的工艺实现设计者的最终意图，从而构建出真正具有生命力和舒适度的现代居住环境。

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说实话，这本书的厚度和内容密度，让我感觉像是读了一部浓缩版的“世界图案百科全书”，但它绝不是那种平铺直叙的图册。作者的写作风格非常注重逻辑推导和结构分析，尤其在处理那些复杂、多层次的装饰系统时，显得尤为出色。我特别欣赏它对“负空间”在图案设计中作用的阐释。在很多民族的传统纹样里，留白或者说空白区域，其重要性不亚于填充的图形本身，它定义了边界，赋予了图案呼吸感。这本书通过大量的对比图例，清晰地展示了如何通过调整负空间的形态来改变整个图案的视觉重量和动势。这种深入到“呼吸”层面的探讨，完全超出了我购买前对一本“装饰图案”书籍的预期。我本来以为会看到很多如何绘制卷草纹的技巧，结果却发现自己在学习如何“阅读”图案的结构和意图。对于我们这些常年靠“模仿”和“组合”过日子的设计师来说，这本书提供了一种更深层次的“内化”过程，让你学会像建筑师规划空间一样去设计平面纹样。

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购买这本书完全是个意外，我当时在寻找关于特定时期“装饰艺术”运动中纺织品图案的资料，被一个朋友无意中推荐了这本。阅读体验可以说是“渐入佳境”，初期比较困难，因为它并非一本以“如何操作”为导向的工具书，更像是一部装饰艺术的“编年史”和“解剖学”。我印象特别深的是关于不同文化如何借鉴和融合装饰母题的部分。比如，作者详细分析了伊斯兰艺术中的几何对称性如何影响了欧洲文艺复兴后期的某些建筑细节，这种跨文化传播的路径，远比教科书上描述的要复杂和微妙。书里对不同材质对图案表现力的影响也有深刻的论述，比如，同样是藤蔓纹，在木雕、陶瓷釉彩和金属錾刻上的处理手法是多么不同，体现了材料的内在限制与美感。读完这一块，我对自己过去只关注平面设计图式的局限性有了清晰的认识。这本书让你站得更高，不是在设计“一个图案”，而是在理解“所有图案背后的逻辑”。它要求你带着历史的眼光去看待每一个曲线和直线，非常考验读者的耐心和理解力，但回报是巨大的认知升级。

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我坦白说，这本书的排版风格让我一开始有点退缩。它不像现在市面上那些流行的设计书那样，封面炫目，内页大量使用高饱和度的色彩和醒目的字体。恰恰相反，《装饰图案》选择了非常克制和朴素的印刷风格，大量的留白，黑白线条图占据了主导地位，偶尔点缀的彩色插图，也都是精准地还原了原件的色调，没有一丝多余的渲染。这种风格，初看之下，甚至有点像一本陈旧的学术资料汇编。但当我深入阅读后，才体会到这种克制背后的力量。它迫使你的注意力完全集中在图案本身——那些线条的粗细、转折的角度、纹理的疏密。比如讲到洛可可风格的贝壳纹，如果用花哨的颜色去衬托，很容易让人忽略它本身那股流动的、轻盈的生命力。这本书就像一个高明的策展人，把所有干扰元素都拿掉了，只留下纯粹的视觉语言让你去对话。我甚至开始在自己的设计稿里尝试做减法，学着如何用最少的笔触表达最大的信息量。说实话，如果我只是想找点灵感素材，可能三分钟我就把它合上了，但如果我想提升自己对“形式美”的理解，这本书就是我的修炼场。

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我这本书的阅读过程，更像是一场穿越时空的田野调查，而不是在书桌前完成的学习。作者似乎把每一个章节都设定在一个特定的“工作室”里，让我们去感受材料和工具对图案的塑造。比如，讲到巴洛克时期的织锦艺术时，那种对丝线交织方向、光线反射角度的精妙描绘，让我几乎能闻到当时作坊里羊毛和染料的味道。更让我惊叹的是，作者在解析那些古老图案时，总能不着痕迹地将其与现代设计原则联系起来，但绝不是生硬地“嫁接”。比如，他会用现代的“模块化思维”去解释某种古希腊陶器上重复排列的边框纹样，指出其内在的算法逻辑，这极大地拓宽了我对“重复”这个概念的理解。这本书不教你画什么，而是教你如何“看”——如何用一种结构化、历史化的眼光去解构任何视觉信息。它让我开始重新审视我电脑里那些随手存下的素材库，明白每一个像素点背后都承载着文化的重量和设计的意图。这是一本需要反复研读，并且每次都能发现新东西的深度之作，绝对不是那种读完就束之高阁的“快餐书”。

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这本《装饰图案》的书，拿到手里沉甸甸的，感觉就不是那种轻飘飘的速成指南。我本来是想找点现成的花样直接套用的，结果翻开目录，嚯，居然涉及了这么多历史脉络和地域风格的演变。一开始看还挺不耐烦，觉得那些枯燥的理论介绍占了太多篇幅，什么“黄金分割在纹样构成中的应用”，听起来就头疼。直到我看到关于拜占庭马赛克纹样的那一章，作者对色彩的敏感度和对光影捕捉的描述，让我一下子入迷了。他不是简单罗列图片，而是像在讲故事一样，把那些冰冷的几何图形和复杂的植物卷须，还原成当时工匠们的心情和信仰。尤其是关于中国传统团花纹样的解析，那细致入微的笔触，把看似简单的对称美学，分解成了无数个可以被重新组合的模块。读完这一部分，我都有种想拿起笔，自己尝试重新设计一个现代版团花的冲动。这本书的价值，在于它提供了“骨架”，而不是直接给出“皮囊”。它逼着你思考“为什么”是这个图案，而不是简单地告诉你“应该用”哪个图案。对于真正想做设计、想做出有深度的作品的人来说，这简直是本“内功心法”。

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