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出版者:河南文艺

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页数:0

译者:

出版时间:2003-01-01

价格:12

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isbn号码:9787806233764

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• 二胡
• 技巧
• 练习
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• 初学

弦音漫步：中国传统音乐的流变与意境探寻 本书并非专注于二胡演奏技巧的系统性训练手册，而是致力于带领读者进行一场深度的、跨越时空的中国传统音乐文化之旅。 我们将目光投向更广阔的音乐画卷，探究这些流淌在民族血液中的旋律是如何诞生、演变，并最终承载起中华民族独特的情感与哲学内涵的。 第一部分：古韵追溯——音乐的源流与礼制 本书首先将读者带回先秦的雅乐时代。我们不再关注具体的乐器指法，而是深入探讨音乐在古代社会结构中的核心地位。雅乐不仅仅是娱乐，更是维护宗法礼制、教化人心的重要工具。《礼记·乐记》中的精妙论述将被重新审视，探讨“中正平和”的审美取向如何塑造了早期中国音乐的骨架。我们将分析在那个时代，宫廷音乐（如编钟、编磬）与民间音乐（如早期的弹拨乐器和管乐）是如何相互影响、分流又融合的。 重点章节将解析“八音”的分类体系，不仅仅是罗列材料，而是探讨这种分类法背后蕴含的古代宇宙观和五行哲学。例如，丝、竹、匏、土、革、木、石、金这些材质的选用，如何暗合了天地运行的规律，以及这种宇宙观如何渗透到音乐的结构和情绪表达中。 第二部分：丝竹管弦的盛衰——历史长河中的乐器更迭 本部分将聚焦于中国传统乐器的“谱系”演变，而不是单一乐器的练习方法。我们将详细考察琵琶、古筝、笛子、唢呐等主要乐器在不同历史时期的社会地位和审美风格的变化。 琵琶的“胡化”与“文人化”： 追溯琵琶从唐代传入，如何经历“曲项”到“直项”的形制转变，及其在宋元时期从宴乐伴奏乐器，逐步蜕变为可以独奏、表达复杂情感的文人乐器。我们会引用宋词、元曲中的相关描述，侧面印证其表现力的提升。 琴学的高峰与隐逸： 深度剖析古琴（七弦琴）作为“士大夫之乐”的特殊性。我们探讨的不是指法，而是“徽位”的象征意义、“散、按、泛”的哲学内涵。古琴的“不工之工”，如何体现了道家“大音希声”的思想，以及琴谱（如减字谱）本身作为一种独特的“书写”方式，如何成为一种精神图腾。 民间曲艺的蓬勃： 考察戏曲音乐的兴起，特别是昆曲和地方戏曲（如京剧的前身）在明清时期对音乐语言的贡献。我们分析板式、腔调的形成，探讨音乐如何为故事情节和人物性格服务，而不是孤立地存在。 第三部分：意境的摹写——传统音乐的审美范式 本章是本书的理论核心，探讨中国传统音乐（区别于西方音乐的结构主义）是如何创造“意境”的。 我们将深入解读“留白”在音乐中的作用。这种“空白”并非虚无，而是给听者留下的想象空间。我们会分析慢板、散板的运用，探讨它们如何模拟自然界的节奏——如山风拂过、流水潺潺的动态过程。 “情景交融”的构建： 传统音乐的叙事往往不是线性的，而是通过描绘特定场景来引发情感共鸣。例如，如何通过特定的音高组合和节奏变化来“描绘”月夜、秋风或边塞的景象。这涉及到对中国传统绘画美学（如散点透视）在听觉领域的投射。 调式与五音的象征意义： 详细讨论宫、商、角、徵、羽这五个音阶与五行、五脏、五色的对应关系。我们探究为何某些调式被认为主“忧”，而另一些则主“喜”，这种关联并非偶然，而是古代医学和哲学的综合体现。 演奏者的“心性”修养： 探讨传统观念中“乐为人性，声为乐情”的观点。强调演奏者需要具备的道德和心性修养，认为只有心性平和，才能奏出符合“中和”之美的乐音。这部分内容侧重于音乐家在精神层面与作品的融合。 第四部分：传承与革新——世纪之交的音乐对话 最后一部分，本书将视野拉回到近现代，审视传统音乐在面对西方音乐体系冲击时的适应与抗争。 我们将探讨二十世纪初的音乐教育改革，以及老一辈音乐家（如对民间音乐进行田野调查和整理的学者）所做出的努力。我们不讨论现代练习曲的写作，而是关注传统曲目在新的乐器形制（如改进后的二胡、高胡等）上如何被重新演绎。 重点讨论“民族管弦乐”这一概念的诞生，它是如何借鉴西方管弦乐队的编制和配器法，来拓展中国传统乐器的表现力和音响厚度，从而在世界音乐舞台上发出自己的声音。 本书旨在为所有对中国文化和声音艺术抱有好奇心的读者提供一个全面的、富有思辨性的导览，理解这些旋律背后所承载的文化重量与哲学深度。它是一本关于听觉体验的历史、哲学与美学的专著。

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从一个有着多年演奏经验的乐手视角来看，这本书的独特之处在于它敢于触及一些被传统教学体系长期回避的“灰色地带”。它不仅收录了主流的、公认的有效练习，更加入了对一些“非主流”甚至略带争议的演奏方法的探讨和批判性分析。这种开放性的态度，使得这本书具有了超越时代局限的生命力。它鼓励读者带着批判性思维去吸收知识，而不是全盘接受。我尤其欣赏作者在讨论高级乐曲片段处理时，所表现出的那种深厚的文化积淀和广博的乐理知识。这些片段的分析，不是简单的技术分解，而是融入了对作曲家意图、作品风格背景的深入理解。读起来，既有技术训练的严谨，又有艺术鉴赏的愉悦。这使得我手中的乐谱在被技巧武装之后，也能被注入更深刻的文化内涵，极大地丰富了我的音乐表达维度。

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这本书最让我感到震撼的地方，在于它对于“音乐表现力”的物理基础的深入挖掘。很多教材教你“要拉得有感情”，但这本书却用近乎物理学的方法去解释“感情如何通过指尖和弓子得以实现”。比如，它详细描述了如何通过改变弓杆的倾斜角度来控制泛音的清晰度，以及如何通过微调左手按弦指根的松紧度来改变音色的颗粒感和延长感。这对于提升我的演奏层次至关重要。以前我总觉得有些高难度技巧是靠天赋和感觉才能完成的，读了这本书后，我意识到那些“感觉”背后，其实都有一套可以被拆解、学习和掌握的执行方案。它极大地拓宽了我对“技巧”这个概念的理解，不再仅仅停留在指法和速度上，而是将其提升到了音色塑造和情感传达的层面。每次练习完书中的一个章节，我都能明显感觉到自己对乐器本体的控制力又精进了一层，那是一种由内而外的扎实感。

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这本书的装帧和排版设计，透露着一种低调的专业性。纸张的选择非常适宜长时间阅读和翻阅，不会反光，墨迹清晰，即便是反复在练习时涂写标注，也不会显得过于狼藉。我特别喜欢它在每一单元开始时引用的那些经典乐曲片段，这些片段的选择非常精准，往往能立即点明接下来要攻克的难点所在。相比市面上那些色彩斑斓、追求视觉冲击力的教材，这本更像是学术专著，朴素的外壳下包裹着的是极其严谨的学术态度。对于我这样更注重内容深度而非表面花哨的专业人士来说，这种设计哲学深得我心。它的目录结构逻辑性极强，你几乎可以不看具体内容，仅凭标题就能大致推断出作者的教学思路——从宏观到微观，从静态到动态，层层递进，无懈可击。它建立的知识体系框架非常稳固，让人在学习过程中始终保有清晰的方向感，不会迷失在繁杂的练习细节中。

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读完这本书的某些章节后，我感觉自己仿佛完成了一次对传统演奏技法的深度考古。作者的叙述风格非常内敛而老派，充满了对前辈艺术家的敬畏之情，但绝非墨守成规。它巧妙地将流传已久、口耳相传的“诀窍”用现代化的、可量化的语言进行了解构和重组。举个例子，书中对比分析了不同流派对颤音速度和宽度的处理差异，并附带了不同历史时期录音的听觉参考（尽管只是文字描述，但其指向性极强）。这对于我重新审视自己过去几十年形成的演奏习惯起到了关键的纠偏作用。它不是简单地堆砌练习曲，而是将每一种技巧都置于一个更宏大的音乐语境中去考察其存在的意义。阅读过程中，我常常需要停下来，拿起琴仔细体会文字描述与手中实际发出的声音之间的细微差别。这种沉浸式的学习体验，使得原本枯燥的技巧训练变得富有探索的乐趣。这本书更像是提供了一套“思维工具箱”，让你能够独立诊断并解决未来可能遇到的所有演奏难题，远超出了普通练习指导书的范畴。

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这套关于民乐演奏技巧的参考书，内容详实得令人惊叹。初次翻阅时，我就被其系统性的编排深深吸引。它似乎涵盖了从最基础的手型调整到复杂揉弦技巧的每一个细微之处。我特别欣赏作者对于“气韵”这种抽象概念如何转化为具体练习方法的阐述，这在许多传统教材中往往是缺失的一环。比如，书中对于运弓速度与弓压之间微妙平衡的解析，简直如同解剖学般精确，用图示和文字描述相结合的方式，让我立刻就能在自己的乐器上找到那种“对”的感觉。对于像我这种经常在演奏中遇到瓶颈的习琴者来说，这本书就像是一个随身携带的、极其耐心的私人导师。它没有流于空泛的鼓励，而是直接指向问题的核心，并提供了一系列可操作的、循序渐进的练习方案。特别是关于左手换把位时音准稳定性的训练部分，我尝试了书中的几种“慢速微调”法后，明显感觉到那种心悬一线的不确定感降低了许多。这本书的价值在于，它不仅仅告诉你“该怎么做”，更重要的是解释了“为什么这么做会有效”，这种深度思考的融入，极大地提升了学习的效率和对音乐的理解。

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